Cómo casarse con un millonario

UNA PRESENCIA NECESARIA

2009-02-23T04:20:00.000-08:00

"A quien Dios se la da, que San Pedro se la bendiga".
No es momento de polemizar sobre si éste es -o no- un Oscar merecido; sobre todo si tenemos en cuenta que Hollywood siempre ha sido reacio a conceder su máximo galardón a demasiados directores, actores y productores que, a lo largo de la historia y según la opinición generalizada de la crítica mundial, sí que lo merecían.
Tampoco es momento para entrar en arduos debates orientados a determinar si la discreta actuación de Penélope en la película de Allen, supera la soberbia interpretativa de Viola Davis, el desparpajo natural de Amy Adams o la efectividad de una siempre resultona Marisa Tomei. Ni siquiera es tiempo de emprender un discurso demagógico que realce las múltiples virtudes de una cantera de buenas actrices españolas en las que la Meca del Cine nunca se fijará.
Por el contrario, es preciso saber y pensar que la de Penélope Cruz en Hollywood es una de esas "presencias necesarias" que vienen a cubrir la nostalgia de su época de máximo esplendor; y apuntar hacia el "cinéfilo culpable" que supo ver en ella esa proyección.
No son en vano, por lo tanto, esas "gracias a mi amigo Pedro Almodóvar" que, emocionada, pronunciaba la actriz. En su faceta de director clásico y cinéfilo -aspectos que nunca le reconocerá un gran sector de la crítica española- el manchego sabe resucitar la fuerza de las heroínas del neorrealismo italino para completar el personaje de su Raimunda de Volver. Por si el mensaje no fuera captado en el otro lado del Atlántico, hasta se permite realizar una réplica perfeta de Sophia Loren en sus mejores tiempos; perfil de mujer que, aun teniendo el registro lingüístico de cualquier manchega, no se corresponde con la apariencia física de ninguna en pleno siglo XXI.
Hollywood, sobre todo en un año en el que reivindica -como en su época dorada- que sólo con un buen guión se hace una buena película; también añoraba la presencia de una actriz europea de carácter latino, y Pedro Almodóvar la proporcionó. Motivos ambos que han de ser orgullo para los cinéfilos patrios.

BAJA POR MATERNIDAD

2008-08-25T04:13:00.000-07:00

Bueno, pues casi sin aliento, vengo a despedirme de vosotros.
Ojalá os supiera sorprender con uno de esos discursos que parecen haber sido escritos en lo más profundo del alma y logran conmover a quienes los leen, pero ya sabéis de mi torpe aliño indumentario, que dijera Machado; de mi estilo, a veces, aséptico y siempre directo al escribir. Fiel al mismo (los años pesan demasiado como para intentar cambiar), os digo que me siento pletórica de entusiasmo, algo (bastante) nerviosa, y tremendamente ilusionada por mi próxima maternidad.

Por fin, tras un parto interminable de gestiones burocráticas, las buenas nuevas del otro lado del Atlántico llegaron el 14 de Agosto, y la inversión de felicidad iniciada años atrás se pudo materializar. Mañana partimos hacia el Nuevo Mundo, y el día 28 nos reunimos con nuestro hijo. Después, tras una última odisea de papeleo (cosa de na lo de Ulises) para darle la nacionalidad española al peque, volvemos a casa por Navidad (jajajaja, que es broma); volveremos sobre el 30 de septiembre.

Me marcho con una espinita clavada, que es la de no haber podido compartir comentarios cinéfilos con vosotros durante las últimas semanas; pero, de verdad os digo que, aun siendo "Funcionaria del Estado Español" como dicen mis hermanos de Latino América cuando tienen que plasmar en documentos oficiales mi profesión; aun habiendo tramitado todo tipo de expedientes en 20 años de servicio, jamás -y esto quiere decir JAMÁS- me había enfrentado a un proceso tan angustioso; posiblemente debido a la comprensible, lógica e ineludible implicación emocional.

Sea como fuere, Alan ya es nuestro, y ya me encargaré yo de inculcarle ese amor desmedido que siento por el cine, tanto como de explicarle que los sinónimos de la palabra "adoptado" son Buscado, Pleiteado; Anhelado, Deseado, Esperado, Amado; y no otros.

Echaré de menos el blog (mi blog) en el que tantas sonrisas me habéis dibujado cada mañana mientras trabajo. Echaré de menos la agradable y, a veces, laboriosa tarea de escribir críticas. Pero, sobre todo, os echaré de menos a TODOS y cada uno de vosotr@s.

Miles de Besos.
Nos vemos en Octubre.
M.I.

LA MOMIA: LA TUMBA DEL EMPERADOR DRAGÓN.

2008-08-06T05:37:00.000-07:00

La ambiciosa coproducción avalada por Alphaville Films, de impresionante dirección artística e impagable diseño de producción, se pierde entre un montaje disperso, una filmación confusa y un guión enlatado que nada aporta al género de aventuras, sepultando en terracota el carisma de unos personajes que hicieron soportable la saga.

TITULO ORIGINAL The Mummy: Tomb of the Dragon Emperor (The Mummy 3)
AÑO 2008
DURACIÓN 114 min.
PAÍS USA
DIRECTOR Rob Cohen
GUIÓN Alfred Gough, Miles Millar
MÚSICA Randy Edelman
FOTOGRAFÍA Simon Duggan
REPARTO Brendan Fraser, Maria Bello, Luke Ford, Jet Li, Michele Yeoh, John Hannah, Russell Wong, Isabella Leong, Anthony Wong Chau-Sang, Albert Kwan, Tian Liang
PRODUCTORA Coproducción EEUU-Alemania-Canadá; Alphaville Films

Para no llevar sobresaltos en la excavación de la tumba del emperador dragón, conviene saber que no encontraremos entre los miembros de su equipo a la embarazadísima (¡hay que ver lo que gusta ese término a los comentaristas de los Oscars!) Rachel Weisz, quien, tras recoger el suyo, decidió olvidarse del asunto. De igual manera, habremos de desaprender lo aprendido en egiptología (que tampoco fue mucho) para emprender aventura en La China milenaria y, respetuosos siempre con su Historia -máxima preocupación de la productora, que queda resuelta al contar una nueva historia del Rey Escorpión-, tendremos buen cuidado en no cometer el error de intentar buscar referencias en momias cinematográficas serias, como empiezan a hacer los llamados medios especializados, se supone que de cine. Vamos, que yo me creo el baturrillo que se montan las brujas anglosajonas con ínfulas orientales, las batallas campales salidas de La Bruja Novata, los hijos que superan en edad a sus padres (tipo Alejandro Magno de Stone), y hasta las escenas de yetis que luchan contra cosas de tres cabezas, pero no paso por comparar las Sommers-Momias (en cine, dícese de las películas escritas y dirigidas por Stephen Sommers) con las que llegaron de la mano de Karl Freund en 1932 o de Terence Fisher en 1959. Aquéllas helaban la sangre con el único efecto especial de una mirada que aparecía iluminada, mientras que éstas se decantan por una competición perdida contra el famoso arqueólogo Jones.

Sentadas las bases, también conviene tener en cuenta que la saga cambia de director, y que nadie está más familiarizado con dragones que Rob Cohen, por aquello de Dragón: la vida de Bruce Lee en 1993 o Corazón de Dragón en 1996; culpable directo de que una servidora sienta pánico en los túneles y del vértigo producido por las sucesivas avalanchas en el Himalaya, que todavía me marean. Y es que eso del sistema de multi-cámaras que inventara Akira Kurosawa, imprescindible en el cine contemporáneo; mezclado con el stop-motion que tanto gusta a gente como Tim Burton; aderezado con los inmortales retimes que apasionaban a Sam Peckinpah; y culminados con unos efectos especiales generados por ordenador, cuya explicación ocupa 37 páginas de las que deben de ser las notas de producción más largas desde Lo que el Viento se Llevó, están muy bien siempre que se consiga ver algo en la pantalla, evitando la sensación de confusión continua que el cineasta consigue desencadenar en las más álgidas escenas de acción de esta película. Filmación difusa, alimentada por un montaje disperso y un guión encaminado a sepultar el carisma de los personajes que, en otras historias, hicieron soportable la saga.

Curiosamente, a nivel de guión, la parte “histórica” (ya dijimos que son sumamente respetuosos con la tradición china), resulta impecable en su planteamiento inicial y, con diferencia, la más atractiva del metraje; no por original, ya que en ella sólo falta apuntar que los asesinos a sueldo de la Antigüedad eran los arcadios, sino por la limpieza y concisión de su estructura narrativa. Por el contrario, el desarrollo del que debería ser el verdadero nudo de la trama, la zona argumental que afecta a los personajes centrales y sirve de unión entre las distintas etapas de la primera, sólo consigue ralentizar –que no sosegar- el relato, en medio de una eterna lucha generacional (¿parecido sospechoso con La Última Cruzada?), de moribundos que requieren del pozo de la vida eterna para su salvación (parecido sospechoso con La Última Cruzada), con chistes sin gracia (queda excluida la vaca) y espectaculares trampas mortales que, -como debe ser-, sólo alcanzan a los nativos buenos que les acompañan. Irrisoria e insufrible en su tramo final, los guionistas empiezan a enredar en el reparto de tareas, restando importancia a los actores secundarios sobre los que recae la totalidad del peso de la historia, para acentuar los papeles de unos protagonistas que no terminan de encajar en el conjunto, con aportaciones prescindibles en las tres cuartas partes del filme. Destacables, en todo caso, son las interpretaciones femeninas, tanto como la de John Hannah, único rescatador del aburrimiento en el que desembocan las ridículas escenitas familiares; que contrastan con un Brendan Fraser momificado y un empanadísimo adalid del antimorbo Luke Ford.

Con un encomiable diseño de producción y un impresionante derroche en la dirección artística, responsables de la recreación de parajes de ensueño, escenarios chino-macro-faraónicos y de la correctísima ambientación del Londres de posguerra, nos quedamos con la convicción de que alguna cosica de Im-Ho-Tep se debieron de quedar el vividor y la bibliotecaria para habitar en semejante residencia británica, de que “hay algo romántico en vencer a los no-muertos”, y de que la cuarta entrega debería contar con una nueva protagonista como Isabella Leong, sólo con Isabella Leong.

ELEFANTES EN LA PARED

2008-08-04T04:55:00.001-07:00

"Elefantes en la Pared" es el título de una serie de cartas que nacen en el corazón de una madre que todavía no conoce a su hijo, en una larga espera que se torna un embarazo de elefanta.
En un principio, pensé que, al contener importante información sobre el proceso de adopción, estas cartas podrían ser editadas y divulgadas, con la finalidad de ayudar a otras madres en la misma situación.
Finalmente, he llegado a la conclusión de que, al ser éstas un conjunto de sentimientos personales e intransferibles, deberán llegar en su estado original a su verdadero y único destinatario, quien, algún día, sabrá qué hacer con ellas.
No obstante, y con la finalidad de ser útil a otras parejas (qué no hubiéramos dado nosotros por una ayuda así), proporcionaremos toda la información con la que contamos en los lugares especializados, al final de nuestra aventura en el Nuevo Mundo.

POSDATA: TE QUIERO

2008-07-16T08:49:00.000-07:00

Como la vida misma. Muchas lágrimas y risas, buena música y mejor cine en una comedia romántica agridulce y atípica, grandiosamente interpretada por Hilary Swank.

TITULO ORIGINAL P.S., I Love You
AÑO 2007
DURACIÓN 126 min.
PAÍS USA
DIRECTOR Richard LaGravenese
GUIÓN Richard LaGravenese, Steven Rogers (Novela: Cecelia Ahern)
MÚSICA John Powell
FOTOGRAFÍA Terry Stacey
REPARTO Hilary Swank, Gerard Butler, Lisa Kudrow, Harry Connick Jr., Gina Gershon, Jeffrey Dean Morgan, Kathy Bates
PRODUCTORA Alcon Entertainment / Grosvenor Park Productions / Wendy Finerman Productions.

El obsequio de gran parte de un número musical interpretado por Judy Garland para Ha Nacido Una Estrella de George Cukor, es tan sólo una muestra de los múltiples guiños cinéfilos que contiene esta comedia romántica atípica, y un gesto que no sorprende viniendo del director de A Decade under the Influence, el documental que recogió la importancia de los años setenta en el mundo del cine, con protagonistas de lujo como Martin Scorsese, Sidney Lumet, Robert Altman, Milos Forman o Sydney Pollack entre otros grandes cineastas, que supieron convencer a las productoras de lo que el cine necesitaba en ese momento, “aunque ellos no lo tuvieran tan claro”, como más tarde confesara Coppola.

El color azul del vestido de Judy y el tinte arrebolado de sus candorosas mejillas, contrastan con el primer plano en blanco y negro de unos zapatos poderosos que, en cámara ascendente y bajo un aparatoso sombrero, (ya sabemos de dónde extrajo James Cameron la espectacular presentación de Kate Winslet en Titanic), descubren el rostro clásico inconfundible de la que muchos consideran la más grande de todos los tiempos. “¿Por qué no puedo ser como Bette Davis?”, se pregunta la protagonista en medio de la desesperación, sabiendo o no que desde que John Cromwell supo que era “la mala” en Cautivos del Deseo, la totalidad de sus personajes tuvieron la grandeza de traspasar la pantalla, superando no sólo a la persona, a la película que los contenía o a la actriz, sino también al mito. Sabiendo o no que mucha de esa grandeza, de esos personajes con vida propia, se encuentran en sus caracterizaciones. Y es que sufrimos con Hilary Swank, reímos cuando ella está contenta, dejamos de respirar si se ahoga. Demasiada actriz, quizás, para una película tan injustamente tratada por la crítica.

Nada es casual ni queda vacío en el conjunto de Posdata: Te Quiero. Cada una de las referencias cinematográficas que se insertan, quedan unidas a la personalidad del personaje central, conducen su destino o anticipan los acontecimientos, rodeadas de la buena música que configura la banda sonora existente en la trayectoria vital de todo ser humano. (En este sentido, es una condena para el público español haber traducido algunas de esas canciones, que suenan a gloria en inglés). El problema es que nadie se espera un producto como éste, con un argumento que deambula entre el plano cómico de No me Mandes Flores de Norman Jewison, el plano dramático de Mi Vida sin Mí de Isabel Coixet, y el plano romántico de Ghost de Jerry Zucker, para alcanzar un insólito equilibrio difícil de asimilar y felizmente coronado en la ejecución que apuesta por imperceptibles y prolongados falshbacks (uno de sus mejores aciertos) que alternan pasado y presente, y son introducidos por la precisa voz en off procedente de las cartas de ultratumba. Todas ellas, técnicas recurrentes en cine, mal utilizadas de manera sistemática en los últimos tiempos, y sabiamente aplicadas en esta cinta, al haber encontrado el formato exacto que la historia requería.

Si se decide obviar el fino, irónico e inteligente sentido del humor que desprende su guión, es posible que resulte fastidiosa –casi escandalosa- la idea de un marido muerto que sigue controlando la vida de su joven viuda, indicándole cómo ha de vestir, dónde veranear, a qué fiestas asistir o cuándo volverse a enamorar; tanto como la terrible actitud paternalista del marido que, suponiendo perdida a su esposa durante su ausencia, sienta la necesidad de prolongar su estancia en la Tierra. Sin embargo, sería una equivocación enfocar el resultado desde esa perspectiva peregrina, para llegar a la conclusión errónea de un filme que claramente aboga por la eterna lucha de géneros o incluso el “mal lugar” en el que queda la mujer en la comedia contemporánea. No van las pistas por esos derroteros, ni es ésa la esencia del relato creado por una joven irlandesa de veintiún años, por lo que todos esos aspectos no dejan de ser simpáticas anécdotas, graciosas metáforas que desarrollan las distintas etapas del sentimiento de pérdida que siguen a la muerte de un ser querido: desde el más absoluto de los abandonos hasta la fortaleza que tuviera aquella señora de Norman Maine.

Tras un torpe comienzo que incluye una interminable escena doméstica, de doce páginas de guión, difícil de digerir por su pretensión convencional; un funeral indescriptible en el que se dan situaciones disparatadas que dejan descolocado al más escéptico; y un atisbo de falsa lentitud en el ritmo narrativo e inverosímil composición de personajes; la historia termina ofreciendo aquello que no promete: profundidad, plasmada en unos diálogos aparentemente intrascendentes, ocultos en un carrusel de emociones emergentes, pero contundentes en sus conclusiones.

Y, en medio de ese mar de sensaciones, fácil es percibir la angustia de la inmensa gama de tonos que adquiere el color gris, sabiendo qué posdata dedicar a la persona con la que, quizás por discutir mejor, decidimos compartir nuestra vida. Sencillamente, perfecta.

LAS CRÓNICAS DE NARNIA: EL PRÍNCIPE CASPIAN

2008-07-09T09:33:00.000-07:00

Rara vez segundas partes fueron tan buenas. Notablemente superior a ‘El León, la bruja y el armario’, con ‘El Príncipe Caspian’ se inicia la magia en Narnia, y el cine encuentra una importante muestra del mejor género juvenil épico y de aventuras.

ADVERTENCIA IMPORTANTE: Al adentrarse en Narnia, el tiempo que conocemos se congela. Por ese motivo, sus 144 minutos de metraje se antojan un suspiro.

TITULO ORIGINAL The Chronicles of Narnia: Prince Caspian
AÑO 2008
DURACIÓN 144 min.
PAÍS USA
DIRECTOR Andrew Adamson
GUIÓN Andrew Adamson, Christopher Markus, Stephen McFeely (Novela: C.S. Lewis)
MÚSICA Harry Gregson-Williams
FOTOGRAFÍA Karl Walter Lindenlaub
REPARTO Ben Barnes, William Moseley, Skandar Keynes, Anna Popplewell, Georgie Henley, Sergio Castellitto, Alicia Borrachero
PRODUCTORA Walden Media / Walt Disney Pictures / Stillking Films

Cuesta creer que la primera parte de Las Crónicas de Narnia llegara a gustar a alguien que ya haya perdido su último diente de leche. Las productoras, quizás motivadas por una absoluta fidelidad al original literario, cometían el error de enfocar la totalidad de la historia a través de los ojos de una niña pequeña (la preciosa Georgie Henley), desenfocando al resto de los personajes y logrando un guión plano y simplista que se desarrolla con ritmo lento e irrelevante. Sobresaliente en algunos, pocos, tramos del metraje, el tono cinematográfico predominante se debatía entre leves alusiones al mundo de Tolkien y recurrentes miradas “al otro lado” de Lewis Carroll, con una puesta en escena lineal de eternas baldosas amarillas que buscan la luz de la farola entre sombras de dragones y mazmorras, y que dejaban reducida la supuesta magia de Narnia al impresionante realismo que desprenden sus animales parlantes... o al susto que pudo provocar la soberbia actuación de Tilda Swinton en los más peques de la casa. En líneas generales, se puede hablar de El León, La Bruja y el Armario como de una película intrascendental, que los más optimistas calificaron de “demasiado infantil”, que a otros nos dejó la sensación de producto inacabado –o lo que es peor- de elaborado con cierta desgana; y que, en ningún caso, podía presagiar una secuela brillante.

El Príncipe Caspian, para asombro de muchos, salva todos los errores de un torpe comienzo de las crónicas narnianas (siete en total), conteniendo un equilibrio perfecto entre los clásicos cuentos de Disney (príncipes azules, pérfidos villanos, puentes levadizos que alcanzan castillos de ensueño, veloces corceles y sabios alquimistas), y las mejores aventuras épicas de corte fantástico. Imaginen una mezcla con los mejores momentos de películas como Robin Hood, Príncipe de los Ladrones (momentazo de la cámara que sigue la trayectoria de la flecha que cruza los cielos), Timeline (pasadizos secretos que propician viajes imposibles en el espacio-tiempo) y Las Dos Torres de El Señor de los Anillos (los árboles entrando en batalla), a los que se añade un meritorio combinado de acciones que apuestan por la igualdad, la libertad y la fraternidad entre todos los seres vivos. Y es que mientras algunos críticos norteamericanos se escandalizan advirtiendo de su “peligroso contenido religioso”, llegando incluso a hablar de un disimulado “llamamiento a la guerra santa” (¡lo que hay que leer!), otros nos rendimos ante la firme propuesta que aboga por una sociedad multirracial (castores, centauros, minotauros) y pluricultural (humanos, telmarinos) que conviven en paz.

“El segundo capítulo de un sueño eterno”, como define la película uno de sus responsables, cuenta con un elaborado guión, de sólida estructura y ágiles diálogos, en el que todos los personajes encuentran un lugar privilegiado, encajando como piezas precisas de un aparatoso espectáculo de aparente sencillez. Según una máxima cinematográfica, los mejores efectos especiales son siempre aquellos que pasan desapercibidos y, en este sentido, resulta difícil convencerse de que el león no sea real, o de que los hermosos paisajes de Narnia nunca existieran tras los abrigos de algún armario ropero. Los rocambolescos, abundantes y monótonos decorados de la primera parte son sustituidos por paradisíacas localizaciones halladas en Nueva Zelanda; los tiempos muertos, protagonizados por la joven reina, que presidían la aventura anterior, quedan reducidos al espacio onírico, para priorizar un desbordante despliegue del mejor cine de acción que se ve acompañado por un impecable diseño de producción, una sobria dirección artística, un acertado montaje y una inmejorable fotografía. Con una factura impecable y una encomiable dirección técnica, la ficha artística, con una mención especial para los actores españoles, cumple con la misión principal de “hacernos creer”; mientras que el conjunto de la cinta, por su parte, con la suya, que es la de entretener.

Para el recuerdo, el grito exaltado del sumo monarca Peter, El Magnífico, en su defensa de los más débiles; la confianza depositada por la Reina Susan, La Benévola, en su arco mágico; los poderes del elixir milagroso de la Reina Lucy, La Valiente; y el don de la ubicuidad al que nos ha acostumbrado el gran Rey Edmund, El Justo. Para la curiosidad, saber que todos ellos, héroes y heroínas valerosos, son jóvenes estudiantes de un colegio británico. Para los cinéfilos, una película especialmente recomendada para los niños y para las no tan niñas; para los que creen en el poder de la palabra (o del rugido) frente al de las armas; para las que no tenemos sentido de la orientación pero sabemos hacer dos cosas diferentes al mismo tiempo; para quienes se emocionan cuando el gran Aslan, cual político español, hace poner en pie a los reyes - y a las reinas- de Narnia; para quienes saben que hay un momento para todo y momentos a los que no se puede retornar; para quienes son conscientes de no poder cambiar el pasado pero apuestan por el futuro; para los que y las que, alguna vez, nos hemos sentido imprescindibles en algún lugar maravilloso.
En pocas palabras, para un tipo de público que todavía cree que una película pueda cambiar el mundo.

EL INCREÍBLE HULK

2008-07-09T09:19:00.000-07:00

Mucho ruido y poco cine. La secuela de Hulk nos llega en el peor formato de súper-héroe contra maxi-villano, romances de bestia y bella, y dosis innecesarias de violencia generada por ordenador.

TITULO ORIGINAL The Incredible Hulk (Hulk 2)
AÑO 2008
DURACIÓN 114 min.
PAÍS USA
DIRECTOR Louis Leterrier
GUIÓN Zak Penn (Personaje: Stan Lee, Jack Kirby)
MÚSICA Craig Armstrong
FOTOGRAFÍA Peter Menzies Jr.
REPARTO Edward Norton, Liv Tyler, Tim Roth, William Hurt, Tim Blake Nelson, Ty Burrell, Stan Lee, Robert Downey Jr.
PRODUCTORA Universal Pictures / Marvel Enterprises

Hasta donde yo llego, -que es bastante cerca-, Hulk era un tipo simpático y entrañable, poquita cosa y cabezón, que pululaba por el UHF en blanco y negro de las casas. Después, con la llegada de las teles en color, el tema, -al menos, para mí-, dejó de tener su encanto, y es que el verde en spray no era un tinte demasiado apropiado para el ser humano, y los capítulos se repetían con la asombrosa monotonía del señor encantador que monta en cólera por una injusticia social, haciéndose fuerte para proteger siempre a los más débiles. Quizás por este importante mensaje, posiblemente distorsionado, de recuerdos de infancia, a algunos no nos llegue a cuadrar la propuesta de los productores de la historia que hoy comentamos, al quererle mostrar como un Dr. Jekyll y Mr. Hyde cualquiera. Quizás tenga la culpa el haberse perdido la esencia de los cómics y del personaje creado por Stan Lee y Jack Kirby para la Marvel en 1962, y es que es aquí donde confieso haber sido más fan de “Purita, Agencia Matrimonial”.

En cualquier caso, dejando a un lado la fidelidad que pueda o no guardar el Hulk-Norton de Louis Leterrier con el original, no se sabe hasta qué punto puede interesar la existencia de un súper héroe tan inimaginablemente egocéntrico en su apariencia humana como innecesariamente destructivo en su faceta de monstruo bueno. Mientras que el científico no tiene más preocupación que la de cuidar de sí mismo, procurar la cura a su mal, y su reinserción social para recuperar lo que fue suyo, no importándole abandonar en el trayecto, y a su suerte, a un fiel amigo canino (qué diferente al Will Smith de Soy Leyenda); el transformado en masa, ni mira ni repara al poner en peligro a la población, con la única finalidad de huir del aluvión de balas y proyectiles que se le viene encima; siendo en ese apogeo del yo-Yo-YO el momento en el que las cosas empiezan a funcionar, se consigue el beneplácito y hasta la admiración del rival sentimental, y nos quedamos con la chica. Valiosos valores donde los haya–si es que hay alguno- para inculcar a un público mayoritariamente menudo; que, afortunadamente, nunca reparará en el innombrable desembarco del ejército americano en tierras brasileñas.

Con un planteamiento vacío de contenido y un personaje incapaz de suscitar la más mínima empatía, las teorías del olvido inician un proceso imparable, de tal manera que si del Hulk-Eric-el Guapo sólo quedó para el recuerdo la traumática escena de una mole verdosa recorriendo el globo terráqueo cual grácil mariposilla campera, haciendo honor al título de “cineasta del mundo” del Ang Lee; de ésta, quizás, sólo perdure la visión de la descomunal gelatina en la que se transforma un inverosímil Tim Roth al “meterse” de todo y más en vena. Un muy lamentable resultado, que sólo en su primera parte deja traslucir lo que pudo ser la elaborada trama de un excelente guionista nunca acreditado como es Edward Norton, y que pronto queda frenada al no hallar un equilibrio con los artificios de pirotecnia propios de un despliegue de efectos especiales, más impresionantes al ser relatados en las notas de producción que vistos sobre la pantalla.

Los títulos de crédito, por su parte, prometen un arranque que no decepciona, para asistir al nacimiento de dos cintas diferentes que, al precio de una, resultan difíciles de unir en el caótico conjunto. La parte real, de destino incierto, propicia la inserción de numerosos, repetitivos e interminables episodios de lucha libre con improvisados escudos, ridículas escaramuzas románticas en noches de tormenta, trasnochados relatos de peregrinas irradiaciones, absurdas ansias de arquitectura paisajística propias de la dirección plana de todo artesano mediocre contemporáneo, y míticos momentos “cruzado mágico de Playtex” de la sosa protagonista, que no salvan ni las tablas de William Hurt, ni la impagable presencia del Norton que actúa.

Ni espectacular ni entretenida, a doscientas pulsaciones por minuto, el corazón humano sufre una taquicardia, el increíble doctor Banner cambia de dimensiones, y el más recio aburrimiento se apodera de la sala. Miedo da pensar en la tercera de la saga, en el reseco panorama cinematográfico que se avecina, en los efectos de la pasada huelga de guionistas, en la certeza “de tener que convertirse en una berza” que solía exclamar don Miguel de Unamuno mientras paseaba por un huerto monacal.....Demasiadas complicaciones ante lo que sólo pretendía ser un pelotazo veraniego.

ELLA ES EL PARTIDO

2008-06-25T10:29:00.000-07:00

La tercera película de George Clooney como director obsequia con numerosos y simpáticos guiños cinéfilos al alocado mundo de Preston Sturges, a las fuertes féminas de Howard Hawks, al universo de las buenas intenciones de Frank Capra... para dar testimonio de que no quien quiere, sino quien sabe, puede homenajear.

TITULO ORIGINAL Leatherheads
AÑO 2008
DURACIÓN 114 min.
PAÍS USA
DIRECTOR George Clooney
GUIÓN George Clooney, Steven Soderbergh, Duncan Brantley, Rick Reilly, Stephen Schiff
MÚSICA Randy Newman
FOTOGRAFÍA Newton Thomas Sigel
REPARTO George Clooney, Renée Zellweger, John Krasinski, Stephen Root, Wayne Duvall, Keith Loneker, Malcolm Goodwin, Matt Bushell, Tim Griffin, Robert Baker, Nick Paonessa
PRODUCTORA Universal Pictures

Es innegable que George Clooney-actor transmite clasicismo desde todos y cada uno de los poros que pueblan su piel. Elegantemente sofisticado, atractivamente original, encantadoramente seductor, siempre estuvo tocado de ese halo de divinidad que solía envolver a los mejores galanes de la etapa dorada de Hollywood. Si hubiera que definirle con una sola palabra, es posible que la adecuada fuera la de “distinción”. El George Clooney cineasta es un ejecutor disciplinado y correcto, infatigable trabajador, de tomas precisas y detallados storyboards, con originales (que no ingeniosos) movimientos de cámara, con cierto gusto por rodar a cantantes en directo, que muestra una especial obsesión por la adaptación literal de los guiones que traslada a la pantalla. A todas luces, sólo era cuestión de tiempo que el porte clásico del actor y la probada habilidad del cineasta en la recreación de historias de época, (recordemos una nominación a los Oscars por Buenas Noches y Buena Suerte), se unieran para subirle al carro de los directores cinéfilos que necesitan homenajear a los Grandes de la Historia del Cine; y Ella es el Partido, ambientada en 1925, parecía ser la ocasión perfecta.

De esta manera, el director aspira a una técnica inspirada en los métodos de Lewis Mileston (una pretensión nada elevada, si tenemos en cuenta que éste sólo fue un modesto artesano), para revivir una de las batallas de género a las que nos acostumbró George Cukor (es decir, de ésas cuya reproducción resulta más imposible que difícil), en una comedia de Howard Hawks (equivocadísima intención desde el momento en el que “Ella” no es el sujeto de la trama, sino el predicado sobre el que recae la acción de un protagonista absoluto que es el fútbol...americano). El productor, por su parte, se decanta por un acercamiento a las alocadas comedias de Preston Sturges y, ya puestos, de Billy Wilder, olvidando que el gran secreto de las películas de ambos estuvo en sus incomparables guiones; mientras que el director de fotografía apuesta por un baturrillo entre Sturges y Hawks. Un planteamiento demasiado complicado que, sin embargo, nos lleva hasta una clara conclusión.

En el siglo XXI, –(emprendemos el viaje hacia la conclusión inevitable)-, es posible rodar al estilo de los años cuarenta, con cámara estática, multitud de cámaras fijas, travellings laterales que evitan los grandes movimientos de imagen, ausencia de ángulos oblicuos y de grúas en el rodaje que ofrezcan panorámicas importantes, y encuadres siempre tomados desde la perspectiva de los actores. En el siglo XXI, ese estilo se puede mejorar con efectos de digitalización, que pasan desapercibidos en una producción interesantemente artesanal. En el siglo XXI, se puede reconstruir fielmente el ambiente de los años veinte y la estética de los treinta; reproducir el vestuario, recurriendo a telas que se encuentran en desuso; diseñar el interior de trenes obsoletos; imitar el magnetismo de Cary Grant; alquilar hoteles que fueron inaugurados en 1921; intentar una aproximación hacia Barbara Stanwyck; pintar los labios de Clooney y “dejarle en tierra” en una moto con sidecar, en clara alusión a La Novia era Él; recuperar algunas de las frases “Necesitábamos un héroe, y lo creamos”, “A veces, este trabajo apesta” de Juan Nadie; buscar localizaciones de la época, y hasta obtener permisos de museos en las dos Carolinas (norte y sur) para rodar. Pero en el siglo XXI, todavía no es posible resucitar a guionistas como Sturges, como Wilder, como Charles Lederer, como Leonard Spigelgass, como Hagar Wilde, como Ben Hecht, como Ruth Gordon, como Garzón Kanin, como Dudley Nichols... y resulta descabellada la idea de sustituirlos por dos periodistas deportivos, noveles en la escritura de guiones cinematográficos.

El guión de Ella es el Partido, como era de prever, dando al traste con el considerable esfuerzo del diseño de producción y con el encomiable trabajo en la dirección técnica, no aporta los diálogos ingeniosos y punzantes que distinguieron la mejor comedia clásica americana, no confiere carisma alguno a sus acertados y estereotipados personajes (rudos jugadores, representantes sin escrúpulos, reporteros borrachos y jovencitas que luchan por abrirse camino en un mundo de hombres), no garantiza la consistencia de un argumento que se eterniza en interminables partidos, de estrategias desconocidas para la gran mayoría del público español; para, en su defecto, ofrecer una historia perfecta sobre las maquinaciones de un deporte naciente, sobre la rivalidad existente entre la liga universitaria (que llena los estadios) y la profesional (que carece de prestigio), sobre las reglas inexistentes de un novedoso juego, que empiezan a establecerse mediante casuales anécdotas.

Por todo ello, el pretendido y conseguido sabor clásico de la tercera película de Clooney, (que no cuenta con la planificación de Wilder, ni con la dirección de actrices de Cukor, ni con la fortaleza de las féminas de Hawks, ni con el valor suficiente para buscar un equilibrio que hiciera accesible el producto), queda diluido en un continuo 17-29-32.... A mí que no me pregunten si es una estrategia de partido, se citan los dorsales de algunos jugadores por motivos que me son desconocidos, o simplemente se cumplimenta un boleto de la lotería primitiva.

EL INCIDENTE

2008-06-18T05:57:00.000-07:00

M. Night Shyamalan sigue siendo el autor que nunca garantiza en sus películas la continuidad de las atractivas pinceladas que ofrecen sus tráileres, para desconcierto de algunos, disgusto de muchos y general regocijo de sus seguidores. “El Incidente” no es una excepción y sí un logrado guión de envolvente agorafobia, reglas inciertas y un puñado de planos de los que hacen historia.

TITULO ORIGINAL The Happening
AÑO 2008
DURACIÓN 90 min.
PAÍS USA
DIRECTOR M. Night Shyamalan
GUIÓN M. Night Shyamalan
MÚSICA James Newton Howard
FOTOGRAFÍA Tak Fujimoto
REPARTO Mark Wahlberg, Zooey Deschanel, John Leguizamo, Ashlyn Sanchez, Betty Buckley, Spencer Breslin, Robert Bailey Jr., Jeremy Strong, M. Night Shyamalan
PRODUCTORA 20th Century-Fox / UTV Motion Pictures / Spyglass Entertainment / Blinding Edge Pictures

El planteamiento de esta película, se observe desde el ángulo que se prefiera, no deja de sorprender. Lo realmente curioso es que mientras los guionistas del género fantástico se obstinan en seguir creando nuevos monstruos, vampiros, zombis, licántropos, arañas interdimensionales que, procedentes del espacio sideral, reacciones nucleares o ataques terroristas, consigan asustar; los verdaderos miedos son aquéllos que nos persiguen en el día a día. Claramente pertenecen al género de terror –casi gore- las últimas huelgas vividas en este país, la incesante subida del euríbor que aprieta las clavijas a los afortunados que, en 2008, todavía pueden ser propietarios de una vivienda, los precios de los carburantes y hasta de las sandías. Y, por encima de todos esos miedos, de las amenazas reales que se manifiestan a corto y medio plazo, se alza otra aún más aterradora, que da sentido a la sabia frase que Kurosawa insertara en Los 7 Samuráis: “Para qué preocuparse de la barba cuando vas a perder el cuello”. Silenciosa pero predecible, sólo afecta, de momento, a focos aislados, (“Si fuera un hecho generalizado... pero sólo se dio en la costa este de Estados Unidos, por lo que hay que culpar al Gobierno”), mas sobrevendrá a largo plazo..., y los tiempos se agotan.

En la Fase I, sólo los “escritores de películas” saben trasladar los terrores cotidianos al apartado de la ciencia ficción y, de manera sutil, emparentar con la historia que les hizo caer en desgracia ante la crítica. “El hombre se ha olvidado de escuchar”, y este hecho que fundamentó el excelente cuento, no apto para niños pero que ayudará a educarles, de La Joven del Agua, sigue intacto en el discurrir argumental del cineasta. Al dejar de escuchar, se pierde la facultad de saber hablar, y nos encontramos con “miles de millones de dólares a final de mes”, producto de un acertijo matemático mal resuelto. Al dejar de escuchar, la sofisticada tecnología creada por el hombre a lo largo de su corta estancia en la Tierra, deja de funcionar, se antoja insuficiente al predecir “las fuerzas que actúan más allá de nuestro entendimiento”, que sí perciben los animales. Ellos siguen el “orden natural”, escuchan y comprenden el medio que les da la vida, y ese respeto les hace inmunes, amén de servirle al cineasta para recrear un simpático plano –nunca mejor dicho- de mirada de perro, en la que uno de ellos se libera de su dueña. Y es que, al dejar de escuchar, las buenas intenciones del Protocolo de Kioto, se traducen en repetitivas frases sin sentido: “No sé por qué página voy”, “Debí coger la bicicleta para ir al trabajo”.

En la Fase II, sobreviene la desorientación en la que sólo los genios como Shyamalan se desenvuelven, sabiendo conducir sus insólitas ideas hasta sus últimas consecuencias, amén de ser el trampolín que utilizan para conseguir algunas de esas escenas que entran por sí solas en la historia del cine. La aparente congelación de la imagen, fruto de una puesta en escena soberbia, sólo es comparable al deambular de los rudimentarios zombis de Romero en 1968, o a la apocalíptica presentación de una ciudad hostil y demoledora que ofreció La Invasión de los Ultracuerpos de Philip Kauffman diez años más tarde. La precipitada huída por el campo, alejados de focos contaminantes y de medios de transporte que no siguen el “orden natural”, sirven de pretexto para alcanzar fotogramas memorables, cercanos a Los Chicos del Maíz de Fritz Kiersch, a El Pueblo de los Malditos de Carpenter; con claras alusiones a Los míticos Pájaros del maestro Hitchcock, con el que tantas veces se ha comparado al inigualable cineasta indio.
La fase II es la desorientación de quienes todavía creen que los planes de sostenibilidad propuestos por la Agenda Local 21 son “cosa de otros”, ya que nunca es suficiente un solo grifo que se cierra a tiempo. La desorientación que se produce en el desarrollo del que es uno de los guiones más inteligentes y logrados del cine contemporáneo, que –llevando la firma que lleva- no deja de sorprender gracias al nuevo estilo que termina acatando las reglas convencionales del thriller tradicional, apostando por las formas explícitas; sin dejar de ser fiel a un estilo irrepetible, que sigue teniendo la sugerencia de la insinuación como estandarte. Ese columpio que inicia un ligero balanceo a causa del viento...

La Tercera Fase es letal si no se han sabido observar las condiciones que rigen el “orden natural” del incidente. Éste se ve amenazado por el padre que no es capaz de ofrecer a sus hijos el sosiego que sólo encuentran cerca de sus madres. Se siente vulnerado ante el personaje (en esta ocasión, homenaje a Psicosis) que, estando en perfecta sintonía con la Naturaleza, rechaza el “orden natural” que hace del humano un ser social, buscando deliberadamente el aislamiento. La Tercera Fase, por lo tanto, exenta de héroes, sólo otorga concesiones a los supervivientes que supieron rescatar “un minuto” de sus vidas para adoptar nuevas costumbres que logren salvar las vidas de las generaciones venideras, representadas por dos finas líneas que se tiñen de rosa sobre el lavabo. En caso contrario, la persistente agresión, sólo conduciría al suicidio.

El resultado de las diferentes fases, se traduce en una de esas historias extrañamente bellas, hipnóticas desde sus inicios, que sólo requieren de “un minuto para pensar”. Decía el dios Wilder que el cine habrá cumplido su función cuando el espectador consiga olvidar, durante un par de horas, que dejó mal aparcado su vehículo. En realidad, el cine es aún más interesante cuando te hace caer en la cuenta de que ese mal aparcamiento se puede solventar.

ANTES QUE EL DIABLO SEPA QUE HAS MUERTO

2008-06-12T04:04:00.000-07:00

Tremendamente sobrevalorada, la última película de Sidney Lumet cuenta con menos virtudes que defectos; los propios de una irregularidad constante que siempre han presidido su carrera.

TITULO ORIGINAL Before the Devil Knows You're Dead
AÑO 2007
DURACIÓN 117 min.
PAÍS USA
DIRECTOR Sidney Lumet
GUIÓN Kelly Masterson
MÚSICA Carter Burwell
FOTOGRAFÍA Ron Fortunato
REPARTO Philip Seymour Hoffman, Ethan Hawke, Albert Finney, Marisa Tomei, Rosemary Harris, Aleksa Palladino, Michael Shannon, Amy Ryan, Brian F. O'Byrne, Lee Wilkof

No sé qué es más triste, si el hecho comprobado de que, en el año 2008, el director de Tarde de Perros sea, prácticamente, un desconocido para la gran mayoría del público; si la pretensión de algunos críticos al intentar convencer de que este hombre, alguna vez, fue un gran director. La verdad es que no se puede etiquetar con ese calificativo a un cineasta de indudable talento que, contando con interesantes argumentos y mejores repartos, siempre nos dejó a media luz. No hay continuidad de calidad en su dilatada carrera, no existe una etapa gloriosa que se continúe con una pronunciada cuesta abajo en resultados; sino una absoluta irregularidad, que alterna pocas y excelentes filmaciones con demasiados productos prescindibles. Quizás sea Sidney Lumet el ejemplo viviente de las trayectorias que cursan con mediocridad.

Antes que el Diablo sepa que has muerto, se perfilaba como la película en la que Lumet recupera los picos altos que hicieron hablar de casualidad a sus detractores. Casualidad”, insistente palabra que resonó entre la crítica americana ante un debut impactante en Doce Hombres sin Piedad y sus trabajos inmediatamente posteriores. Casualidad bajo las numerosas nominaciones nunca materializadas, casualidad para un Veredicto Final (su mejor filme) que tuvo la suerte de perder de vista a Robert Redford y, con él, los arreglos narrativos que habrían destrozado el excelente original de David Mamet. Casualidad o no, que hacen evidente que la única recuperación de la que podemos hablar es la de los viejos fantasmas que persiguen al cineasta de la llamada “Generación de la Televisión”, de un título de “autor” que no le pertenece, y de una sobrevaloración que parte de los vagos recuerdos de días mejores de príncipes en la ciudad y asesinatos en trenes perdidos en la nieve.

Entre el difícil triángulo que une el thriller psicológico, el drama familiar y el cine negro de colores, la película que hoy comentamos se adentra en un sendero tenebroso para, lejos de alcanzar el equilibrio que la hubiera salvado, manifestar que los thrillers previsibles que destruyen el encanto del factor sorpresa, se siguen llamando thrillers; que los dramas sin trasfondo ni backstory que cuentan con el suficiente aire derrotista, se siguen llamando dramas; y que cine negro es, a fecha actual, cualquier filmación que recoja un tiroteo. Nada que alegar. Es una película de Sidney Lumet, y hay nombres que todavía pesan a la hora de firmar un artículo. De esta manera, a un desprecio absoluto por la medición de los tiempos; a una desatención constante en la dosificación del argumento; a un proceso que incurre en todos los males del peor cine contemporáneo: congelación de imágenes, rebobinados de metraje, ruptura de la estructura narrativa en un relato que no lo necesita, convergencia de los principios de causalidad y fatalidad propios de los guiones de González Iñárritu, repetitivos subtítulos de “dos días antes” y “una semana después”... (sólo faltan las voces en off mal aplicadas); se les llama, según quién esté tras las cámaras, “más de lo mismo” o “aire clásico de corte vanguardista”.

Curiosamente, los fallos del “vanguardismo”no proceden tanto del guión como de una planificación técnica engañosa. El primero, que parte de una idea de dudosa originalidad – no sé por qué, a mí me recuerda a El Sueño de Casandra, pero sin chistes-, estuvo nominado a los Premios del Cine Independiente americano, es el primer trabajo de Kelly Masterson, y da pleno sentido al término “promesa incumplida”, al no cubrir las expectativas que se marca. Los personajes se diluyen y, al hacerlo, rompen con la gran baza de la credibilidad con que contaban en sus inicios, definiendo las líneas que separan al actor que da vida a un personaje con el actor que interpreta un papel.

El engaño en la planificación, por su parte, viene dado por la comodidad de ser fiel a un estilo que el director borda, y que suple sus deficiencias. No nos engañemos, Sidney Lumet no sabe contar una historia que se desarrolla en diferentes escenarios, y esa incapacidad propicia y justifica la narración “a trocicos”, evitando la acción que transcurre en espacios abiertos (hay que ver lo malo que es rodando en exteriores, con esos tintes de documental inacabado), y fomentando el dramatismo interior entendido y captado en reducidos recintos, con puesta en escena teatral centrada en la dirección de actores.

El resultado se traduce en una descompensación entre dramatismo y acción, que conduce, irremediablemente, al aburrimiento. De poco le sirve recurrir a esa dimensión de “realismo sucio”, -en este caso, moderno- por el que hace discurrir la cinta, y que tantas veces le sacó de apuros; ni los excelentes planos, fruto de haber sabido siempre colocar bien la cámara, a que nos tiene acostumbrados (recuérdese la composición que hace coincidir a Marisa Tomey, Albert Finney y Philip Seymour Hoffman, en diferentes posturas, a través de una ventana). De poco, porque el invento del “Devil” ya estaba sentenciado.

En un balance final, me quedo con Ethan Hawke –¿qué importan unas cualidades que no cumple como actor?-, y con la convicción de que esta película habría pasado totalmente desapercibida si no llevara el nombre de un legendario director.

LA NIEBLA DE STEPHEN KING

2008-06-04T08:32:00.003-07:00

La tercera colaboración entre el director Frank Darabont y el novelista Stephen King, se traduce en una película de terror atípica dentro del panorama contemporáneo. Esta característica, que abarca desde la forma de rodar hasta la pretendida transmisión de un mensaje impropio del cine de corte fantástico, la convierten en una de las mejores historias de género de los últimos años.

TITULO ORIGINAL The Mist
AÑO 2007
DURACIÓN 127 min.
PAÍS USA
DIRECTOR Frank Darabont
GUIÓN Frank Darabont (Novela: Stephen King)
MÚSICA Mark Isham
FOTOGRAFÍA Ronn Schmidt
REPARTO Thomas Jane, Alexa Davalos, Marcia Gay Harden, Nathan Gamble, William Sadler, Laurie Holden, Chris Owen, Toby Jones, André Braugher
PRODUCTORA Dimension Films / Darkwoods Productions

Antes de todo y de nada, conviene indicar que la película que hoy comentamos, en contra de lo publicado en algunos medios especializados, nada tiene que ver con La Niebla de 1980 de Carpenter, siendo una historia original de Stephen King –no un remake de ningún filme anterior-, que es llevada al cine -por vez primera- por Frank Darabont. Dicho guionista y director –preso todavía por la amarga sensación de haber malgastado un año de su vida en la creación de un guión que no vería la luz, el de la cuarta entrega de Indiana Jones, que ni siquiera le permitiría figurar en los títulos de crédito al no conseguir situar sus ideas en el porcentaje establecido por el sindicato de guionistas para tal fin-, vuelve a sus orígenes, a la época en la que, en encomiable acto altruista, los relatos de King eran vendidos a un dólar para ser llevados a la pantalla por cineastas noveles, para demostrar que esa química surgida con el novelista de Maine nunca fue fortuita. Se puede afirmar que, salvo una impresionante excepción llamada El Resplandor, claro ejemplo de película que supera al original literario, Darabont ha realizado las mejores adaptaciones de su obra y las más satisfactorias para el autor, quien nunca perdonó a Stanley Kubrick la supresión de los famosos arbustos parlantes en la flora laberíntica.

Es Frank Darabont un guionista consciente de las grandes diferencias existentes entre dos universos fascinantes –el literario y el cinematográfico- que siempre discurrirán por planos paralelos, de que las licencias y recursos que funcionan en el primero no tienen traducción literal para el segundo, de que lo verdaderamente importante en una adaptación es saber extraer la esencia de un relato que va a ser desarrollado con los elementos propios de un medio distinto. Así, en La Milla Verde, el Darabont director se acerca al buen hacer de Samuel Fuller en Corredor sin Retorno, para, en otro guiño cinéfilo, realizar una alusión directa al baile “angelical” de Ginger Rogers; frase con la que era comercializada Sombrero de Copa y adjetivo que calificaba la naturaleza del personaje central de su trama. En Cadena Perpetua, segunda de las adaptaciones de King y un clásico del cine moderno, no duda en recurrir a El Hombre de Alcatraz, de John Frankenheimer, del que homenajeará estilo y perfil de personajes, llegando incluso a transcribir de manera textual uno de sus impactantes diálogos.

Amparado en ese buen gusto por el cine clásico que le caracteriza, el comienzo de La Niebla no podía ser otro que el que hace referencia a un miedo desmedido por lo desconocido, “se teme lo que no se ve”, con el que Jacques Tourneur, por motivos puramente económicos, enfocó su mítica Mujer Pantera. “Hay algo en la niebla.....” que, por irreal e intangible, asusta y es desmentido y puesto en evidencia, a partes iguales. Sin embargo, no hay que olvidar que el relato se ubica en una época, la actual, en la que el ser humano siente una imperiosa necesidad, la de ver para creer, que hace imprescindible desvelar la naturaleza de la amenaza existente, entrando en un arquetípico y conocidísimo argumento de serie B que un guión sólido, unos diálogos brillantes y un trazado impecable de personajes consiguen elevar hasta la gran película que es. Su gran mérito no es otro que el de anteponer estos aspectos fundamentales a vanos alardes técnicos y superfluos artificios de efectos especiales, para redondear el conjunto con la superación del reto que supone la limitación de escenarios -éstos se ven reducidos a un supermercado, los vestigios de lo que fue una farmacia y el claustrofóbico interior del vehículo del protagonista- con una narración que discurre con ritmo ágil y pulso firme para, enfrascada en un exhaustivo análisis de la naturaleza humana, concluir en la temática profunda que intenta averiguar el papel del hombre en la sociedad actual. El individualismo, los conflictos personales y sus difíciles resoluciones, los consensos inalcanzables, las reacciones desesperadas en situaciones adversas y esa tendencia irracional a la autodestrucción, no nos hacen mejores que la peor de las amenazas procedentes del exterior. De fondo, las siempre polémicas sombras de arduos conceptos como la política y la religión, que fomentarán todo tipo de debates a la salida del cine. Hasta es posible que el más escéptico de los espectadores se llegue a plantear si la fe mal entendida es menos peligrosa que la ausencia absoluta de la misma.

Dentro del reparto, nos encontramos con la correcta actuación del nuevo Christopher Lambert, que no es otro que El Castigador de Jonathan Hensleigh, Thomas Jane; con el interesante Toby Jones, Truman Capote de Douglas MacGrath; y con la inquietante y acertadísima interpretación de la actriz Marcia Gay Harden, impagable secundaria que recordamos gracias a películas recientes como La Gran Estafa de Lasse Hallström.

Difícil de olvidar, con sus muchas evocaciones a El Señor de las Moscas, y con un final extraído de las mejores Historias de la Cripta, -seguramente escritas por él-, Darabont comete, sin embargo, un error imperdonable al pensar que la suya es “simplemente una película más de terror”. No lo es, y el tiempo acabará por demostrarlo.

INDIANA JONES Y EL REINO DE LA CALAVERA DE CRISTAL

2008-05-28T05:37:00.000-07:00

La ausencia de un guión solvente que cubra expectativas diecinueve años después, queda compensada por la dirección de quien, una vez más, obliga a escribir su nombre con letras de molde. El Mago que reinventó el género de aventuras en los ochenta ha vuelto.

TITULO ORIGINAL Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull (Indiana Jones 4)
AÑO 2008
DURACIÓN 125 min.
PAÍS USA
DIRECTOR Steven Spielberg
GUIÓN David Koepp (Historia: George Lucas, Jeff Nathanson)
MÚSICA John Williams
FOTOGRAFÍA Janusz Kaminski
REPARTO Harrison Ford, Cate Blanchett, Shia LaBeouf, Karen Allen, John Hurt, Ray Winstone, Jim Broadbent, Ian McDiarmid, Joel Stoffer
PRODUCTORA Paramount Pictures / Lucasfilm

Un primer plano que recoge el ala de un sombrero –el sombrero- que revolotea sobre el asfalto. Una silueta inconfundible se recorta en el brillo de un vehículo militar. El punto álgido de la banda sonora creada por John Williams, una de las más representativas del cine, comienza a sonar. Indi ha regresado. Y, con él, aquellas tardes de sesión continua a la salida del colegio, siempre en la misma butaca de la fila uno, desde la que se aplaudían con más emoción las huidas imposibles de una muerte segura en la tumba egipcia. Regresa el cosquilleo por la espalda cada vez –que fueron muchas- que el atractivo profesor enlaza con su látigo la cintura de la cantante de un night club de Shangai en 1935. Regresan las ganas de gritar que Jehová se escribe con I latina, y que la O de su nombre pronto será una Ohhhhh! ante un ladrillo que zozobra. Regresa una saga que nos hizo idolatrar las salas de proyección para descubrir el cine, y con su última entrega, el reto de buscar la objetividad escondida entre tantos recuerdos.

En 1936, un burócrata del gobierno estadounidense definió al doctor Jones como un profesor de arqueología, experto en ocultismo y “conseguidor” de antigüedades raras. De alguna manera, basado en los héroes de las películas de serie B de los años cuarenta, en los ochenta nacía la leyenda que iba a reinventar el género de aventuras. De la mano del mejor cineasta de su época (Steven Spielberg), del rey Midas de la producción cinematográfica (Lucas), y de grandes guionistas-directores (Kasdan y Kaufman), En Busca del Arca Perdida ponía el listón demasiado alto a su secuelas: El Templo Maldito, considerada por muchos como una “precuela” por ser una historia que se ubica un año antes que la original, y La Última Cruzada. Sin embargo, todas conseguían aprobar con nota y seguir ganando enteros con el paso de los años, inspirando nuevas aventuras de similares características y netamente inferiores, como Tras el Corazón Verde (Robert Zemeckis, 1984), La Joya del Nilo (Lewis Teague, 1985), La Momia (Stephen Sommers, 1999) o La Búsqueda (Jon Turteltaub, 2004).

El Reino de la Calavera de Cristal busca sus orígenes para cerrar momentáneamente una historia que no admite relevos, y en la que el famoso sombrero siempre encontrará a su dueño. Así, se impone el regreso al célebre almacén del ejército americano en el que quedó perdida el Arca de los Diez Mandamientos, para rescatar personajes importantes del pasado, y permanecer fiel al formato que elevó a mito la saga. Tras un prólogo de acción trepidante, los servicios del arqueólogo serán requeridos, solicitados o exigidos, para averiguar el paradero de algún valioso objeto oculto en la memoria de la Historia, al que sólo se pueda acceder con la resolución de complejos enigmas de biblioteca y trabajos de campo no exentos de peligros inimaginables, bichos y esqueletos esparcidos por medio mundo, y guiados por la legendaria flecha roja en el mapa. Una primera toma de contacto con los villanos de turno que siempre equivocan sus objetivos, encuentros y desencuentros, tesoros nunca marcados con una “X.”.. o sí, para recupera el clásico final de suelos que se hunden, paredes que se desmoronan, malos que reciben su castigo, medio-malos que tienen la posibilidad de redimirse, y escapadas que ofrecen la certeza de que la palabra “imposible” es la marca de la casa. Ahora bien, aun cumpliéndose todas y cada una de sus principales señas de identidad, si la pregunta del millón es si ésta es la tan esperada película, la digna sucesora de la saga; la respuesta es contundente, y es que no.

El principal culpable habría que buscarlo en un guión que nunca se antojó el adecuado, que finalmente firma el guionista de la Misión Imposible de Brian de Palma, y que se deja por el camino propuestas interesantes que, en los años noventa, situaban la acción en la Atlántida, buscaban al padre de Indi en el Amazonas antes de que Sean Connery se negara a dejar una partida de golf para volver a la película, o se fijaban en la figura de Kevin Costner como sucesor. Por motivos obvios, propuestas desechadas en 2008, para recurrir a un proyecto que olvida que, históricamente, los grandes fracasos vinieron dados por guiones resultantes del picoteo de otros muchos que fueron rechazados. Entre ellos, fácil es ver la mano del director M.N. Shyamalan en el diseño de los habitantes del reino precolombino, sacados de sus seres de Señales, o en el concepto de que el conocimiento absoluto conduce a la destrucción. Un mal guión que, en líneas generales, renuncia a uno de los pilares fundamentales que hizo inmortal a la saga, que no es otro que la inclusión de pasajes de humor protagonizados por un elenco de secundarios penosamente desaprovechado, que sólo deja espacio para el desarrollo del interpretado por Cate Blanchett.
Las escenas de acción, por su parte, perfectamente resueltas desde la dirección, amparadas por un montaje prodigioso, unos efectos de sonido dignos de oscar y una impresionante dirección artística, no encuentran la réplica en una estructura narrativa que no sabe minimizar el continuo bombardeo de datos histórico-ficticios, ni restar la intensidad de los momentos culminantes que quedan tan condensados como las peores paranoias de Piratas del Caribe.

En un balance final, nos quedamos con el fotograma que presenta a Shia LaBeouf como Marlon Brando en Salvaje (1954), con un Harrison Ford que no ha perdido ni sus facultades ni su atractivo, y con la seguridad de que Indiana Jones no se merecía tan lamentable desenlace.

CASUAL DAY

2008-05-14T06:30:00.000-07:00

Interesante apuesta del cine español que, con una dirección técnica de sencilla composición, hace recaer la fuerza del entramado argumental sobre un reparto coral, amparado en diálogos brillantes, que configura un retrato de verosímiles personajes. Una idea arriesgada, que consigue el aprobado en Casual Day.

TITULO ORIGINAL Casual Day
AÑO 2007
DURACIÓN 94 min.
PAÍS ESPAÑA
DIRECTOR Max Lemcke
GUIÓN Daniel Remón, Pablo Remón
MÚSICA Pierre Omer
FOTOGRAFÍA Javier Palacios
REPARTO Juan Diego, Luis Tosar, Javier Ríos, Estíbaliz Gabilondo, Alberto San Juan, Arturo Valls, Álex Angulo, Carlos Kaniowsky, Secun de la Rosa, Mikel Losada, Malena Alterio, Marta Etura
PRODUCTORA El Deseo

Con la financiación de Telecinco y el apoyo del Ministerio de Cultura, del Gobierno Vasco y de la Junta de Comunidades de Castilla La Mancha entre otros, la segunda película del director Max Lemcke consigue ver la luz, cumpliendo un objetivo que no alcanzaba su primer largometraje, Mundo Fantástico del año 2003, que no llegaría a ser estrenado en salas comerciales. Es así como nace Casual Day, presentada por la productora de Pedro Almodóvar, y con un título importado de la práctica empresarial estadounidense destinada a fomentar las relaciones interpersonales entre los miembros que componen los recursos humanos de una gran empresa, en aras al aumento de la productividad.

Por su temática, cercana a creaciones nacionales recientes, como El Método (El Método Gronhölm, Marcelo Piñeyro, 2005) o Smoking Room (Wallovits, Roger Gual, 2002). Por su estilo irónico, extrañamente elegante y ávidamente sutil, alejada de las típicas comedias de las últimas décadas, y deudora de algunas de las historias firmadas por Rafael Azcona. En líneas generales, por su labor de difusión social, heredera del mejor cine español que, avalado por importantes originales literarios como Los Santos Inocentes (Mario Camus, 1984) o Tiempo de Silencio (Vicente Aranda, 1986), siempre fueron impagables portavoces de los diversos grupos humanos, y testigos directos de los medios hostiles que les acogían. En todos los casos, una película que invita a la reflexión sobre la deshumanización de las grandes ciudades, la vorágine del capitalismo consumista, la imposibilidad de escapar a los designios trazados por los audaces sobre los audaces que no lo son todavía, las complejas razones que llevan a aparcar las decisiones propias para acatar las impuestas y opuestas, en un otorgamiento que exhala un suspiro como única réplica. Y que a los menos profundos, en nuestra ignorancia, nos dejará la duda de si la empresa en cuestión, en la que no falta el jefe macabro de actitud paternalista, el trepa de la sexta planta, el enchufado que desaloja a la pobre chica del nivel base, el insufrible pelota que toca las narices con la lotería de Navidad cuando más trabajo tienes... tendrá algo o mucho que ver con el nombre del camión cisterna que cruza la autovía, y cuyas facturas a treinta y uno de enero animan a practicar la técnica de calefacción a vela. Sí, ésa que hiciera famosa el empleado de Mr. Scrunch de Charles Dickens.

Apetecible desde los títulos de crédito, con una agradable y bien utilizada banda sonora y un cuidado diseño de producción, Casual Day persigue los planos cortos que recogen las expresiones faciales de los protagonistas, alcanzando su único virtuosismo en el ojo verde de la siempre interesante Marta Etura emergiendo sobre los cabellos negros de la avispada Estíbaliz Gabilondo. Un encuadre fascinante, que queda en promesa al decantarse la dirección por una sobriedad que roza la sosería. Fácil es entender que el objetivo de este estilo lineal, plano, con el abuso de planos-contraplanos, que no contiene ni un solo alarde técnico ni gracia tras las cámaras, obedece al deseo de centrar la atención del espectador sobre los personajes, haciendo del guión la estrella indiscutible del rodaje, pero poco esfuerzo –o ninguno- requería intentar algún detalle para el recuerdo que obligara a salir de la monotonía que recurre sistemáticamente a repetitivos planos fijos que siempre muestran la misma imagen del caserón rural que los alberga, de los mismos arbustos de algún paraje perdido de algún lugar ¿de La Mancha?.

Con un montaje nada convincente y un reparto encabezado por ese gran señor de la escena que es el “despreciable” Juan Diego, por el “machista” Luis Tosar, el “maquiavélico” y encantador Alberto San Juan y el “insulso” Javier Ríos, que se completa con un elenco prodigioso que constituye el mayor atractivo de la cinta; el plato fuerte de Casual Day se encuentra en la historia inventada por los noveles Pablo y Daniel Remón, basado en “comentarios que solían escuchar a empleados de grandes empresas en cafeterías”. La sólida construcción de los personajes y su disección psicológica, impresionante por precisa, pronto acaban convertidas en una peligrosa arma de doble filo que amenaza la consistencia del guión al no evolucionar. Los perfiles bien definidos, el back-story perfectamente matizado con pocas pinceladas, propician un planteamiento apoteósico, un punto de arranque inmejorable que se pierde en un desarrollo tímido y sin pretensiones que parece girar sobre sí mismo sin un claro final, rehuyendo la dirección coral plena. Afortunadamente, esa falta de ilusión queda compensada en los densos y excelentes diálogos y en la creación de algunas situaciones extraídas de películas de Berlanga. Sólo hay que recordar el número de los instrumentos musicales; el numerito del oso y el madroño, en el que las justas reivindicaciones dan paso a la injusta venganza; y la visita turística que se realiza en tractor.

En un balance final, admitiendo que siempre desconfié de las intenciones silenciosas de los corredores de fondo y de los centrocampistas que proporcionan asistencias a los goleadores, me quedo con la figura comprometida de la Dama de Orleáns que, como todas las Juanas de Arco del mundo, emprende su ascenso imparable... hacia la hoguera.

88 MINUTOS

2008-05-07T05:15:00.000-07:00

’88 Minutos’ viene avalada por el nombre de Al Pacino, pero lo de Al Pacino no tiene nombre al dejarse embaucar en este telefilme mediocre de rancio argumento y estética videoclipera. Demasiado actor para un producto vacío.

TITULO ORIGINAL 88 Minutes
AÑO 2007
DURACIÓN 105 min.
PAÍS USA
DIRECTOR Jon Avnet
GUIÓN Gary Scott Thompson
MÚSICA Edward Shearmur (AKA Ed Shearmur)
FOTOGRAFÍA Denis Lenoir
REPARTO Al Pacino, Alicia Witt, Amy Brenneman, Leelee Sobieski, Benjamin McKenzie, Deborah Kara Unger, William Forsythe, Neal McDonough, Stephen Moyer, Michael Eklund, Michal Yannai, Brendan Fletcher, Victoria Tennant
PRODUCTORA Universal Pictures

Se supone que debe de llegar un momento en el que a los actores consagrados, que nada tienen que demostrar, poco les importa que su buena reputación se vea ligada a proyectos que no cumplen ni las más mínimas expectativas de cara al público. Sobre todo, si se trata de productos engañosos, de formas atractivas y fondos vacíos que configuran esa gran habilidad que tienen algunas películas americanas para convencer.... hasta entrar en el cine. El principal engaño de 88 Minutos, nace con las frases con las que se comercializa, que hacen olvidar el hecho de ser ésta una película que no ha tenido estreno en las salas comerciales de numerosos países, para hacer volar la memoria cinéfila hacia una producción de 1950, Con las Horas Contadas de Rudolph Maté, y llegar a la conclusión de que no es ni una mala copia de Medidas Desesperadas (Barbet Schroeder , 1997) por mucho que sus responsables se atrevan a compararla con el engranaje psicológico de los personajes de Sospechosos Habituales (Bryan Singer, 1995).

Al Pacino es un psiquiatra forense del FBI que, con uno de sus informes profesionales, consigue la pena de muerte para un asesino en serie. Nueve años más tarde, cuando son pocas las horas que faltan para ser ejecutada la sentencia, una llamada telefónica le advierte de que sólo le quedan 88 minutos de vida.

A partir de este momento, ni que decir tiene que el buen médico –esto es cine americano- se convertirá en el detective de su propio asesinato, removiendo Roma con Santiago, yendo de un lugar para el otro a un ritmo frenético –en muchas situaciones, no se sabe bien para qué- con cara de “ya no estoy yo para estos trotes”, y creando una sofisticada trama de centralitas telefónicas que consiguen poner en jaque a sus desdibujados personajes, para provocar un triple objetivo: salvar su propia vida, frenar la nueva oleada de asesinatos a los que se enfrenta la ciudad, y hacer cumplir la sentencia para el ¿verdadero asesino?.

Si la sinopsis provoca la duda por aquello de que “la cosa promete por interesante”, la respuesta es que así podría haber sido, si el director se hubiera tomado en serio el encargo. Y es que lo que más sorprende de esta historia no es el hecho de que un argumento rancio, manido, explotado, agotado, haya visto la luz. Lo realmente fastidioso es que el responsable de un producto correctísimo como es En el Laberinto Rojo (con Richard Gere, en 1997), de una aventura trepidante que marcó la infancia de toda una generación (Risky Business, 1983), y de una película inolvidable cargada de referentes y de buen gusto como es Tomates Verdes Fritos (1992); se ponga a rodar, después de más de cincuenta películas en su haber, con técnicas de vídeo-clip.

Al estudiar 88 Minutos, no cabe duda de que de las mil maneras en las que se podía haber desarrollado el guión, el reputado director y productor Jon Avnet elige la peor de todas, la que rompe la acción con numerosos y continuados flashbacks; la que llama la atención con mareantes movimientos de cámara y exagerados “zooms” que marcan al protagonista; la que abusa de primeros planos que persiguen a la gran estrella; la que recorre las calles de la ciudad al más puro estilo videoclipero con estridente música de fondo; la que se muestra insuficiente en la dirección de un televisivo reparto coral, presentándole más televisivo que nunca.

Mal asunto es que un thriller no consiga transmitir ningún tipo de angustia al espectador. Lamentablemente, el “tic, tac” de la cuenta atrás no rodada en tiempo real, presenta giros que sólo pueden ser explicados por las artes adivinatorias, ésas que ponen en la mente del personaje central el recuerdo de los personajes secundarios antes de que éstos entren en escena, convenientemente aderezados por un pertinente retime fruto de la borrachera de la noche anterior.

Sin necesidad de pedir explicaciones sobre el recurrente hidroavión que toma agua -¡a santo de qué!- unas veinticuatro veces en la primera mitad de la película, sí que convendría matizar la ridícula manera de intentar confundir al respetable: Y es que, cuando todos son sospechosos, todos son sospechosos en base a sus comentarios o a las situaciones creadas para tal fin, y no por el mero hecho de acentuar sus ojos de “malo” en inverosímiles encuadres.

Todo lo cual me lleva a la conclusión de que, en atención a aquella palabra mágica, “¡Towanda!”, que se encargó de resaltar la naturaleza de los imposibles, tan sólo deseo que la próxima película de Avnet sea rodada en algún pueblo de Albacete, en el que las coberturas de los móviles van y vienen...como las olas del mar.

¡Ya estoy en el paseo de la fama!

2008-05-02T01:04:00.000-07:00

Pues sí, allí me encuentro gracias a Iván Villamel

Por cierto, coincido contigo en que este Paseo fue idea de algún productor que estaba harto de las estrellas, y que pensó que, en el suelo, todos las podrían pisar. Muy buena la ocurrencia, y muchas gracias, Iván.

DUEÑOS DE LA CALLE

2008-04-30T05:37:00.000-07:00

Thriller policial absolutamente previsible, que consigue entretener con una acertada planificación de las escenas de acción, y mantiene la atención gracias a un historia que antepone el “viaje” al “destino”, como en los mejores filmes “noir”.

TITULO ORIGINAL Street Kings
AÑO 2008
DURACIÓN 109 min.
PAÍS USA
DIRECTOR David Ayer
GUIÓN James Ellroy, Kurt Wimmer, Jamie Moss (Historia: James Ellroy)
MÚSICA Graeme Revell
FOTOGRAFÍA Gabriel Beristain
REPARTO Keanu Reeves, Hugh Laurie, Chris Evans, Forest Whitaker, Naomie Harris, Terry Crews, Common, Amaury Nolasco, Cedric the Entertainer, Jay Mohr
PRODUCTORA Fox Searchlight Pictures / Millennium Films / Regency Enterprises / Yari Film Group

¡Qué guapo-guapísimo-guapérrimo que es Keanu Reeves!, y qué forma tan poco seria y convencional de comenzar una crítica cinematográfica que, en realidad, debería ir encaminada ¿por qué no? a desenmarañar las claves del Cine Negro, del género por excelencia, del que tantas referencias contiene para entender la Historia del séptimo arte. De un universo, fascinante para muchos cinéfilos, que tan difícil resulta de delimitar a pesar de que los eruditos en la materia se hayan encargado de enumerar sus múltiples características; a pesar de que los señores de la Nouvelle Vague indicaran un título de referencia, Historia de una Detective, que contenía sus principales elementos; a pesar de que el cineasta Coppola, en una ejemplar ejercicio de síntesis, dijera aquello de que “los secretos de los salones de té salen a la calle”. Un mundo enrevesado que suele anteponer el “viaje” al “destino”, las desventuras del detective “huele-braguetas” y los engaños a los que se ve sometido en una tela de araña en la que nada es lo que parece, al resultado final del cómo, el porqué, o el quién mató a quién. Un aspecto, este último, muy importante, que logra explicar el principal atractivo de Dueños de la Calle, por ser el motivo fundamental que salva un producto viciado desde sus orígenes.

En una precrítica, -que no es otra cosa que un “hablar por no estar callados” de una película que todavía no se ha visto-, me atreví a asegurar que éste sería el claro ejemplo de un excelente argumento (la historia pertenece al creador de L.A. Confidential y guionista de La Dalia Negra) que había tenido la mala suerte de topar con un director que supo convertir una mítica serie televisiva, Los Hombres de Harrelson, en un bodrio fílmico. Al salir del cine, admito mi error, y es que el menor de los males se encuentra en la dirección, siendo éste atribuible a la adaptación de un guión que, por exigencias de los productores, “salta de época” para trasladar los disturbios raciales de la ciudad de Los Ángeles en 1992 hasta nuestros días. En aquella fecha, un jurado compuesto por blancos, absuelve a cuatro agentes de policía de la paliza propinada a un delincuente de color, lo que provoca enfrentamientos y revueltas bajo una oleada de terror.

Dieciséis años después, se minimizan, hasta desaparecer, las diferencias étnicas, que se reducen a frases sin sentido dentro del contexto que los contiene, como “eres un racista por disparar sobre los coreanos” o “malditos blancos de m.”; para centrarse en la brutalidad policial de quienes nos protegen que, de alguna manera, queda justificada en la figura del héroe que, por casualidad, llega al corazón de corruptela a destruir. Se abre entonces, para el enriquecimiento argumental, un doble frente por el que desciende el protagonista en una película hecha a su medida. Y es que Reeves, penúltimo de los actores que todavía conserva la magia de los galanes del cine clásico, sabe enamorar –como ninguno- bajo el papel del policía de métodos cuestionables que actúa al margen de la ley; y puede convencer –como pocos- gracias a una inexpresividad que le viene de serie, en la caracterización de un personaje “más tonto que los otros” que se lanza al proceso de redención ajeno al desarrollo de los acontecimientos.

Los espectadores, que no saben reconocer un 2-11 antes de que se presente ni actuar por causas de fuerza mayor a la velocidad del relámpago, sí que podrán desarticular la totalidad de la trama desde el minuto número ocho de metraje. Gracias a un guión de diálogos brillantes que, sin embargo, se encarga de insertar comentarios demasiado explícitos (“Por tu propio bien, no te alejes demasiado o no podré rescatarte”), y por culpa de una dirección de actores tan cuestionable como las técnicas del “guapérrimo”; los falsos buenos y los falsos malos dejan de ser malos y buenos para ser, simplemente, falsos. Sólo que, en contra de lo que cabría suponer, los descarados -y no intencionados- previsibles giros, logran sobrevivir en medio de apoteósicas escenas de acción y de planificaciones milimétricas que, en no pocos momentos, quedan desvirtuados por el lamentable montaje que las recopila.

Con sus continuos guiños cinéfilos: “Alégrame el día” de Clint el sucio (Don Siegel, 1971), “¿Conoces la historia de Serpico, el policía que..?” (Sydney Lumet, 1973), y las continuas alusiones a “El Tercer Hombre” que puede que nunca haya existido, (Carol Reed, 1949); Dueños de la Calle discurre por la estela del mejor cine policíaco; con un interesante encuadre de primeros planos, un duelo interpretativo recogido en planos-contraplanos dignos de mención, y un mimo por los detalles que no nos dejan indiferentes; para llegar a un resultado claramente inferior al de las producciones de temática similar de los años 70.

Y, en un balance final, en el que sería imperdonable dejar de mencionar la siempre eficaz actuación del último rey de Escocia, la excelente interpretación del médico capullo, y la impagable presencia de otro “guapérrimo”, Chris Evans; me atrevo a recomendar la película de Ayer (apellido del director). Aunque, no se engañen, siempre hubo críticos a los que les gustó presumir de la impunidad que gozan los policías del departamento de Los Angeles; y es que, en demasiadas ocasiones, “no importa lo que suceda, sino cómo se escriba”.

ELEGY

2008-04-23T05:54:00.001-07:00

En un satisfactorio “Dios los cría y ellos los juntan”, tres productores norteamericanos consiguen reunir, en una misma película, la limpieza técnica de la directora Isabel Coixet, la obra del Premio Pulitzer Philip Roth, la adaptación de uno de los mejores guionistas de las últimas décadas, y un reparto de lujo.
¿El resultado?, ¡No se la pierdan!.

TITULO ORIGINAL Elegy
AÑO 2008
DURACIÓN 108 min.
PAÍS USA
DIRECTOR Isabel Coixet
GUIÓN Nicholas Meyer (Novela: Philip Roth)
MÚSICA Varios
FOTOGRAFÍA Jan Claude Larrieu
REPARTO Ben Kingsley, Penélope Cruz, Dennis Hopper, Patricia Clarkson, Peter Sarsgaard, Deborah Harry, Charlie Rose, Antonio Cupo, Sonja Bennett, Chelah Horsdal
PRODUCTORA Lakeshore Entertainment

A mí me hacen mucha gracia los comentarios que surgen cada vez que una (un) cineasta española (español) saca los pies del tiesto y alcanza el reconocimiento internacional. Sí, ese tipo de reconocimiento que existe más allá de las subvenciones y de las envidias solapadas de un país de lunes al sol. Y me hacen mucha gracia porque llega un momento en el que estos comentarios, que suelen girar en torno a un eterno “sí, pero no”, dejan de afectar a la (al) cineasta en cuestión, para salpicar de lleno a “sus críticos acérrimos”.Se plantea entonces, por la parte que nos toca, la ardua tarea de intentar explicar a los que tanto saben de cine que, lejos de limitarnos a contemplar la “temática repetitiva de drama intimista” que ellos ven en la filmografía de una directora que siempre ha llamado nuestra atención, los acérrimos preferimos argumentar y recordar.

Recordar que existieron grandes directores, como Huston o como Mankiewicz que, además, eran excelentes guionistas y mejores dialoguistas, que podían “encerrar” a dos actores en medio de la nada para, sin más alicientes, contar una historia que supiera captar la atención del espectador desde el principio hasta el final. Por ello, quienes no sabemos lo que es el cine, pero lo reconocemos en cuanto lo vemos, sabemos apreciar tal proeza, casi imposible e impensable en el panorama contemporáneo, en cuanto ésta se presenta. Guiones sólidos sin fisuras, historias honestas que pasan a través del narrador para llegar en estado puro a los espectadores, habilidades técnicas de una limpieza irreprochable, primeros planos que son el sueño de toda actriz y de todo actor, impecable precisión que perfila los distintos personajes y sus evoluciones, sorpresas metafóricas, diálogos brillantes... las conjunciones perfectas que abarca una escritora de películas que sabe crear imágenes únicas; las argumentaciones que empleamos los “acérrimos” para reivindicar que, no en vano, nos encandila el cine de esta mujer.

The Dying Animal es un relato corto del laureado y aclamado novelista Phliph Roth, que explora la dicotomía de Eros y Thanatos, y que es adaptada para el cine por el director y guionista Nicholas Meyer (Los Pasajeros del Tiempo, 1979), quien ya adaptara con éxito La Mancha Humana, del mismo novelista, que sería interpretada por Anthony Hopkins y Nicole Kidman; disipando, de este modo, el miedo a que el guión que iba a ser dirigido por la española (el primero de su carrera que ella no firma), no contara con la suficiente consistencia que le permitiera desarrollar su magnetismo fílmico.

En un intenso flashback, de inclusión imperceptible, que busca la espalda del protagonista para encontrar la lluvia intensa que barre los cristales, el cínico, realista o infantil estudioso de los orígenes del hedonismo americano, que habla como Cary Grant con La Muerte en Los Talones, intenta aprender que, como dijera Bette Davis, la vejez no está hecha para los cobardes, y es que hay que dejar de preocuparse por envejecer para intentar madurar. Un barco, quizás a la deriva, que navega por el amor a la independencia, no exenta de sacrificios; que reposta en la sexualidad no comprometida que le depara quien no consigue mantener las formalidades que reclama; que zozobra ante la hipocresía que distingue entre el adulterio ajeno, capricho de libertinos, y el propio como un estado maravilloso con música de oboe; que encalla en la playa del poeta que no sabe qué es la poesía, pero la reconoce en cuanto la oye; y naufraga ante la obra de arte que puede ser comprada pero no poseída, porque, de alguna manera, son las obras de artes las que poseen a quienes las compran.

Los amigos se aceptan tal y como son, los planos desenfocados y los giros bruscos de cámara anticipan los acontecimientos. La belleza exterior hace invisible o ininteligible el mundo interior, la transformación del personaje que interpreta Penélope Cruz, traspasa el corazón. En los momentos difíciles siempre se busca a aquella persona que nos amó, los planos subjetivos que recrean un falso flashforward resultan magistrales. Cuando haces el amor con una mujer, te vengas de todas las cosas que te han derrotado en la vida, mientras la belleza visual de las escenas que transmiten la odiosa sensación de celos perduran en el recuerdo. Ella se aparta el flequillo de la cara, él le sonríe, y el embelesamiento hace partícipes a quienes sólo podemos admirarles. Dentro de diez años, volveremos a leer el libro y será diferente, porque nosotros habremos cambiado, pero la correcta utilización de la voz en off de esta película siempre será sobresaliente.

Y, entre relatos de Kafka, Majas de Goya, Meninas de Velázquez y nuevas fotografías tomadas junto al mar como modernos cuadros de Soroya, se puede explicar a los detractores que Elegy es una buena película porque tiene el sustento de un gran guión y la ejecución precisa de una virtuosa tras las cámaras, pero nunca que es el cine, ¡maldito traidor! el que, a veces, sólo a veces, golpea duro en el alma.

RETRATOS DEL MÁS ALLÁ

2008-04-16T05:51:00.000-07:00

Decir que esta especie de “Cosas que hacer en Tokio cuando buscas fantasmas”, con ínfulas de “Lost in Translation” y regusto a “Lo que la Verdad Esconde” es mala, sería hacer un favor al director japonés de “Infection”. Lo cierto es que nos hallamos ante la peor versión americana del enésimo cuento imposible asiático.

TITULO ORIGINAL Shutter
AÑO 2008
DURACIÓN 85 min.
PAÍS USA
DIRECTOR Masayuki Ochiai
GUIÓN Luke Dawson
MÚSICA Nathan Barr
FOTOGRAFÍA Katsumi Yanagishima
REPARTO Joshua Jackson, Rachael Taylor, James Kyson Lee, David Denman, John Hensley, Megumi Okina
PRODUCTORA Regency Enterprises / Vertigo Entertainment

“Las fotografías de espíritus llevan con nosotros desde el siglo XIX, es decir, desde que se inventó la fotografía. Son manifestaciones del más allá que necesitan dar un mensaje. Si no, ¿qué sentido tendrían?”.

¿Inspirar a guionistas mediocres? ¿Rentabilizar otra historia de fantasmas en el cine? ¿Amedrentar, por no decir “acojonar”, a los que encuentren manchas blancas en los revelados de sus fotografías?. Al margen de estas contestaciones, las más interesantes de un lamentable lote que se me acaba de ocurrir a voz de ¡pronto!, la verdadera respuesta habría que buscarla en la tendencia del cine asiático a unificar sus creencias ancestrales, -entre las que se encuentra la existencia de espíritus-, con la irrupción de las nuevas tecnologías. Así, los primeros habrían de llegar hasta el mundo de los vivos a través de cintas de vídeo (The Ring), teléfonos móviles (Llamada Perdida), transplantes de órganos (The Eye. Visiones), o ¿por qué no? desde instantáneas tomadas con una cámara digital. Un aspecto al que se suma el atractivo de las versiones americanas, acercando los diversos productos orientales de espectros estáticos y vengativos que amenazan a los humanos que no pueden escapar de su destino, a un público familiarizado con la fenomenología dinámica de los “poltergeists”... Y la mezcolanza de culturas en aras del horror, funcionó. Funcionó hasta el punto de que todo lo que sabe a terror asiático ha sido estudiado, copiado y perpetrado siguiendo unos inamovibles clichés que, hace tiempo, comenzaron a aburrir.

La película que hoy comentamos, lejos de ser una excepción, se gana a pulso el premio al peor remake del enésimo cuento imposible asiático para no dormir. Basada en una cinta tailandesa, Shutter, del año 2004, que batió el récord de ingresos en las salas de su país, Retratos del Más Allá es una producción estadounidense, con director japonés, y actores principales americanos, que nada –fuera de una considerable pérdida de tiempo-tiene que ofrecer al espectador europeo; ése que ya empieza a pensar que este tipo de historias se pueden definir con la coletilla que, tradicionalmente, se ha venido aplicando a las películas porno, y que no sería otra que la de: Vista una, sobran las demás.

Masayuki Ochiai, conocido cineasta del género, incumple con el principio básico de “dar miedo”, que es sustituido con pretensiones de sensual dramatismo, burdos análisis psicológicos del forastero que reside en otro país, y por la equivocada, absurda y tediosa solemnidad que se imprime al planteamiento de un producto que irá destinado, principalmente, a los adolescentes. Fiel a un estilo que antepone los desnudos, la narración fílmica pausada hasta la exasperación, y el gusto por el melodrama que ya impulsara en proyectos como Parasite Eve (1997), deriva, en la que es su primera película americana, hacia un insólito patetismo encaminado a la pseudo-profundidad de una historia que sólo es concebida con una ración doble de palomitas.

El guionista, por su parte, un debutante obsesionado por los mangas japoneses, olvida –o no sabe- que las conexiones explicativas que desarrollan el argumento siempre han de ser posteriores a los acontecimientos. Adelantarlas de manera explícita, sin ni siquiera tener la decencia de enmascararlas en indicios improbables o en frases que sólo serán percibidas por los más avispados, delatan una preocupante falta de imaginación, incitante a la ofensa.
Ni que decir tiene que los llamados “momentos culminantes” de una película de terror, se inventan, -se reinventan, de ser necesario-, y no se limitan al plagio de refritos de otras cintas que funcionaron en taquilla. Ya no nos asustan las imágenes inquietantes e intermitentes que son recortadas en medio de la carretera y en plena noche. Nos vacunamos con el autoestopista ochentero que creó Spielberg para un episodio de Historias de la Cripta, en el que el atropellado dedicaba su tiempo post-mortem a perseguir a la atropelladora con la irrisoria e inolvidable sentencia de “gracias por el viaje, señora”. Tampoco tememos las figuras que, sentadas en una silla y de espaldas a la cámara al más puro “savoir faire Hitchcockriano”, girarán sobre sí mismas, no para descubrir el rostro enigmático de James Stewart, y sí el de un ser –llamémosle- menos llenos de vida. Nos vacunamos en una escena protagoniza por la adorable Naomi Watts, perteneciente al remake de The Ring. Y, por supuesto, esas “cosas reptantes” –en otra vida, mujeres- que pasan del suelo a las paredes para ser introducidas –por motivos que desconocemos- dentro de un cuadro, dejaron de impresionarnos en la ¿octava entrega? de La Maldición.

De poco –de muy poco- le ha servido al director de fotografía, Katsumi Yanagijima, la “inspiración” que fue a buscar a una exposición sobre fotografía y ocultismo en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, ya no para captar las “imágenes del más allá” (título con el que se conoce este bodrio en Méjico), sino para capturar el más mínimo atractivo de la impresionante ciudad de Tokio, que es mostrada con el mismo entusiasmo de quien rueda en el callejón sin asfaltar que hay cerca de mi barrio. Por no hablar de la insulsa y repetitiva partitura que, inexplicablemente, pertenece al creador de la banda sonora del Grindhouse de Rodríguez-Tarantino; o de la interminable sucesión de planos que hace descender un vehículo por un improvisado precipicio, para situarlo frente a un árbol que se encuentra a medio metro de la calzada que lo despidió.

¿Seguimos enumerando desatinos?, Mejor no. Acabo de recordar a aquella especie de novio que tuve un vez.... y creo que un espejo y una Polaroid podrían explicar este insistente dolor en el cuello....

LA COSTILLA DE ADÁN (George Cukor, 1949)

2008-04-11T02:37:00.000-07:00

-Me apetece escribir una crítica de cine clásico
-¡Pues hazlo!. ¿De qué película?
-No lo sé. ¿De qué película la hago?
-¿Y si te digo una que tú no has visto?
-Jajaja, Vale. Tengo una idea mejor, ¿por qué no me regalas una de las tuyas para mi blog?
-Tú eliges...

Esta mañana os quiero presentar un blog que lleva enlazado con Cómo Casarse con un Millonario desde el principio de los tiempos, y con él a un gran cinéfilo, mejor amigo y crítico excepcional.
La Imagen en el Alma tiene más de 300 entradas llenas de sensibilidad, sabiduría y buen cine, y es la imprescindible fuente de consulta en la que tantas veces he repostado.
No era fácil elegir una sola crítica, pero confieso que la reseña que os pongo me desarmó.

TITULO ORIGINAL Adam's Rib
AÑO 1949
DURACIÓN 101 min.
PAÍS USA
DIRECTOR George Cukor
GUIÓN Ruth Gordon & Garson Kanin
MÚSICA Miklós Rózsa
FOTOGRAFÍA George Folsey (B&W)
REPARTO Katharine Hepburn, Spencer Tracy, Judy Holliday, Tom Ewell, David Wayne, Jean Hagen
PRODUCTORA Metro-Goldwyn-Mayer
ARGUMENTO: Amanda y Adam Bonner son un idílico matrimonio de abogados cuya paz conyugal se ve afectada cuando se enfrentan en el tribunal como fiscal y defensor, respectivamente, del mismo caso: una mujer es juzgada por disparar contra su marido y la amante de éste. Adam no duda en la culpabilidad de la acusada, pero Amanda basa su defensa en la igualdad de derechos.

El gran mérito de una película que trata sobre el feminismo desde una perspectiva imparcial es que sabe cuándo dar a las mujeres la razón y cuándo debe quitársela a los hombres. Y lo que es aún mejor, hacerlo poniéndonos a todos una sonrisa en la boca. Una sonrisa sana, no basada en el enfrentamiento rabioso de los sexos opuestos, sino prisionera del buen gusto, del sentido del humor elegante. Todo esto que escribo son sólo letras de la ley del éxito que no se pueden ver refrendadas si en el reparto de una película no hay dos nombres tan adecuados y sublimes en sus papeles como Katharine Hepburn y Spencer Tracy.

Más allá del hecho de que fueran pareja en la vida real, podemos intuir cómo con una simple mirada llegan a la compenetración absoluta, cómo son las dos partes de una misma persona, cómo en su mutua oposición hay un ensalzamiento de esa “pequeña” diferencia que separa a hombres de mujeres. Y lo hacen sin que esa diferencia parezca motivo de separación, todo lo contrario. Son dos intérpretes que traspasan la película de tal modo que, cuando la historia termina, tantos unos como otras tenemos la sensación de que hay que enorgullecerse de nuestras diferencias, tal vez porque si queremos eliminarlas perdemos nuestra identidad como sexo.

Antes de seguir, lean otra vez el párrafo anterior, por favor. ¿Ya? Vale. Seguimos.

Por otro lado, en esas mismas diferencias también hay una crítica feroz a nuestras radicalizaciones. El hombre, estúpido por naturaleza. La mujer, tendencia a la suposición enfermiza. El hombre, incontrolable cuando se le escapa la mano. La mujer, escorada hacia la ridiculización del contrario. El hombre, poseedor de una ética equivocada. La mujer, poseedora de una ética equivocada…¡Ahí va! ¡Si hay algo en común!...

Sin lugar a ninguna duda, esta película es la mejor que Hepburn y Tracy hicieron juntos a través de muchos años y ocho películas de colaboración. En todas ellas, cada uno hizo gala de trazos definitorios de sus personajes con la precisión de un rostro capaz de contener en sus arrugas la lluvia de dos días como hizo él, o con la certera mirada de una boa en ayunas, como hizo ella. En cualquier caso, cuando la interpretación de dos actores de esa talla llega a ser tan minuciosamente normal, es cuando sentimos que allí mismo, en el salón de nuestra casa, se sientan dos personas que podrían ser perfectamente los vecinos de al lado que, cada uno con su versión, quieren contarnos esos problemillas que hacen defectuoso al compañero pero que, a la vez, lo convierten en la única persona a la que se puede amar durante el resto de sus días.

Así que si deciden premiarse y verla, hay un pedazo de enorme cine que va a entrar ahí mismo. Se va a acomodar en el sofá y ustedes van a ser espectadores de una función que, de tanta ironía e inteligencia, hasta podríamos decir que estas dos palabras también son masculinas. Y si acaso, cuando apaguen el televisor, hagan sus alegaciones, formulen sus protestas y exclamen lo gozosa que es una diferencia que nunca nos ha alejado si no bien al contrario, nos ha hecho estar más cerca a cada día de nuestra historia.

César Bardés
Del Blog "La imagen en el alma"

RASTRO OCULTO

2008-04-09T04:09:00.000-07:00

El director de “Las Dos Caras de la Verdad” y de conocidas y legendarias series televisivas como “Canción Triste de Hill Street”, presenta un atractivo thriller que no consigue esquivar los peores tópicos del género, pero sí salir de la mediocridad, apoyado en una trama elaborada, una consistente dirección de actores y una interesante Diane Lane a lo Jamie Lee Curtis en “Acero Azul”.

TITULO ORIGINAL Untraceable
AÑO 2008
DURACIÓN 100 min.
PAÍS USA
DIRECTOR Gregory Hoblit
GUIÓN Mark Brinker, Allison Burnett, Robert Fyvolent
MÚSICA Christopher Young
FOTOGRAFÍA Anastas N. Michos
REPARTO Diane Lane, Colin Hanks, Billy Burke, Joseph Cross, Mary Beth Hurt, Tim De Zarn, Daniel Liu
PRODUCTORA Lakeshore Entertainment

Según las palabras de la ancianita encantadora –especie de Miss Marple de Agatha Christie- con la que coincidí en una sala de proyecciones albaceteña, este tipo de películas “no hacen más que dar malas ideas a la gente joven”. Admito que el comentario, no exento de cierta sabiduría, me hizo reír, para llegar a las conclusiones de que son las “malas ideas” anteriores a la ficción, y de que el cine, de alguna manera, tiene la obligación de mostrar esas realidades incómodas.

En este sentido, hace pocos años, la inquietante existencia de las denominadas cintas snuff, era mostrada con la clandestinidad que siempre rodeó a estas supuestas grabaciones de asesinatos reales, que sólo podían ser encontradas en improvisadas filmotecas inventadas por Amenábar, para llegar hasta las manos de Nicolas Cage en formato de ocho milímetros. Muy poco tiempo después, la selva de redes en que se convierte internet, proporciona no sólo un lugar seguro para el desarrollo de las distintas actividades profesionales y de ocio, sino también el momentáneo refugio de delincuentes que, según las teorías de esta historia, podrían llegar a matar en riguroso directo, vía on line, en atención al número de visitas registradas en sus webs. Un aspecto que, para siempre, debería pertenecer a la ciencia ficción; pero que hace de éste un título interesante, novedoso y necesario.

Su preciso planteamiento demuestra la insensibilidad generalizada de una sociedad que, continuamente, permanece expuesta al incesante bombardeo de imágenes violentas, y que pocas veces repara en su procedencia. Su desarrollo, alimentado por la significativa pregunta de “cuándo se ha vuelto este mundo tan jodidamente insensato”, se encamina a delatar como cómplices, y no simples mirones, a los usuarios de algunas páginas macabras; mientras que el alentador final es el encargado de emitir un mensaje sencillo y directo, el que asegura que frente a los nuevos criminales cibernéticos de rastro oculto, siempre habrá expertos informáticos en los Cuerpos de Seguridad empeñados en desenmascararles. Sólo hay que observar la placa del FBI que es proyectada junto a la cámara, y que aporta la sensación de ser éste un producto tan correcto en su contenido como en las formas cinematográficas que lo ejecutan.

Si no les atrajera la base argumental, así como tampoco las moralinas estadounidenses, pero sí los guiones que se suponen elaborados, sólo tienen que fijarse en que la historia que forma la película que hoy comentamos, ha sido escrita por tres guionistas; lo cual, si no proporciona garantía de calidad, sí que lo hace –en los tiempos que corren- de trabajo realizado a conciencia. El resultado, como era de esperar, evidencia que no nos encontramos ante aquellos “escritores de películas” de los que suele hablar un crítico de esta Casa, sino más bien de guionistas en huelga que permiten que sus ideas –muchas de ellas, brillantes-, sean revisadas por productores que no dudan en incorporar los peores tópicos del género con vistas a su comercialización. De esta manera, no conviene dejarse escandalizar cuando los acontecimientos derivan hacia situaciones impensables que consiguen ofender el más mínimo sentido común del espectador medio, que observa perplejo cómo se desenvuelven los agentes. Tan sólo cabe pensar que los parpadeos en código morse no suelen se factibles, y que el único objetivo de la trama es poner en peligro a la seductora Diane Lane para amortizar las cláusulas de su contrato.

En todos los casos, es innegable que la historia se ajusta como un guante de encaje negro a las manos de su director. El responsable de numerosos episodios de series televisivas como Canción Triste de Hill Street o Policías de Nueva York, cuenta con las tablas suficientes para crear el ambiente propicio que logra extraer interpretaciones creíbles de actores mediocres. Su predilección por los finales sorpresa, le predispone al trazado complejo y –muchas veces, engañoso- de personajes que, en no pocas ocasiones, superan los argumentos endebles que le tocan orquestar. Siempre irregular en la técnica, y experto en planos subjetivos y desenfocados mareantes, resulta gracioso comprobar cómo sus sofisticados artificios y su obsesión en lanzar innecesarias cortinas de humo, no hacen más que adelantar lo previsible de sus desenlaces. Su mayor éxito, repleto de estos defectos constantes, se encuentra en Las Dos Caras de La Verdad, salvado, en gran medida, por el extraordinario trabajo de Edward Norton. Algo parecido sucede, en esta película, con la efectiva presencia de la actriz protagonista, los acertijos para cerebritos de los ordenadores, y las virguerías de un montaje que hace coincidir la tecla “enter” con la patada en las puertas de registros rutinarios.

Sea como fuere, a Miss Marple le encantó la película “porque la mantuvo entretenida”; y yo, que quería emular el pacto entre caballeros de Sabina, prometí dedicarle el artículo. Como dijera un almodovariano personaje, “siempre he confiado en la bondad de los desconocidos”; y, a veces, hasta en sus criterios.

LA NOCHE ES NUESTRA

2008-04-02T08:34:00.000-07:00

El director y guionista James Gray vuelve a recurrir a su obsesión por la justicia, los dramas familiares, las mafias, asesinatos, venganzas, sabotajes e inmigración rusa, en un trhiller notable, sólo superado por “Little Odessa”, que pudo ser perfecto.

TITULO ORIGINAL We Own The Night
AÑO 2007
DURACIÓN 117 min.
PAÍS USA
DIRECTOR James Gray
GUIÓN James Gray
MÚSICA Wojciech Kilar
FOTOGRAFÍA Joaquín Baca-Asay
REPARTO Joaquin Phoenix, Mark Wahlberg, Robert Duvall, Eva Mendes, Danny Hoch, Alex Veadov, Oleg Taktarov, Dominic Colon, Joe D'Onofrio
PRODUCTORA Universal Pictures / 2929 Productions / Industry Entertainment

Me gustaría comenzar esta crítica haciendo una pequeña reflexión sobre las filias y las fobias cinematográficas que –en demasiadas ocasiones, de manera inexplicable- padecemos algunos cinéfilos. En mi caso y durante muchos años, he de confesar la animadversión enfermiza que sentí hacia tres actores; a quienes, aun reconociendo su talento, llegué a encasillar en la categoría terrible de “filmografías absolutamente prescindibles”. Pasada la ofuscación, intenté darles otra oportunidad y, para ello, decidí “estudiar sus casos”, alcanzando una curiosa conclusión. Todos, en algún momento, habían traspasado las pantallas, superado los personajes que interpretaban y dejado de ser actores, para convertirse en seres humanos que reunían las peores maldades de la especie. Había que ser muy mala persona –o muy buen actor- para encarnar los ojos de la ira, las lágrimas de la rabia, la sonrisa de la envidia, los puños de la venganza de un ambicioso y destructivo emperador romano, como lo había hecho Joaquin Phoenix en Gladiator. El actor, fiel a su principio de “considerar cada nuevo personaje como el más importante de su carrera, para luego olvidarse de él”, quizás nunca haya reparado en el hecho de que esa fase de olvido no es posible para el espectador.

Entendida y superada la fobia; en el lado opuesto, se encuentran los actores por quienes sentimos auténtica debilidad, es posible que también motivada por el inconsciente recuerdo de los personajes a los que dieron vida. ¿Cómo permanecer indiferentes ante la irresistible personalidad del “capullo íntegro” de Los Infiltrados de Scorsese?. El fundador de la Mark Wahlberg Youth, un refugio que ampara a los niños y adolescentes de los barrios más desfavorecidos, es único para transmitir una ternura infinita. Si unimos dos caracteres tan opuestos que, según las palabras del director, son “la pasión por el trabajo de John Garfield y el conflicto interno de Montgomery Clift a punto de estallar”, nos encontramos con dos de las colaboraciones más interesantes y fructíferas del cine contemporáneo: La Otra Cara del Crimen y la película que hoy comentamos.

La noche es Nuestra es un apasionante thriller policial que cuenta con un equilibrio perfecto entre dramatismo y acción. Con toda justicia, se puede hablar de su director, James Gray, como el último de los clásicos. Su gusto por la filmografía de Visconti; la tendencia mostrada hacia la humanidad y la sinceridad que desprende el neorrealismo italiano; la observación continua de los designios insalvables del destino, herencia de los maestros japoneses de los años cincuenta; y el brutalismo americano, sin concesiones, de los setenta, se encuentran presentes en toda su filmografía. En esta historia, además, se propone una personal revisión del Enrique IV de Shakesperare; el hombre que ha de abandonar su vida despreocupada por el reclamo ineludible que marcan los acontecimientos.

Con una factura impecable, una excelente planificación de cada secuencia y un exquisito mimo de atrezo, La Noche es Nuestra nos deja una de las persecuciones de coches más escalofriantes de los últimos tiempos, que incluye una escena inspirada en Vivir y Morir en Los Ángeles de William Friedkin, y en la que será difícil olvidar la insistente amenaza del limpiaparabrisas sobre los cristales.

Desde el plano de apertura, con la exposición de una serie de fotogramas en blanco y negro que orientan sobre la batalla campal en la que se convirtió Nueva York a finales de los años ochenta; pasando por el plano cenital que revolotea sobre una exótica discoteca, que sintetiza la sensación de “no reparar en las consecuencias” que caracterizó esta década; los signos de maestría cinematográfica son constantes.

Destacamos la forma de plasmar el distanciamiento inicial que relaciona al personaje central con su familia, con una cámara que, sin implicar al espectador, siempre observará a los actores, en línea recta, desde la lejanía; los precisos retimes que se establecen en los dosificados momentos culminantes del metraje; el acertado e imperceptible flashback con que se resalta uno de los aspectos más relevantes de un guión sólido de notable ejecución; el impresionante retrato de ambientes; la supervisión musical que mezcla temas emblemáticos de Blondie o David Bowie con la partitura de Wojciech Kilar, autor de la mítica banda sonora de El Piano; la textura discreta de una brillante fotografía; y la impresionante labor de un elenco tocado por el estado de gracia de una envidiable dirección de actores.

Sin embargo, al contemplar el resultado final, fácil es dejarse invadir por la sensación de discontinuidad, de grandes obras aisladas que, -por sí mismas y alejadas del todo que las contiene-, presentan planteamiento, desarrollo y desenlace de resolución precipitada; de un cúmulo de cortometrajes que podrían haber sido separados del resto del metraje para ser introducidos en un argumento similar. Puede que el error se encuentre en el hecho de saber que ésta es una película arquetípica de su género; que se deba a un montaje que no estuvo a la altura del resto del equipo; o que dé cumplimiento a la posibilidad que niega la existencia de la perfección.

"UN TOQUE DE CANELA" SEVILLANA

2008-03-28T04:47:00.000-07:00

Hace unos días, un grupo de críticos de cine de Sevilla se puso en contacto conmigo para invitarme a visitar su web y pedir mi colaboración.
La visité y me gustó, por lo que he decidido dedicar una entrada a esta nueva web, y recomendarla a todos los lectores y amigos de "Cómo Casarse con un Millonario".

Para que os hagáis una idea, os pongo una de sus críticas.

UN TOQUE DE CANELA

ficha de la película:
TITULO ORIGINAL Politiki kouzina (A Touch of Spice)
AÑO 2003
DURACIÓN 108 min.
PAÍS GRECIA
DIRECTOR Tassos Boulmetis
GUIÓN Tassos Boulmetis
MÚSICA Evanthia Reboutsika
FOTOGRAFÍA Takis Zervoulakos
REPARTO Georges Corraface, Ieroklis Michailidis, Renia Louzidou, Stelios Mainas, Dina Michailidou
PRODUCTORA Greek Film Center / Filmnet / Cinegram

Acabo de leer un par de críticas en su contra, pero a mí me parece una joyita, una grata sorpresa. Mi conocimiento del cine greco-turco, como comprenderéis, es bastante limitado, así que no tenía ni la más remota idea de la existencia de esta película. Pero me la recomendaron, me dio la curiosidad, me hice con ella y la verdad sea dicha, me ha sorprendido más que positivamente.

'Un toque de canela' cuenta la historia de Fanis Iakovides, un niño de ascendencia griega criado en Estambul que se ve obligado a volver a Grecia debido a los conflictos diplomáticos entre este país y Turkia. La película más o menos cuenta toda la infancia, adolescencia y parte de la vida adulta de Fanis, pero pone especial incapié en la relación con su abuelo Savas Iakovides. Savas tiene una tienda de especias (a las que atribuye cualidades extraordinarias) y es padrino y mentor de Fanis, marcando su niñez en dicha tienda su personalidad y el resto de su vida.

Si solo leemos el párrafo anterior, parece que no tiene nada de especial y de interesante. La cosa realmente curiosa aquí es que todo, absolutamente todo gira en torno a la comida. De hecho, la película está estructurada en 3 partes: entrantes, 2º plato y postre. En el 90% de las escenas, se está cocinando, comiendo o de alguna forma está la comida y la forma de prepararla presente. El mérito reside en que se tratan multitud de temas a lo largo del film, entre ellos, relaciones familiares, política, religión, matrimonios de conveniencia.. todo a través de metáforas culinarias. No negareis que es, al menos, original.

Me ha gustado también varios detalles respecto a la forma y dirección de la película. Por un lado, se puede ver una 'exageración' de las propiedades de las cosas, algo así como el realismo mágico sudamericano o algo así como lo que ya se vió en Amelie. Otra cosa a destacar ( y a mí personalmente me encanta el recurso) es la recurrencia de muchas escenas, frases y gags: escena de las velas, el dolor en la espalda, el parkinson de la abuela, la palmada en la mano cuando ocurre algo malo.. la primera vez que lo ves te ríes, y la segunda, si se hace bien, te ríes aún más, etc.

De los actores, todos desconocidos, no hay nada bueno ni nada malo que decir. Cumplen su papel con solvencia, y hablando de papeles, otro punto para los guionistas de esta película porque las palabras que ponen en la boca de los personajes, son cotidianas y creibles. Esto aunque parezca raro, no se suele ver demasiado...

Otra razón por la que es buena, pienso que está película provoca sentimientos al espectador. Pocas consiguen emocionarte en una escena tras media hora de película, está sí. Se que es una obviedad pero no me voy a resistir. 'Un toque de canela' es salá (te ríes mucho), dulce (en la etapa que cuenta la niñez de Fanis), ácida (se trata con bastante ironía y perspicacia el conflicto turko-griego) y .. amarga (con un final de nudo en la garganta).

Para concluir, decir que me ha dejado con muy buen sabor de boca (cuanta comparación facilona hoy) y que la recomiendo encarecidamente a todos aquellos que se quieran desmarcar por un día del cine más convencional y prefrabricado.

Lo mejor: parece una película monotemática (solo se habla de comida) pero trata astutamente multitud de temas.

Lo peor: el final del final (últimos 2 minutos de la película) me ha parecido arto cursi. La escena del hospital es super típica. Se le perdona.

Nota: 7/10

Juan Jesús Gutiérrez Ramos
criticasdecine.googlepages.com

LOS FALSIFICADORES

2008-03-26T06:19:00.000-07:00

Ganadora de un Oscar a la Mejor Película en lengua no inglesa, la producción austriaca “Los Falsificadores” rescata a ritmo de tango un episodio de la Segunda Guerra Mundial, desconocido para el séptimo arte. La Operación Bernhard tuvo como objetivo desestabilizar los sistemas económicos de las principales potencias aliadas.

FICHA DE LA PELÍCULA:
TITULO ORIGINAL Die Fälscher (The Counterfeiters)
AÑO 2007
DURACIÓN 98 min.
PAÍS AUSTRIA
DIRECTOR Stefan Ruzowitzky
GUIÓN Stefan Ruzowitzky (Historia: Adolf Burger)
MÚSICA Marius Ruhland
FOTOGRAFÍA Benedict Neuenfels
REPARTO Karl Markovics, August Diehl, Devid Striesow, Martin Brambach, August Zirner, Veit Stübner, Sebastian Urzendowsky, Andreas Schmidt
PRODUCTORA Coproducción Austria-Alemania

Han pasado más de sesenta años desde que finalizara la Segunda Guerra Mundial, y el cine sigue teniendo la capacidad de sorprender al rescatar nuevos episodios, tan desconocidos como trascendentales, que acontecieron en la contienda. El que origina la película que hoy comentamos, nos traslada hasta la Alemania de 1944, quien, al ver perdidas sus posiciones, no duda en poner en marcha la mayor operación de falsificación de moneda extranjera de todos los tiempos. Para ello, no necesita contratar ni remunerar los servicios de expertos impresores, tan sólo exigir la prestación de los mismos a los judíos que mantiene recluidos en campos de concentración. Un guión que, por perfecto, sólo puede estar extraído de la realidad, de la experiencia vital del escritor Adolf Burger, papel que interpreta magistralmente el actor August Diehl .

Burger es conducido desde Auschwitz, el mayor núcleo de exterminio creado, hasta los barracones privilegiados de Sachsenhausen, convertidos en talleres, en los que coincide con el preso número 75.517, Salomon Sorowitsch, que ha hecho del oficio de falsificar billetes no sólo su medio de vida, sino también un arte. Momento en el que la memoria cinéfila une ambos conceptos para recordar La Gran Evasión de John Sturges, con ese fantástico trabajo de falsificación de documentos, o El Tren de John Frankenheimer, auténtica pieza de orfebrería cinematográfica, que mostró el expolio de las obras de arte por parte de los nazis. Y es que sólo de “obra de arte” se puede calificar la fabricación de falsas libras esterlinas que ni siquiera son detectadas por el Banco de Inglaterra, o de los billetes de cinco dólares americanos que no dejan de contener el agazapado búho de los Illuminati en sus estampas.

A partir de este momento, fácil es comprobar cómo se sigue manteniendo la visión tradicional con la que las distintas filmografías de los diversos países implicados han abordado la temática de la Segunda Guerra en atención a su papel histórico. En líneas generales, el cine americano se ha dedicado a ensalzar los hechos heroicos que protagonizaron sus compatriotas; el británico se centra en la resistencia numantina ofrecida a los invasores; y el germánico intenta purgar sus pecados, hablando del trauma de una generación que heredó la suposición perenne de culpabilidad por los actos cometidos por sus propios padres. Era en 1958 cuando se empezaba a entonar el “mea culpa” con la imprescindible El Puente, de Bernhard Wicki, en la que era denunciado el reclutamiento de unos niños para un derrotado ejército alemán; un ejercicio de expiación que continúa presente en las producciones de las últimas décadas.

Esta concepción y este propósito son la aportación alemana a una cinta que se esfuerza en plantear una disyuntiva moral que, a todas luces, no es tal, al darse los acontecimientos bajo un principio absoluto de carencia de libertad. No se puede juzgar la actuación de un personaje que, incluso en tiempos de paz, asegura que “al tratarse de su existencia, sería capaz de hacer cosas muy gordas” cuando accede a colaborar en el bando de los malos; de la misma manera que tampoco es conveniente someter a la criba de la moralidad la actitud reticente de quien, sistemáticamente, pone en peligro su propia vida y la de sus compañeros de cautiverio. La película, en este sentido, ha de ser conservada y tratada como un mero documento histórico, de innegable valor, pero sin otras pretensiones.

La contribución austriaca, y es que el filme galardonado por Hollywood es una coproducción de ambas naciones, es la propia del cine que ha crecido a la sombra del alemán, y que sintetiza los posicionamientos de sus gobernantes en dos escenas prodigiosas. Recordemos que el pueblo austriaco acogió con júbilo la anexión con Hitler, de quien decía era alemán y Beethoven austriaco, cuando, en realidad, era al revés; para después renegar enérgicamente de esta cooperación. Trasladando este hecho a la propia película, el jefe de la cuadrilla de impresores no duda en alabar el talento del falsificador ante los oficiales de las S.S., para más tarde acentuar la heroicidad del saboteador ante los ojos de los libertadores.

En un balance final, teniendo en cuenta la correcta labor del conjunto de actores y la adecuada planificación de la banda sonora a ritmo de tango, destacamos el “savoir faire” del director de la exitosa saga de Anatomía, Stefan Ruzowitzky. Por lo tanto, nos quedamos con sus inequívocas muestras de maestría al construir un atractivo guión de sólida estructura narrativa en formato de intriga, con sus ágiles movimientos de cámara, con el acierto de saber huir de los sempiternos flashbacks para insertar el back-story de los personajes en amenos diálogos, y con la incorporación de dos genialidades que suponen los momentos cumbres de la historia. Nos referimos al escalofriante plano en el que es derribado el muro que separa los dos mundos de una misma y atroz realidad; y, sobre todo, al pasaje que sitúa la acción en una entidad bancaria de Suiza. Y es que, aunque parezca mentira, la vida continuaba fuera de allí...

Leer critica de Los falsificadores en Muchocine.net

GRANDES ESCRITORES QUE FUERON CRÍTICOS DE CINE

2008-03-24T05:32:00.000-07:00

Solía decir un entrañable sacerdote que me dio clase en el instituto, que una alegría compartida es una alegría doble. Es curioso comprobar cómo hay frases que nos acompañan a lo largo de toda la vida, dando fe de la huella que algunos profesores, incluso los de las asignaturas menores, dejan en nosotros.

Por ese motivo, porque “una alegría compartida es una doble alegría ”, el día que descubrí que mi escritor favorito, Don Gabriel García Márquez, había sido crítico de cine de un periódico colombiano, no dudé en ponerme en contacto con un amigo cinéfilo para hacerle partícipe de esta impagable noticia. El buen hombre, con esa paciencia infinita que siempre muestra ante mi vehemencia infantil, me respondió con un “Ah, pero, ¿no lo sabías?”, y añadió:

“Entre los distintos escritores que se han dedicado a la crítica de cine, tenemos a Jorge Luis Borges, crítico de la revista “Sur” de 1931 a 1944, donde expresa su admiración por “Ciudadano Kane”, de la que escribió: “El abrumador filme de Welles es, a la vez, metafísico y policial, psicológico y alegórico, la investigación del alma secreta de un hombre a través de las obras que ha construido, de las palabras que ha pronunciado, de los muchos destinos que ha roto...”

También está Guillermo Cabrera Infante, crítico de cine en Cuba durante más de diez años, y autor de tres libros sobre cine: “Un oficio del siglo XX”, “Cine o Sardina” y “Arcadia todas las noches”. Confiesa su admiración por Howard Hawks, Truffaut y por “El Mundo en sus Manos”.

Azorín escribió dos libros sobre cine, titulados “El Cine y el momento” y “El efímero Cine”, confesando su admiración por Chaplin y por la película “Solo ante el peligro”.

También Alejo Carpentier ejerció de crítico en el diario “El Nacional”, desde 1950 hasta 1959, y tuvo especial predilección por Chaplin, Buñuel, Murnau, Fellini, Welles, Minnelli, y por “El Tercer Hombre”.

Vicente Molina Foix aún escribe para la revista “Fotogramas”, y también fueron críticos Vicente Blasco Ibáñez, Serafín y Joaquín Álvarez Quintero, Francisco Ayala y Carmen Martín Gaite.

Y Graham Greene, quien, durante más de quince años, también se dedicó profesionalmente a la crítica”.

Ni que decir tiene que, con esta información, la alegría doble se convertía en la alegría inmensa que cumplía con tres objetivos importantes:

1.- Abrir una puerta de investigación que no se cerrará hasta que encuentre la última revista, la última crítica, el último libro que publicaron todos y cada uno de ellos. Una labor que, debido a mi vagancia confesa, nunca se traducirá en un libro de divulgación, ni en un manual, me temo que ni tan siquiera en un especial; pero sí que contribuirá a mi cultivo personal, y me aportará nuevas armas que, alguna vez, podré utilizar en alguna de mis críticas. Sobre todo, me dará la satisfacción de aprender y de disfrutar con ello.

2.- La posibilidad de poder dibujar una sonrisa la próxima vez que alguien me diga eso de que “no se suele fiar de los críticos que publican en un diario”. Por cierto, que no sé yo si se fijan, cuando me lo dicen, en que yo escribo críticas de cine en un diario... o si me lo dicen aposta, jajajaja.

3.- La alegría de compartir esta información con todos los lectores y amigos de este blog que, además de ser excelentes críticos, tienen alma de escritor y sueñan con la publicación de su primera novela –o de la siguiente-, y con que yo asista a esa presentación. Allí estaré.

Para los curiosos, y para alimentar esa obsesión que sigo teniendo por los guiones bien atados, diré que el cura me daba clase de religión, pero que pronto supe darle “nuevas utilidades”, como coserle a preguntas hasta que las traducciones de latín se convirtieron en un pasatiempo. De alguna manera, también alentó mi afición por la lectura –creo que me sé la vida de todos los santos- y mi intermitente pasión por escribir. Volví a coincidir con él, en una boda que él ofició, muchos, muchos años después... y ya no me recordaba. Claro que, para entonces, yo ya había hecho una adaptación libre de aquellos versos de “Esplendor en la Hierba”, los que dicen que, por mucho que cambie la vida, los recuerdos siempre permanecerán intactos en nuestra memoria.

EN EL PUNTO DE MIRA

2008-03-19T06:20:00.000-07:00

Insultante cúmulo de desatinos y desvaríos en un particular día de la marmota en el que, hasta en seis ocasiones, se rebobina la acción para ofrecer el mismo metraje. Una película que no funciona ni como mero artículo de entretenimiento.

FICHA DE LA PELÍCULA
TITULO ORIGINAL Vantage Point
AÑO 2008
DURACIÓN 90 min.
PAÍS USA
DIRECTOR Pete Travis
GUIÓN Barry Levy
MÚSICA Atli Örvarsson
FOTOGRAFÍA Amir M. Mokri
REPARTO Dennis Quaid, Matthew Fox, William Hurt, Forest Whitaker, Sigourney Weaver, Eduardo Noriega, Saïd Taghmaoui, Edgar Ramirez, Zoe Saldana, Richard T. Jones, Rocío Verdejo
PRODUCTORA Columbia Pictures
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Desde que Don Rodrígo Díaz Charlton Heston de Vivar, desoyendo el asesoramiento de Don Ramón Menéndez Pidal y bajo las órdenes de Anthony Mann, tomara la plaza de Valencia “para el rey de España”, miedo da cada vez que las pretensiones americanas, con esa perspectiva que les da la distancia, aterrorizan y aterrizan en territorio hispano. Más cercana en la memoria cinéfila se encuentra la segunda Misión Imposible de Ethan-Cruise que, haciendo coincidir las fallas en la Semana Santa de Sevilla, no dudó en prender fuego a los Pasos de la procesión bajo la atenta mirada de las falleras que, entusiasmadas, saludaban desde el balcón del consistorio. Creo que eso fue antes de que los guionistas plagiaran (escena de carrera de caballos incluida) el mítico argumento de Encadenados de Alfred Hitchcock.

En esta ocasión, los resultados no tenían por qué ser diferentes, pero tampoco tan indignantes, y es que los responsables de esta cinta parecen desconocer un par de aspectos fundamentales que a los demás nos resultan demasiado evidentes.
En primer lugar, todavía está presente en el ánimo de los españoles el momento amargo en el que Madrid se queda sin Olimpiadas, según las malas lenguas, por culpa de cierto honorable miembro del jurado que considera éste un país potencialmente peligroso por la amenaza terrorista, aunque adecuado para que sus sobrinos se pavoneen con la novia de turno en los veranos de Mallorca. Habría que preguntarse cuál es el lugar absolutamente seguro en la actualidad, recordar los Juegos del 72, y llegar a la conclusión de que si hay algo que España no necesita a nivel internacional es este tipo de publicidad sobre atentados que le brinda el cine americano.
Por otra parte, los cinéfilos recordamos el revuelo que se armó en la salas neoyorquinas cuando, sin previo aviso, se insertó un tráiler del United 93 de Paul Greengrass, dado que los ciudadanos “no estaban preparados para aquello”. Entendimos sus motivos, y pedimos el mismo respeto. La película que hoy comentamos se nos ha vendido con el aliciente de contener una reproducción exacta de la emblemática Plaza de Salamanca, pero nadie nos advirtió de que, a lo largo de tres escenas interminables, el sonido de las sirenas de ambulancias españolas sería ensordecedor, el paisaje tras la segunda detonación, desolador, y la policía española tendría que desplegar todos sus efectivos ante una situación de emergencia, mientras la población española yace en el suelo muerta o malherida. Unas secuencias de muy mal gusto, si tenemos en cuenta que llegarán a un país en el que, lamentablemente, no hay que recurrir al cine para ver las consecuencias del terrorismo en sus calles.

Afortunadamente, fácil es pasar de la ofensa a la risa, con un alcalde salmantino que parece haber desertado del ejército de Pancho Villa; con un “sospechoso que se dirige hacia el oeste por las calles interiores” y lo que les tuvo que fastidiar no poder decir eso de “va por la 34 esquina con la 52”; con unas “calles interiores”de cinco carriles que ya las quisiera Barcelona; con un barrio árabe que no se encuentra ni en Córdoba; con las notas de una banda sonora que sitúan la acción en algún lugar de África, y seguimos estando en Salamanca; con esa niña, esa niña....que no se llama Victoria, sino Ana.

Si intentamos –y no es difícil- olvidar que los hechos transcurren en suelo español para realizar un análisis objetivo del filme, nos encontramos con un argumento simplista que se podría haber desarrollado en no más de veintitrés minutos.
La idea de mostrar un mismo suceso desde diferentes puntos de vista, aunque no es original, sí que es sumamente interesante si en su ejecución se observa la incorporación de alguna genialidad en el montaje, de escenas que se superponen, puntos de mira que se complementan, diálogos que se entrelazan y permiten que el espectador, por sí mismo, pueda recomponer las piezas de un supuesto puzzle que no es tal.
Pero nada de todo está presente en la película, reduciéndose el misterio a un insistente rebobinar de la acción para ofrecer el mismo metraje. La exposición es mareante; las conversaciones que proceden de informadores, controladores, teléfonos y transeúntes se atropellan entre sí: los retimes (cámara lenta) que recogen el encuentro entre los distintos personajes son irrisorios; el momento “Sangre y Arena” en el que un policía-torero entra en la plaza, con la cabeza en otro lugar por culpa de una mala mujer, esperpéntico. No avanza la acción, y cuando se decide contar la historia, el espectador está tan hastiado que, curiosamente, lo único que espera es un próximo rebobinado vertiginoso que le devuelva a las doce del mediodía.

Por lo demás, Pete Travis, saciada su obsesión con los atentados, se limita a introducir todos los tópicos de los telefilmes que dirige: el trauma sufrido por un guardaespaldas con un impagable ángel de la guarda, el coche azul que de qué estará hecho para no sufrir ni una abolladura, “El Turista Accidental” que protagoniza una de esas acciones individuales que tanto les gustan, el pte que es mucho pte y no necesita salvadores, el águila en marcha.....

Como dirían en mi Tierra, ¡lástima de cuartos!, y lástima de que actores como William Hurt o Sigourney Weaver se vean involucrados en este tipo de proyectos, que se antojan más de la talla de un Eduardo Noriega que sólo convence cuando se desnuda frente a alguna bebida refrescante de extractos.

Leer critica de En el punto de mira en Muchocine.net

COMETAS EN EL CIELO

2008-03-12T09:31:00.000-07:00

La banda sonora del español Alberto Iglesias revitaliza los tiempos de silencio que consolidan la amistad para dar la bienvenida a un relato que antepone el Humanismo a la manipulación ideológica, permitiendo rescatar los pequeños momentos de felicidad que terminan componiendo la vida.

FICHA TÉCNICA:
TITULO ORIGINAL The Kite Runner
AÑO 2007
DURACIÓN 122 min.
PAÍS USA
DIRECTOR Marc Forster
GUIÓN David Benioff (Novela: Khaled Hosseini)
MÚSICA Alberto Iglesias
FOTOGRAFÍA Roberto Schaefer
REPARTO Khalid Abdalla, Ahmad Khan Mahmidzada, Zekeria Ebrahimi, Saïd Taghmaoui, Atossa Leoni, Homayon Ershadi
PRODUCTORA DreamWorks Pictures / Sidney Kimmel Entertainment / Participant Productions

“¿Quiénes somos nosotros en este complicado mundo?”. El mundo que permite que unas gotas de sangre sobre la nieve acompañen el disimulo de dos jóvenes amigos que empiezan a vivir. El verbo disimular no debería conjugarse en la niñez. El mundo en el que los aliados aprovechan la coyuntura de las desavenencias para invadir la intimidad, no con amenazas inútiles, sino con tanques. El mundo que obliga a abandonar todo cuanto se conoció y amó para emprender otra aventura, rota quizás, en un espacio geográfico y cultural diferente. “Un niño que no sabe defenderse, acaba siendo un hombre que no defiende nada”, hasta que encuentra una causa justa que le hace descender a los abismos para intentar sobrevivir. Hasta entonces, “los niños no son cuadernos para colorear con tu color favorito”, sólo cuando haya “Mucha leña para tan pocos leñadores”, la fuerza interior verá multiplicada su eficacia por siete, -la de los “Magníficos”-, y la proeza de cruzar el infierno de la sinrazón radical sería repetida “mil veces por ti”.

Es ésta una historia “salida de ninguna parte” que, en palabras de la escritora Isabel Allende, resulta “tan fuerte que, durante mucho tiempo, todo lo que leí después me pareció insípido”. Es la historia creada por Khaled Hosseini, médico estadounidense de origen afgano que, en las manos del director Marc Forster, surca los cielos de planos desenfocados en vistas panorámicas, para llegar directa al corazón. Qué difícil es mantener el sentido crítico cuando se impone el sano hábito de llorar frente a la gran pantalla. Se necesitaba, según los productores, la emotividad que el cineasta demostró en Monster’s Ball, la ambientación onírica inherente al evocador Oriente de tiempos mejores que simulara un cuento como el que nos era mostrado en Descubriendo Nunca Jamás, y la sensación atemporal que, junto al guionista David Benioff, consiguió en Tránsito. En mi modesta opinión, tan sólo era necesario dejar que “la historia pasara a través de todos ellos”, para dar cumplimiento a la vida secreta de las palabras que otra Isabel, también contadora de historias y de apellido Coixet, nos hizo entender a los cinéfilos.

Y la historia pasó a través de ellos sin alardes técnicos, con actores desconocidos, con uno de esos guiones sólidos que tanto escasean en el cine contemporáneo y con la incorporación de un nuevo personaje que, sin rostro, supo romper las fronteras del espacio y del tiempo para captar la esencia de la universalidad. Ésa es la habilidad y la gran facultad de la buena música. La de Alberto Iglesias forma parte del paisaje desolado de treinta años de guerra y de pobreza, permanece en los tiempos de silencio que ayudan a consolidar la amistad y emerge de la distancia, a veces imperceptible, que separa al hombre valiente del cobarde. Por esta temática, por la posibilidad que, en ocasiones, ofrece el destino de poder reparar los errores del pasado, éste es un relato que nos traerá a la memoria cinéfila las míticas Cuatro Plumas de Zoltan Korda de 1939. Por contener una parábola de la pérdida de inocencia frente a la maldad más absoluta, la película que hoy comentamos logrará arañar el alma con la misma fiereza con que lo hiciera aquel Manantial de la Doncella de Bergman.

Es curioso que al intentar analizar Cometas en el Cielo no pueda dejar de pensar en aquella conversación lejana que se producía entre un crítico estadounidense y otro de Cahiers du Cinéma sobre una película de Alfred Hitchcock. A grandes rasgos, el primero esgrimía que La Ventana Indiscreta carecía de credibilidad porque su director desconocía el barrio en el que estaba rodada, mientras que Truffaut le hacía ver que La Ventana Indiscreta era cine, y que él sabía lo que es el cine. Es éste un detalle importante que no olvido cuando quiero evitar que “el árbol me oculte el bosque”, tal y como advertía la sabia frase extraída de un personaje secundario de Mogambo (John Ford, 1953). Cierto es que los arbustos siguen estando ahí. Los flashbacks no son originales; las elipsis resultan vertiginosas; los diálogos son impropios de unos niños que tienen “paga semanal” en el Kabul de 1978; la aventura americana se antoja afgana y la afgana está totalmente americanizada; el episodio del disfraz de la falsa barba es, en el mejor de los casos, inverosímil; y la rocambolesca huída hacia Pakistán, imposible. Pero sería una injusticia permitir que la maleza consiga ocultar la profundidad de un documento humano que, como pocos, todavía conserva la grandeza de saber conmover al espectador.
¿Quién dice que eso no es el cine?.

Para Milo. Porque presiento que éste es el inicio de una gran amistad, en la que nunca olvidaré que fui obligada a meter con calzador Las 4 Plumas.

LAS HERMANAS BOLENA

2008-03-04T05:56:00.000-08:00

Historia de grandes interpretaciones femeninas y magnífico guión, en la que el azul turquesa y el verde profundo de los retratos de Hans Holbein no consiguen paliar las deficiencias en la dirección de un debutante que no cuenta con la pericia suficiente para orquestar el conjunto.

FICHA DE LA PELÍCULA:

TITULO ORIGINAL The Other Boleyn Girl
AÑO 2008
DURACIÓN 115 min.
PAÍS Gran Bretaña
DIRECTOR Justin Chadwick
GUIÓN Peter Morgan (Novela: Philippa Gregory)
MÚSICA Ed Shearmur (AKA Edward Shearmur)
FOTOGRAFÍA Kieran McGuigan
REPARTO Natalie Portman, Scarlett Johansson, Eric Bana, Kristin Scott Thomas, Jim Sturgess, Mark Rylance, David Morrissey, Benedict Cumberbatch, Oliver Coleman, Ana Torrent, Eddie Redmayne, Tom Cox, Michael Smiley, Montserrat Roig de Puig, Juno Temple
PRODUCTORA Coproducción GB-USA; BBC Films / Ruby Films / Scott Rudin Productions.

Pocos personajes históricos han logrado despertar la atención de los productores cinematográficos con tanta intensidad como el de Ana Bolena. La cortesana irrelevante, tremendamente atractiva y sensual, altiva, esbelta y ambiciosa que, de manera indirecta, cambiaría el rumbo de un país. Sin embargo, poco o nada se sabía de su hermana, la otra Bolena, hasta la publicación de la novela de Philippa Gregory, que se convirtió en una serie de la televisión británica en el año 2003, y que acaba llegando a la gran pantalla.

Para la creación de este nuevo personaje, desconocido para el cine y para la Historia, del que circulan varias versiones sobre su relación con el monarca, pero ninguna de su personalidad; se apuesta por un perfil psicológico opuesto al de Lady Ana, tendente a esa definición de “rosa sin espinas”, que caracterizara a Juana Seymour, sustituta de la segunda reina y madre del único heredero varón.

Como era de prever, su inclusión hace que la película que hoy comentamos sea notablemente diferente a las producciones que recordamos de idéntica temática histórica. Por cuestiones obvias, se aleja de los asuntos políticos que enmarcaron ese período del siglo XVI y que tan bien retrató Fred Zinnemann en Un Hombre para la Eternidad, en 1966. Por su enfoque, tomando como eje central de la trama a la familia Bolena y permitiendo descubrir la figura del soberano sólo a través de los ojos de ésta, tampoco se asemeja a otros relatos que ampliaron la visión sobre las azarosas intrigas palaciegas que ayudaron a establecer las bases de una nueva nación, como La Vida Privada de Enrique VIII (Alexander Korda, 1933), La Rosa de los Tudor (Robert Stevenson, 1936) o Enrique VIII y sus Seis Esposas (Waris Hussein, 1972). Acotando el terreno, también resulta distinta a sus referentes más inmediatos, dando una nueva perspectiva a títulos como Ana Bolena (Ernst Lubitsch, 1920) o a Ana de los Mil Días (Charles Jarrott, 1969).

Y es que, básicamente, la historia de Justin Chadwick es una reflexión que hace observar la facilidad con la que una vida puede influir sobre otras vidas, de cómo una decisión logra afectar el devenir de los acontecimientos, o en cuántas ocasiones es el propio carácter –ése que se presume personal e intransferible- el que sabe conducir a la salvación o a la destrucción más inevitable.
Con miras históricas, ¿habría sido diferente la vida de Ana Bolena sin la intervención de su hermana?. Su existencia y esa casi promesa final, ¿ayudan a explicar las misteriosas palabras que la joven reina pronunció el 19 de mayo de 1536 frente al cadalso?. Al aceptar su destino, justificar el veredicto del tribunal que la condenaba y alabar la figura de su esposo, además de intentar preservar los intereses dinásticos de su hija Isabel, ¿albergó esperanzas sobre su propia vida?.

Las Hermanas Bolena cuenta con muchas y poderosas razones para convencer. Rodada en alta definición, con un diseño de producción que recrea fielmente las localizaciones, estancias y mobiliario de la época; con el desarrollo de muchos de sus pasajes en escenarios naturales; con un vestuario que corre a cargo de la doblemente oscarizada Sandy Powell; con la impagable presencia de las mejores actrices del momento; con un guionista excelente, Peter Morgan (The Queen, Stephen Frears, 2006); con un actor, príncipe de Troya, que suele ser una apuesta segura; con un inmejorable reparto de notables secundarios..... tan sólo hacía falta un buen director que fuera capaz de orquestar el conjunto. En su defecto, se escoge a un debutante que se limita a transcribir el guión mientras marea con los travellings laterales, permite que los extras se crucen entre los protagonistas y la cámara en medio de conversaciones cruciales, revolotea con planos cenitales, y explota sus dos únicas genialidades hasta la saciedad. Éstas no son otras que la persecución de Eric Bana por los pasillos de palacio, y las imágenes distorsionadas que se captan a través de numerosos ventanales. Tampoco acompaña una fotografía tenebrosa y hostil, empeñada en diferenciar a los personajes del decorado, que , logrando su propósito, termina por romper con la homogeneidad del retablo.

Con un planteamiento tan correcto como exento de fuerza narrativa, se puede decir que la historia, realmente, no arranca hasta el regreso de Ana de la corte francesa, en la que presta sus servicios para una reina (por las fechas, suponemos que se trata de Leonor, infanta de España), para ridiculizar a su rey (que sería Francisco I, eterno rival del emperador Carlos I). Es en ese momento cuando emergen las grandes interpretaciones femeninas –hasta entonces, aletargada por una pésima dirección de actores-, cuando se produce la transformación del personaje principal y los múltiples registros que de éste se desprenden, serán un reto superado con nota por Natalie Portman. Antes que ella, grandes actrices como Merle Oberon, Henny Porten, Charlotte Rampling o Geneviève Bujold habían encarnado a la madre de Isabel I, mas ninguna de ellas supo hablar con la mirada.

En un balance final, admitiendo que “El arte de ser mujer consiste en hacer pensar a los hombres que son ellos quienes mandan” (qué poco ha cambiado el mundo en cinco siglos), e indicando que ésta es la historia de un excelente guión mal dirigido (recuérdese Desirée de Henry Koster en 1954), nos quedamos con la impresionante actuación de Ana Torrent y el agradecimiento a la directora de casting por no saber que Catalina de Aragón era rubia. Escalofríos dan al imaginar que se pudo buscar a Elsa Pataky.

MICHAEL CLAYTON

2008-02-27T04:41:00.000-08:00

Con siete nominaciones al Oscar (incluidos los de mejor director, guión original y película) y ganadora de uno por la mejor actriz de reparto, Michael Clayton es un thriller con tanta clase como su protagonista.

FICHA DE LA PELÍCULA:
TITULO ORIGINAL Michael Clayton
AÑO 2007
DURACIÓN 119 min.
PAÍS USA
DIRECTOR Tony Gilroy
GUIÓN Tony Gilroy
MÚSICA James Newton Howard
FOTOGRAFÍA Robert Elswit
REPARTO George Clooney, Tom Wilkinson, Tilda Swinton, Sydney Pollack, Michael O'Keefe, Ken Howard, Denis O'Hare, Robert Prescott, Austin Williams, Sean Cullen, Merritt Wever, David Lansbury
PRODUCTORA Warner Bros. Pictures
7 nominaciones a los Oscar: Mejor película, director, guión original, actor principal (George Clooney), actor de reparto (Tom Wilkinson), actriz de reparto (Tilda Swinton), banda sonora.
Ganadora de 1 oscar a la mejor atriz de reparto.

Una llamada en medio de la noche. Un cliente con graves dificultades, y un despacho de abogados que cuenta con el tipo de profesional que requiere la ocasión. Por su elegancia y precisión, la seguridad que muestra en sí mismo, la rápida presentación en el lugar de los hechos, y por la propia definición de su cargo, la de “solucionador de problemas”; muchos recordarán a Harvey Keitel como Winston Wolf. Sin embargo, nada tiene esta cinta de Pulp Fiction Tarantiniano; moviéndose, más bien, por los derroteros que seguían productos como El Informe Pelícano (Alan J. Pakula, 1993) o Erin Brockovich; y es que, no en vano, Steven Soderbergh no está lejos del proyecto.

Su director, un Tony Gilroy desconocido en las tareas de realización hasta esta película, es el creador de la saga de Bourne; el espía que, gracias a los inteligentes movimientos de su guionista, ya se encuentra a la altura de otros grandes agentes especiales del cine, como el mismísimo Bond o Ethan Hunt de Misión Imposible. Y es que ésa es una de las habilidades del Gilroy escritor, la de saber adentrarse en temáticas manidas y estereotipadas para darles una nueva dimensión.

En esta ocasión, sigue manifestando su obsesión por el mundo profesional y cómo éste afecta y es afectado por las relaciones personales, la vida familiar y las condiciones, aptitudes y actitudes individuales, tal y como mostrara desde sus inicios con la presentación de una deliciosa y diferente comedia romántica, Pasión por el Triunfo, allá por 1992. Después, vendrían historias como Prueba de Vida, interpretada por Russell Crowe, Al Cruzar el Límite, o Pactar con el Diablo, en la que pudo conocer diversos casos del entramado legal neoyorquino que inspiraron la figura de Michael Clayton.

Básicamente, nos encontramos con un thriller que tiene tanta clase como su protagonista, George Clooney, Cary Grant del siglo XXI, y también nominado por este papel. Un análisis riguroso que huye de los artificios de los relatos de John Grisham, para difuminar la línea entre buenos y malos y mantenerla hasta el final de la narración; que, lamentablemente, no se atreve a romper con lo políticamente correcto, para decantarse por una resolución que nunca se dio en los hechos reales en los que se basa. El cine americano sigue apostando por los finales de triunfo moralista frente a la vorágine del mundo actual.

Por lo demás, Michael Clayton es una de esas elaboraciones bien paridas que tan poco juego dan a los críticos. Un trabajo perfeccionista del que pocos errores y muchas virtudes se pueden extraer. Sólo tenemos que recordar su magnífico arranque, en el que una estupenda voz en off acerca a una realidad con la que no estamos familiarizados, para adentrarnos en ella y no permitir que el espectador pagano pueda perderse. Una película que consigue enganchar, como pocas, desde el primer fotograma, que demuestra que los grandes planos no sólo salen de paisajes inspiradores, sino que éstos también se pueden lograr siguiendo con la cámara las ruedas de un carrito que reparte expedientes en unas oficinas, o con el agua de un grifo que intenta calmar la angustia de la protagonista.

Tras una concienzuda exposición, -que pone especial cuidado en el particular back-story de cada personaje y minimiza los efectos adversos de su denso argumento-, los brillantes diálogos y el caprichoso montaje que persigue a la actriz, desembocan en la planificación más excitante que ha dado el séptimo arte desde la versión inglesa de Sabotaje de Alfred Hitchcock. Se agradece su ágil ritmo, la genialidad de conocer el origen de la trama con un cinta de vídeo, de descubrir a Clayton a través de las notas de una secretaria, de aproximarse al memorándum 229 desde la visión de un hastiado perturbado. Se agradece, igualmente, la propuesta que arriesga con un guión parcialmente desestructurado, que permite volver a la inicial partida de pócker, que no será percibida con la misma mirada.

En el apartado que concierne al reparto, asistimos a verdaderos duelos interpretativos, los que se establecen entre todos los personajes y que ampliamente justifican todas sus nominaciones. La contención y el escrupuloso trato que se dedican a cada uno de ellos, son los responsables de la empatía que se establece entre el público y un Tom Wilkinson en estado de gracia (qué ganas tenía de poder escribir estas palabras en una crítica de cine), hasta con una Tilda Swinton que ratifica las conclusiones que, de esta historia, daba su creador: “Cuando estás perdido, ni todo el carisma del mundo te ayuda a encontrar el camino a casa”.

Tan perdida como lo estuvo esta cinéfila en la quiniela de la edición número 80 de los Oscar al marcar su apuesta de “mejor película”. Que nadie se lo crea, que, como diría el encantador Clooney-Clayton, “es broma”.... y la acción transcurre entre los títulos de crédito finales.... y las tribulaciones de un hombre atormentado pronto se solventan con una sonrisa.

Leer critica de Michael Clayton en Muchocine.net

LA CEREMONIA DE ENTREGA DE LOS OSCAR 2008, PASO A PASO

2008-02-25T01:58:00.000-08:00

Transcripción de las notas tomadas en tiempo real.
Comienza la gala a las 2:30 horas de la madrugada, hora española. Deben de ser las 8 y media de la tarde para Javier Bardem. Tras una serie de chistes insoportables, como siempre, por parte del conductor de los premios (este año menos ingeniosos por la huelga de guionistas), se entrega el primer galardón de la noche.

1.- MEJOR VESTUARIO
Hablando de éste, es significativo destacar que las españolas (Penélope, Pilar Bardem y la novia de Alberto Iglesias) vestían de negro; que Marion Cotillard (guapísima francesa que protagonizó la comedia Un Buen Año de Ridley Scott -uno de los grandes ausentes de la noche) iba recubierta de escamas de pez; que el atuendo de la novia de Danny Day-Lewis, espantaba; y que la Diablo, guapísima de cara, no podía ir más hortera.

Dicho lo cual, y como lo nuestro es el cine, indicar que el Oscar al Mejor Vestuario llegaba a las 2:42 de la madrugada, hora española, y que iba para.... Elizabeth, la Edad de Oro....
Un trabajo que, según la ganadora, está inspirado en la obra del diseñador español Balenciaga; y una Cate Blanchett, radiantemente embarazada, que aplaude entusiasmada. Es en este momento cuando tengo la curiosa impresión de haber asistido ya a esta Gala, en aquella ocasión en la que Sigourney Weber, doblemente nominada por Gorilas en la Niebla (actriz principal) y por Armas de Mujer (actriz secundaria), finalmente, se quedaba a la luna de Valencia...
Mi intuición sería confirmada.

Y, ojo, porque el mejor vestuario suele coincidir con la mejor dirección artística… no en esta ocasión. Esta película no figura entre las nominadas a la mejor dirección artística.

Competía con:
Across the Universe
Expiación
La Mome
Sweeney Todd

MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN

Las nominadas son: Ratatouille, de Brad Bird & Jan Pinkava,
Persépolis y Locos por el surf

Sólo hay 3 por el escaso número de películas de animación presentadas. Alvin y las Ardillas fue descalificada por no contener el número de minutos establecidos en escenas de animación.
Ganadora: Ratatouille
También nominada a mejor guión original. Importante mensaje en ese “Cualquiera puede cocinar”, para indicar que cualquiera no puede ser un artista, pero que un artista puede proceder de cualquier parte del mundo y estrato social. Impagable también la lección de Antón Ego para todos los críticos del mundo. Nada arriesgan los críticos cuando, posiblemente, están destrozando el trabajo de quienes sí se juegan su medio de vida.

Es entregado a las 2:54 de la madrugada.

2:57 horas. Llega el OSCAR AL MEJOR MAQUILLAJE
Lo entrega la prota de 27 vestidos, y es para... La vie en rose. Un trabajo impresionante y una lástima que no figure el maquillaje en las quinielas, porque ésta sí que la habría acertado, jajajja.. Un trabajo, como digo, impresionante, para caracterizar a la guapísima Marion Cotillard en la figura de la mítica cantante francesa de La Vie en Rose.

Competía con:
Norbit
Piratas del Caribe: en el fin del mundo

3:06 horas.- MEJORES EFECTOS ESPECIALES
La Brújula Dorada.
Competía con:
Piratas del Caribe: en el fin del mundo
Transformers

Cate Blanchett entrega la MEJOR DIRECCIÓN ARTÍSTICA a Sweeney Todd a las 3:10 horas.
Competía con:
Expiación
American Gangster
La brújula dorada
Pozos de Ambición

Mi apuesta fue para Expiación, por la complicación de retratar, con igual exactitud, la majestuosidad de una vivienda de la clase alta británica a principios del siglo XX, con la decadencia del Londres en la Primera Guerra Mundial.
En cualquier caso, la creación del Londres de Sweeny Todd es absolutamente magistral, y éste un oscar, sin duda alguna, muy merecido.

Y LLEGA EL GRAN MOMENTO....

ACTOR SECUNDARIO
Dedos cruzados…….
Los nominados:
Casey Affleck, por El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford
Javier Bardem por No es un país para viejos
Phillip Seymor Hoffman por La guerra de Charlie Wilson
Hal Holbrook por Hacia rutas salvajes
Tom Wilkinson por Michael Clayton

Gran ovación en la sala para el actor español…..
Nervios….
Recordemos un guiño que le hacía el presentador de la gala al principio de la ceremonia, hablando de su papel de asesino. Recordemos los numerosos comentarios sobre la peli de los Coen durante toda la noche… recordemos los numerosos premios cosechados, recordemos las predicciones, las innumerables quinielas que le dan por ganador; y que no siempre el gran favorito se ha llevado la estatuilla. ¿Habrá sorpresa?. Dedos súper cruzados....
Y…....... SÍIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIII
Son las 3:18 de la madrugada, hora española. Discurso mitad en inglés, mitad en español. Premio histórico, importante noticia para los cinéfilos españoles… estaba cantado. Dedicado a los Coen, dedicado también a los cómicos españoles y a su familia. Magnífico trabajo y justa y merecida recompensa.
Personalmente, entiendo que una persona normal pueda meterse en el papel de un asesino sin escrúpulos. Ésa es la magia del cine y el buen hacer de un gran actor. Entiendo que se le "odie" en Estados Unidos por su personaje, como le hemos "odiado" en España por todos aquellos papeles de conducta reprochable, que tan hondo nos han llegado. Pero nunca entenderé cómo es posible adoptar esa mirada.... la de la esquizofrenia. ¡Enhorabuena, Javier Bardem!

Hace tan sólo unas horas, intervine telefónicamente en un programa de radio local para dar mi quiniela. Se me advertía de que Javier Bardem había bajado enteros por unas declaraciones "inapropiadas". Al parecer, el actor español había dicho que se basó en George Bush para interpretar al asesino de No es País para Viejos... Este hecho disgustaba a los compañeros cinéfilos de esta emisora radiofónica. Yo tuve que contener la risa, haciéndoles ver que no es el primer actor que se posiciona contra la política Bush, que otros grandes actores oscarizados como Tim Robbins, Susan Sarandon o Jessica Lange también lo había hecho. En todos los casos, no se puede limitar la libertad de expresión en el país de las libertades... ¿no?.

Anda que... hacer esas declaraciones.... jajajaja, Grande, Javier Bardem.

Mi corazonada es cada vez más fuerte. Ésta es la noche de los Coen. La película perfecta, el equilibrio entre técnica y ejecución del guión. El metraje que contiene una de las elipsis más inteligentes de la historia del cine, desde que Stanley Kubrick rodara 2001: Una Odisea en el espacio.

La Gala continúa con las canciones de “Encantada”. Son tres.

MEJOR CORTO….
Me he perdido por ir a tomar un vaso de leche a la cocina… Mañana me lo dirá Plissken en el foro de Muchocine.net. Ventajas de tener amigos que son directores de cortometrajes... y de los buenos.
Mira que si un año tú estás ahí...... sería capaz de bajar a los infiernos para obtener un pase de prensa.... y bien lo sabes, jajajaja.

MEJOR CORTO DE ANIMACION
Los nominados son:
Même les pigeons vont au paradis
I Met the Walrus
Madame Tutli-Putli
Moya lyubov
Peter & the Wolf

Ganadora: Pedro y el lobo.

Aprovecho el ratito de pausa que se hace en la gala para comentar la extraña experiencia que he tenido esta noche en el programa de radio. Extraña porque no me ha gustado el trato (no mucho) y he tenido la sensación de un constante “sabemos más que tú” hacia mi persona. Hablando del Oscar a la mejor película, y habiendo dicho yo que NO ES PAÍS PARA VIEJOS es mi clara favorita, me traen a colación Laura de Otto Preminger ¿? con respecto a los que es un actor principal y lo que es un actor secundario.
He mantendio mi teoría de que Bardem protagoniza una historia auxiliar y que, por lo tanto, es un clarísimo secundario. Por su parte, Lee Jones es el actor principal. En cualquier caso, un debate absurdo y estéril (que se prolonga durante 25 minutos), puesto que esta apreciación (la mía) es la misma que ha visto la Academia y la que claramente explica el "Cómo se hizo" de la película.

La publicidad española -he comentado- ha hecho girar la historia en torno a Javier Bardem (por algo es español), pero esta historia no está así enfocada en Estados Unidos.
En fin... no seré yo quien le discuta a nadie que es un gurú del cine. Mucho menos si se tienen sobre la mesa datos precisos, que yo no tenía en la cama.... desde la que hablaba.

Mucha noche por delante, y llega el momento de la

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO:
Las nominadas:
Saoirse Ronan por Expiación
Cate Blanchet por I´m not there
Ruby Dee por American Gangster
Amy Ryan por Adiós pequeña Adiós
Tilda Swinton por Michael Clayton

Mi favorita es Amy Ryan por Adiós, Pequeña, Adiós.

Es probable que Cate Blanchett se quede como Sigourney Weber..... La Ganadora: Tilda Swinton, británica, de 47 años. La chica mala de Michael Clayton. Una grandísima interpretación dentro de ese juego maravilloso del montaje que muestra una entrevista para un programa de televisión.

Las 3:45 de la madrugada… y yo que no me quedo con las ganas de saber en tiempo real la suerte de los Coen.

Vamos a ver el que podría ser el primer oscar para ellos en esta noche.

MEJOR GUIÓN ADAPTADO:
Los nominados son:
Christopher Hampton por Expiación
Sarah Polley por Lejos de ella
Roland Harwood por La escafandra y la mariposa
Joen Coen y Ethan Coen por No es país para viejos
Paul Thomas Anderson y Upton Sinclair por Pozos de Ambición

Y.... Síiiiiiiiiii. Se presiente la noche de los Coen. Una excelente composición del guión, llevada al terreno más personal de los Coen, ése que nos encandiló en historias como Fargo. Ese Western con tintes de cine negro que han hecho suyo. Un muy merecido premio, Sí señor.

Nos vamos con LOS SONIDOS
Ambos para El ultimátum de Bourne. El guionista de esta saga, guionista también de una comedia romántica, Pasión por el Triunfo, que me enamoró allá por el año 93; se luce con el de Michael Clayton, por el que esta noche está nominado. Interesantísimos diálogos y una inteligente manera de presentar la trama para el público pagano en cuestiones legales estadounidenses.

Otro momento importante, el de MEJOR ACTRIZ. Son las 4:10 de la madrugada.
Las nominadas:
Julie Christie, por Lejos de ella
Laura Linney por The Savages
Cate Blanchett por Elizabeth, la edad de Oro
Marion Cotillard por La vida en rosa
Ellen Page por Juno

Larga ovación para Ellen Page, lo mejor de una comedia que cubre la cuota de cine indie de este año, y que no debería figurar entre las mejores cinco películas de 2007.

Mi favorita es la Julie Christie, y el oscar es para...... ¡estaba cantado!.... Marion Cotillard. Éste se me escapó en mi quiniela..... jajajaja. Es normal. Hace mucho tiempo que vi La vie en Rose, y muy poco que he visto Lejos de Ella. (qué excusa tan mala, y mira que suelo tener yo buen ojo para las actrices....)

En cualquier caso, muy merecido premio para la guapa francesa, radiante con ese vestido blanco, cruzado por la espalda (qué poco me gusta comentar esto). Emocionadísima al recoger el premio.
La cosa, de momento, en cuestión actoral, va de español a francesa, pasando por británica. Si Day-Lewis gana el de Mejor Actor... los cuatro actores serán europeos.

Y Cate Blanchett que se queda sin ningún Oscar este año. Tiene uno por interpretar a Katherine Hepburn en El Aviador de Martin Scorsese. Todas mis intuiciones cumplidas, y sólo falta que los Coen suban, por lo menos, dos veces más al escenario. Podrían subir también como mejores montadores, trabajo que han firmado con un pseudónimo.

Se escucha la cuarta canción, la favorita.... y Jack Nicholson que dice que "ama las películas".... "una película puede cambiar el mundo", que suele decir Coppola, y ese amor por las películas, esa convicción de que una película puede cambiar el mundo son los que me tiene a mí aquí, despierta a estas horas, sabiendo que tengo que entrar a trabajar a las 8:30 a.m.

Nicholson trae un resumen de los Oscars a las Mejores Películas de las 79 ediciones de estos premios. Van año por año... Ains, ese beso de Deborah Kerr, eterna Deborah. Un Americano en París, Rebeca, Lo que el Viento se llevó, La lista de Schindler.... y las que, para mí, no merecieron el Oscar: Paseando a Miss Dasy, el Paciente Inglés...

Hala, que toca el MEJOR MONTAJE
Renee Zellweger, la chica de mirada miope (como lo era la srta. Monroe) puede traer la noticia del segundo Oscar para los Coen. Y...... no.
Es para El Ultimátum de Bourne, que consigue su tercer Oscar.
Competía con:
La escafandra y la mariposa
Hacia rutas salvajes
No es país para viejos
Pozos de Ambición

Seguidamente, Nicole Kidman, también vestida de negro, y también embarazada, dará el oscar honorífico a Robert Boyle, diseñador de producción.
Con cuatro nominaciones, nunca obtuvo el Oscar. Entre ellas, estuvo la de "Con la muerte en los talones".

Tengo la suerte de conocer a uno de los mejores críticos de este país, que no es para viejos, (para mí, el mejor de todos los grandes críticos), quien me hacía una extraña observación: "¿No te parece una tontería citar a un tío, al que te quieres cargar, en un paraje desangelado para fumigarlo con una avioneta?. ¿Por qué no pegarle dos tiros?. Observación extraña, porque yo, "pijotera" que siempre se dedica a criticar hasta los detalles más insignificantes (recuérdese el protocolo antiterrorista de REC), nunca había reparado en ello.

Acostumbrada a sus maravillosas ironías, no dudé en contestarle que "no me parecía una tontería, porque yo también lo habría fumigado". Los dos nos reímos, y llegamos a la conclusión de que "pegarle dos tiros", nos habría privado de esa escena magistral... y del resto de la película.

Fue ésta una observación de mi amigo para que yo me diera cuenta de cuántas veces el árbol me impide ver el bosque. Ese árbol que tantas veces él intenta mostrarme.... el que veía la crítica americana para decir que Hitchcock (quien no tiene Oscar) no sabía nada del barrio en el que está rodado La Ventana Indiscreta, porque desde esa ventana, en ese lugar.....bla,bla,bla. ¡Paparruchas¡ -decía Truffautt: "Yo sé de cine, y La Ventana Indiscreta es cine". Cuántas veces ese árbol me ha impedido ver el bosque en el pasado (frase que empiezo a sospechar que mi amigo ha sacado de Mogambo); y es que he llegado a la conclusión de que lo importante no es no ver el árbol (y criticarlo), sino que lo importante es no dejar que "el árbol (frase de Ava Gardner) te dé en las narices".

Seguimos. Pe y Travolta presental el Oscar a la MEJOR PELÍCULA DE HABLA NO INGLESA
Contra todo pronóstico, gana la película austriaca, que narra otro episodio del holocausto nazi en "Los Falsificadores". ¡Qué pereza tener que comentar este argumento otra vez, si es que se proyecta en Albacete...! Este Oscar puede dar a la Academia española una idea de que no era tan descabellado haber enviado "Las 13 Rosas", la magnífica película que, por primera vez en el cine español, antepone el humanismo a la ideología, y que tan buen resultado podría haber dado.... Demasiado tarde para reflexiones de este tipo.

Por supuesto, no hay representación española (y yo que pensé que el guión de El Orfanato podría llegar a estar nominado...), y las otras afortunadas, contra las que competía la austriaca, fueron:
Beaufort, de Israel
Katyn, de Polonia
12, de Rusia
Mongol, de Kazasjtan

Se escucha otra canción en la gala.... Encantada, otra vez, cuando me entero de que la próxima peli de la Disney (lo dicen los maravillosos comentaristas de la SER) va a ser "La princesa y la rana" (¿O era el príncipe rana?). No recuerdo el título, pero sí que es uno de mis cuentos favoritos, y que será un placer esperar y criticar la nueva genialidad de la productora mágica por excelencia.

Travolta presenta el oscar a la MEJOR CANCIÓN
Otra que estaba "cantada". Gana la favorita, que es Once (“Falling Slowly” ). Competía contra:

August Rush ("Raise It Up")
Encantada ("Happy Working Song")
Encantada ("So Close")
Encantada ("That's How You Know")

Una categoría que, sinceramente, este año, igual me daba, que lo mismo tenía. Ninguna de las cinco me llama la atención. Las de Encantada son especialmente torturadoras, sobre todo al salir del cuento.

Hala, hala, OSCAR A LA MEJOR FOTOGRAFÍA

¿Será para No es País para Viejos?. Como dirían en mi Tierra, la película tiene una fotografía que parece de postales, jajaja. Souvenir del oeste americano. Curiosamente, rodada en los mismos escenarios naturales donde está Pozos de Ambición.

¿Será para Expiación?. Otra de mis súper favoritas. Ese jarrón que cae en el fondo de la fuente... esa imagen que tanto me recuerdan a aquélla de Dias del Cielo por la que ganaba un oscar Néstor Almendros.

¿Será para Pozos de Ambición?. Una excelente fotografía también, que corre a cargo de quien realizó la fotografía en blanco y negro de Buenas Noches y Buena Suerte.

.... O para alguna peli de las confieso no haber visto, ni la fotografía, ni nada...
Es para Pozos de Ambición, el segundo para la película. El director de fotografía lo es también de Michael Clayton.

Son las 5 de la mañana, Hilary Swann conduce el homenaje a los fallecidos en el año 2007. Entre ellos está el director Antonioni.
En este momento, los maravillosos críticos de la SER dicen que éste es el impás que aprovechan los invitados de la gala para ir al bar... jajajja. Desde luego, qué poca delicadeza.

Volvemos del bar, digo, del homenaje, y Amy Adams, deliciosa en su papel de princesa de cuento, entrega el Premio a la MEJOR BANDA SONORA
que va para Expiación (su primer Oscar). Bueno... no es la primera vez que el compositor de Expiación se mide con Alberto Iglesias. Ambos coincidieron en el año 2005. Alberto Iglesias, segunda nominación, premio que se le escapa, y que ya prepara la banda sonora de la próxima peli de Almódovar, junto con otros muchos trabajos en USA.

CORTOMETRAJE DOCUMENTAL
Para Freeheld. Momento con soldados estadounidenses que prestan sus servicios en Irak, y que me hacen recordar lo mal que enfoqué mi crítica de En el Valle de Elah... ese árbol que no me dejó ver la totalidad del bosque...
Como bien dicen los señores de la SER (los admiro), una película antiamericana en USA y muy americana en Europa.

DOCUMENTAL
Presentado por Tom Hanks es para Taxi al lado oscuro

.... Y qué poquito falta para los Grandes Premios...

"Esto es para España". Preciosas palabras de Javier Bardem..... y Diablo Cody que gana el oscar al MEJOR GUIÓN ORIGINALpor JUNO
Huy, huy.... una alegría inmensa para todas las mujeres que cuentan su vida en un blog...¿quién sabe si otro productor las descubrirá y las encumbrará al oscar? 29 años la guionista, y el primer oscar con el que no estoy de acuerdo. No le encuentro lógica a un guión disparatado que, lejos de ser una crítica de nada, no es más que un paradigma de lo absurdo. En fin.... otro que estaba cantado.
¡¡PELIGRO!!!, que a éstos (a los Académicos) se les va la olla como con CRASH, y le dan el oscar a la mejor película, y yo me pego cabezonazos contra la mesilla por quedarme en vela....pa ná.

En la Gala siguen rememorando los 79 OSCARS a la Mejor Película. Lo que me hace pensar que deberíamos abrir un especial en MUCHOCINE, llamado "Películas de Oscar". No es mala idea.

¿eing?, ¿cojones?, ¿ha dicho cojones?, jajajaja. Cojones son lo que no ha tenido Anderson (esto lo digo yo) para sujetar la actuación de Danny, la película es, en muchos momentos, más del actor que del director. Lo dije en mi crítica. Lo sigo pensando, dentro de diez años, está peli será recordada por al peli de.... Day Lewis.

MEJOR ACTOR
Muy bien, Daniel Day Lewis por Pozos de Ambición. Los otros nominados eran:

George Clooney, por Michael Clayton. Un gran papel. Perfectamente podría haber ganado esta noche.
Viggo Mortesen por Promesas de este. Ni me gusta el papel, ni el actor, ni el personaje...
Tommy Lee Jones por En el Valle de Elah. Tommy debería estar siempre nominado. Qué gran hombre.
Johnny Deep por Sweeney Todd. Hollywood ya le está debiendo un oscar a Deep....

Una durísima competencia y gana, a mi juicio, la mejor interpretación de todas. Sobreactuada, porque el papel así lo requería; y con esa genialidad de las grandes estrellas clásicas, que hacían suya una película.

MEJOR DIRECTOR
5:30 y Martin Scorsese anuncia que el oscar a los mejores directores es para los Coen.... mereció la pena estar la noche en vela.

No hay sorpresas, y también el OSCAR A LA MEJOR PELÍCULA es para ellos, por la producción de NO ES PAÍS PARA VIEJOS.

Me llama la atención que Joel dice que su cine no es diferente hoy al que hacían cuando tenían 15 años...
Quienes estamos acostumbrados a tragarnos todos los estrenos de cartelera, quienes, además, escribimos sobre ellos; no podemos quedar indiferentes ante esta película que nos descoloca, que se sale de lo "normal" de lo que se hace últimamente, de una obra maestra del cine contemporáneo.

Fin de mis notas. Hora de dormir.
Unas notas que habría perdido (soy un desastre), y que aquí estarán a salvo hasta la Ceremonia del año que viene.
Unas notas en las que quiero que figure una de las elipsis más inteligentes de la historia del cine:

La escena: Javier Bardem va a matar a la chica.
¿Por qué? Pues porque la tiene que matar
¿Es ella culpable de algo? No.
¿Tiene ella el dinero? No
Pero la tiene que matar porque su marido la pudo salvar y no quiso hacerlo. Incumplió la única opción que le daba el terminator de este western moderno de los Coen.

La escena se desarrolla, más o menos, de la siguente manera:
Bardem: Tengo que matarte
Ella: No tienes por qué hacerlo.
Bardem: Es curioso. Todos me dicen lo mismo: que no tengo por qué hacerlo.

Asistimos a otro matiz de historia de violencia gratuita, ésa que está explicando la historia principal: la de Tommy Lee Jones.

Bardem le da la única posibilidad de poder salvarse: la de la moneda de la suerte.

FIN DE LA ESCENA.

¿Qué ha pasado?, ¿la ha matado? ¿ha tenido suerte como el tipo de la gasolinera y ha encontrado su moneda de la suerte?.

Los Coen nos lo explican en la siguiente escena: Javier Bardem, ya en la calle, se mira las suelas de los zapatos.
¿Para qué? Para ver si se le han manchado de sangre.

Recordemos la escena en la que asesina a Woody Harrelson y un reguero de sangre corre por el suelo. Él pone los pies en la cama para no mancharse los zapatos. Escena clave para entender la elipsis que, escenas posteriores, nos iban a regalar.

La elipsis es un recurso cinematográfico que tiene por objeto empatizar con el espectador y comprobar su grado de sintonía en la historia que el director está narrando. Las que los Coen realizan para “No es País para Viejos” deberían ser estudiadas en las escuelas de cine.

Sin duda alguna, uno de los años en los que más contenta he quedado.

AND THE OSCAR GOES TO.....

2008-02-25T00:35:00.000-08:00

"Esto es para España"

"Esto es para los cómicos que han traído, como tú, la dignidad a nuestro oficio"

Los cinéfilos españoles siempre recordaremos la Edición número 80 de los Premios Oscar de Hollywood con estas palabras. Emocionadas y emocionantes que, desde Los Ángeles, inundaban nuestros oídos. Un triunfo histórico para el cine español en una noche en la que ha merecido la pena dormir tan sólo una hora y media.

La gran ganadora de la noche (de ahí lo del merecimiento de la pena) ha sido para NO ES PAÍS PARA VIEJOS, con cuatro de los Óscars Grandes: Mejor película, Directores, Guión adaptado y el de nuestro Javier.

"Una historia que habla, más que nada, del lugar en el que se desarrolla; por lo que es un western... con tintes de cine negro". Siempre parco en palabras (en sus dos primeros discursos de agradecimiento, se limitó a pronunciar "Muchas Gracias" y "Gracias"), Ethan Coen definía de esta manera su última película. Un dato que no es necesario buscar en "google", puesto que a los críticos (al menos a los de prensa escrita) nos llegan las Notas de Producción de todas las películas que se estrenan en España (Yo tuve éstas en Noviembre). Algunas de ellas son tan amplias y completas que, en no pocas ocasiones, se me ha ocurrido la maldad de escribir la crítica sin ver la película. Podría hacerse, pero nunca ha sido mi caso (Hasta la fecha presente, jajajaja).

De esta manera, quedaban desplazadas las otras favoritas: Pozos de Ambición y Expiación. La primera de ellas, POZOS DE AMBICIÓN, de Paul Thomas Anderson, quien cuenta con el beneplácito de -nada menos- que Coppola; quien, a su vez, contó con el de Stanley Kubrick; quien, a su vez, contaba con el de Orson Welles. A juicio de quien realiza estos atropellados comentarios (atropellados por el sueño), una obra de arte a nivel técnico, que no encuentra correspondencia en la narración, quizás por estar referida a un guión (también nominado) que apostó por una arriesgada mezcla. En cualquier caso, una historia salvada por la actuación de Day-Lewis, que se alzaba con la estatuilla al mejor actor.
EXPIACIÓN, por su parte, es otra obra prácticamente perfecta a nivel técnico (incomprensible la no nominación de su director), pero carente de alma. La supuesta historia de amor es incapaz de emocionar, ni siquiera a cierta heroína de papel de estraza que cuenta las películas como si fueran telenovelas.

De igual forma, NO ES PAÍS PARA VIEJOS, una obra maestra, se adelantaba a JUNO, con la que se cubría la cuota de cine indie del año, y a MICHAEL CLAYTON, una thriller de excelente guión, y con tanta clase como su protagonista, George Clooney, también nominado.

El resto de los premios, quedaban repartidos entre los principales títulos:

El Ultimátum de Bourne: 3. Los de sonido y mejor montaje.
La Vie en Rose: 2. Al mejor maquillaje y mejor actriz principal.
Expiación: 1 a la mejor banda sonora. Oscar que, una vez más, se le escapaba al español Alberto Iglesias. Hace dos años, ambos compositores compartieron nominaciones por El Jardinero Fiel y Orgullo y Prejuicio, respectivamente.
Pozos de Ambición: 2. A la mejor fotografía y el mejor actor principal. Merecidísimo el de una fotografía que bien podría formar parte de ese Museo del Petróleo en cuyas fotografías se inspiraron los diseñadores de producción de esta película para recrear la época de principios del siglo XX.
Ratatouille.- 1. A la mejor película de animación. Una historia cuyo guión orginal también estaba nominado.
Michael Clayton: 1, a la mejor actriz de reparto. Impresionante actuación en medio de un montaje caprichoso, que constituye otro de los atractivos de esta cinta.
Juno.- 1 para Diablo Cody, la chica blogger, la guionista revelación en Estados Unidos. Para mí, el único oscar cuestionable.

Con lo cual, llegamos a la conclusión de que los actores europeos han logrado conquistar el corazón del cine americano, y de que éste es el año de los Coen, a quienes ya les iba tocando. Y bien que me alegro.

LAS OPINIONES DE ORSON WELLES

2008-02-22T02:52:00.000-08:00

PARA RAMÓN.
Mi querido amigo, futuro periodista: espero que disfrutes con estos comentarios tanto como lo hice yo el día que los descubrí. Desde entonces, no puedo evitar estar trajando, ir caminando por las calles, estar parada en un semáforo mientras conduzco... y sonreír cada vez que los recuerdo.
Estas opiniones están extraídas de Kenneth Tynan, Playboy Interwiews: Orson Welles, 1967.

SOBRE LOS CINEASTAS FRANCESES DE LA NOUVELLE VAGUE
Preguntado que qué piensa de ellos, él contesta:
"¡Me gustaría mucho ver sus películas! No he ido a ver a la mayoría de ellos por miedo a que puedan inhibirme. Cuando filmo una película, no me gusta referirme a otras; me gusta pensar que estoy inventándolo todo por primera vez.

SOBRE ANTONIONI
Se le pregunta sobre la impresión que le producen las películas de este director. Él responde:
"Según los jóvenes críticos americanos, uno de los grandes descubrimientos de nuestra época es el valor del aburrimiento como tema artístico. Si esto es cierto, entonces Antonioni merece figurar entre los pioneros de esa tendencia, con el título de padre fundador. Sus películas son un telón de fondo perfecto para modelos de alta costura. Quizá no existen telones de fondo tan perfectos si siquiera en Vogue, pero deberían parecerse a esas películas. Deberían contratar a Antonioni para diseñarlos".

SOBRE FELLINI
"Tiene talento, como todos los que hoy en día hacen cine. Su límite- que también es la fuente de su encanto- procede del hecho de que es, fundamentalmente, muy provinciano. Sus filmes representan el sueño de la gran ciudad que alimenta un chico de provincias. Sus sofisticaciones funcionan porque las ha creado alguien que no es sofisticado. Sin embargo, a menudo se acerca peligrosamente al artista superlativo que tiene muy poco que decir".

SOBRE INGMAR BERGMAN
"No comparto ni sus intereses ni sus obsesiones. Me es más extraño que un japonés.

SOBRE LOS CINEASTAS AMERICANOS CONTEMPORÁNEOS Y SOBRE ALFRED HITCHCOCK (AÑO 1967)
"Stanley Kubrick y Richard Lester son los que más me atraen, dejando aparte a los viejos maestros. Con esto quiero decir John Ford, John Ford y John Ford. No considero a Alfred Hitchcock un cineasta americano aunque haya trabajdo en Hollywood todos estos años. Me parece terriblemente inglés, en la mejor tradición de Edgar Wallace, y poco más. Siempre hay algo anecdótico en su trabajo: sus artificios siguen siendo artificios, poco importa su maravillosa concepción y puesta en práctica. Honestamente, creo que Hitchcock es un cineasta cuyos filmes no suscitarán ningún interés dentro de un siglo. En el mejor Ford, el fim vive y respira un mundo verdadero, aunque hubiera podido escribirlo Mamma Machree. El mundo de Hitchcock es un mundo de espectros."

SOBRE CAHIERS DU CINÉMA Y EL CINE COMO UN ARTE
"Hablo con Cahiers du Cinéma de cine en general porque les estoy muy agradecido por haber valorado mis películas. Cuando quieren someterme a uno de sus grandes debates intelectuales, no soy capaz de negarme. Pero todo eso es una ficción. Soy un impostor: he llegado incluso a hablar del "arte del cine". Nunca hablaría de eso con mis amigos: preferiría que me sorprendieran sin calzoncillos en mitad de Time Square."

Quedáis todos invitados a comentar estas opiniones. Sin duda alguna, las de un GENIO.

POZOS DE AMBICIÓN

2008-02-20T06:15:00.001-08:00

Leer critica de Pozos de ambición en Muchocine.net

Considerada por un amplio sector de la crítica como la mejor película de 2007, “Pozos de Ambición” es, técnicamente, una obra de arte que se decanta por un arriesgado planteamiento narrativo. Un atrevimiento que, en cine clásico, solía funcionar.

FICHA DE LA PELÍCULA:
TITULO ORIGINAL There Will Be Blood
AÑO 2007
DURACIÓN 158 min.
PAÍS USA
DIRECTOR Paul Thomas Anderson
GUIÓN Paul Thomas Anderson (Novela: Upton Sinclair)
MÚSICA Jonny Greenwood
FOTOGRAFÍA Robert Elswit
REPARTO Daniel Day-Lewis, Paul Dano, Kevin J. O'Connor, Ciarán Hinds, Russell Harvard
PRODUCTORA Miramax Films / Paramount Pictures

8 nominaciones a los Oscar: Mejor película, director, guión adaptado, actor principal (Daniel Day-Lewis), fotografía, montaje, dirección artística, efectos sonoros. Asociación de críticos de Los Ángeles: Mejor película, mejor director, mejor actor (Daniel Day-Lewis). 2008: Festival de Berlín: Oso de Plata al mejor director

Pocas veces un argumento que se extiende a lo largo y ancho de ciento interminables cincuenta y ocho minutos, se pudo resumir en tan sólo cuatro palabras: “Retrato del envilecimiento humano”, dejando abonado el terreno a los críticos con vocación filosófica, que les obsequiarán con un tratado –inolvidable, por tedioso- sobre la codicia humana, las finalidades que no justifican los medios, los objetivos inalcanzables que se acaban materializando y no satisfacen, el importante papel de la Iglesia en la historia del fascinante oeste americano, o el inevitable enfrentamiento entre dioses religiosos y humanos que, amparados en la ignorancia y la buena voluntad de los que les creen, sólo buscan su triunfo personal. Quienes, por fortuna, no apuntamos todavía hacia esa virtud metafísica, intentaremos cumplir con la primera regla que descubrió la filmografía de otro dios (éste, del cine, Wilder de apellido), que no era otra que la de “no aburrir”. Valioso principio que, en el planteamiento número veintinueve, olvida la película que hoy comentamos.

Y es que Pozos de Ambición es el proyecto del planteamiento eterno, de la exposición continuada que, en sus cuatro tiempos narrativos, no halla desarrollo ni ofrece desenlace. En todos ellos, -a los que llamaremos los planteamientos de 1898, 1902, 1911 y 1927-, se observa un cuidadoso abordamiento, continuado por la persecución inútil que intenta inmortalizar el momento presente, en beneficio de un detallismo innecesario que imprime ese característico ritmo irregular de la acción, y culmina en el mencionado planteamiento infinito. En realidad, estamos hablando de la elección de un estilo narrativo inadecuado –por difícil y arriesgado-, que, a falta de grandes acontecimientos y de una evolución planificada, deja caer el peso de la trama sobre los hombros de los personajes, entrando en ese terreno pantanoso del que sólo los grandes dialoguistas clásicos supieron salir airosos. Se trata, en definitiva, de una narrativa peligrosa que, sin concesiones, suele desembocar en una obra maestra (y aquí podría citar a Huston) o en el tremendo aburrimiento con el que nos encontramos.

El error podría extraerse de la mezcolanza que se genera entre las crónicas de la época, los retazos de la biografía de un magnate petrolífero real, y la adaptación libre de las primeras ciento cincuenta páginas de una novela. El resultado, cuatro párrafos dispersos que justifican la nominación del montaje que intenta recomponerlos, y la añoranza de las cuatrocientas páginas restantes, en las que, seguramente, se desvela la historia que se decidió no contar. Por su enfoque, suponemos que cercana a la mítica Gigante de George Stevens (con la que comparte escenarios naturales), o a la olvidada Oklahoma año 10 de Stanley Kramer.

El desaguisado (no imagino un eufemismo mejor) se compensa con una dirección técnica perfeccionista, en la que un buen número de impresionantes planos memorables, de encuadres perfectos y dimensiones milimétricas, configuran verdaderas composiciones pictóricas. Una depurada estética, de precisiones desenfocadas y suaves retimes, que terminan mostrando la talentosa faceta del Anderson realizador, no alcanzada por el Anderson guionista.

Otros aspectos técnicos de especial relevancia proceden de la meticulosa fotografía de Robert Elswit, (responsable de Buenas Noches y Buena Suerte de George Clooney), digna de pertenecer a ese Museo del Petróleo en el que se inspiraron los diseñadores de producción, y de la encomiable dirección artística. La banda sonora, por su parte, tachada de insólita y experimental, partitura climática del guitarrista de Radiohead que se adelanta a los acontecimientos y realza la locura del oro negro, no cumple con su cometido de acompañar; erigiéndose en personaje central de la trama y llegando a torturar los sentidos en no pocos momentos del metraje.

Un nuevo desaguisado (y sigo sin encontrar un vocablo más acertado) que vuelve a ser solventado por la propuesta de casting. Frente a un correcto secundario interpretado por Paul Dano, -con el que tan mal se porta el proceso de caracterización que, quince años después, le hace aparecer con los mismos granos faciales propios de la adolescencia-, se encuentra el insuperable Daniel Day Lewis, el actor más representativo de su generación. Este papel, que podría valerle un nuevo Oscar, no permite ninguna duda sobre ese enorme potencial interpretativo que le otorga el calificativo de “estrella”. Mas toda estrella (recuérdese siempre a Marlon Brando) correo el riesgo de sobreactuar si no es estrechamente vigilada por una marcada personalidad en la dirección de actores. En caso contrario, la película deja de ser del cineasta que la firma, para ser poseída por el personaje que le da la vida; y, en este sentido, es posible que dentro de una década, Pozos de Ambición sólo sea recordada por él.

En un balance final, entendiendo el conjunto como una obra de arte técnica que no encuentra correspondencia en la narración, nos quedamos con la escena que representa la explosión de una de las torres de perforación; con la filmación Kubrickiana del silencio; y con la no inclusión del aclamado director de Magnolia dentro de mi santoral cinéfilo.

MI PRIMERA ENTREVISTA

2008-02-19T03:56:00.000-08:00

¡Qué ilusión!, ésta es la primera entrevista que concedo en mi vida a un medio de comunicación. Me la hizo el señor Pons en la kdd de críticos y es para un programa de radio. Una pena que ese programa no pueda contar con mi preciosa voz.... También se publica en www.terrorynadamas.com y en www.disemdi.com. Y qué rabia que no me preguntara Andrés por el cine de terror, que es uno de mis géneros favoritos...

Por cierto, este año no comentaré los Oscars por una radio local. La experiencia del año pasado fue inolvidable, por agotadora. Este año descansaré, y me comprometeré para el próximo, Dios mediante. Si tengo tiempo en esta semana (que no sé yo), prometo hacer una quiniela y realizar algunos comentarios sobre el evento más importante del cine. Ya veremos...

En fin, ahí va la entrevista.... (SCAR=yo)

AP ¿Cuánto tiempo lleva en el mundo de la crítica cinematográfica?

SCAR: Empecé a escribir en un diario de Albacete en junio de 2006. Hasta entonces, algo había hecho para algunos foros, pero nada tan en serio. Vamos, que llevo poco tiempo en esto, y que, continuamente, estoy aprendiendo.

AP: ¿Qué tal fueron los comienzos?

SCAR: A mí me daba miedo comprometerme con el periódico. Pensé que llegaría un momento en el que no tuviera nada que decir, y en el que mis comentarios empezaran a ser repetitivos, que fue la sensación que el Sr. Garci explicaba en “Latir de Cine”. Ese miedo no ha desaparecido, pero ya no veo las películas como una amenaza que me puede dejar bloqueada, sino como un mundo maravilloso por descubrir, y en el que, posiblemente, pueda aportar una visión nueva.

AP: ¿Sus clásicos favoritos?

SCAR: Esta pregunta es fácil. Me quedo con los directores que fueron grandes guionistas: Wilder, Mankiewicz; y con los genios que siempre se hicieron notar tras las cámaras: Kubrick, Welles.

AP: ¿Qué filmes le atraen de la actual cartelera? ¿Cuáles son sus favoritos para el oscar?

SCAR: No está mal la cartelera, de momento. Están llegando las películas nominadas, y la calidad es notablemente superior a lo que estamos acostumbrados a ver y a criticar. En líneas generales, pienso que el gran mal del cine contemporáneo son los guiones que llegan a la pantalla sin haber sido suficientemente elaborados y revisados. En este sentido, se añoran aquellas historias del cine clásico que rozaban la perfección. En cuanto a los Oscar.. con directores como Ridley Scott, Tim Burton o Joe Wright fuera, no dudo en apostar por los hermanos Coen. También en cuanto a mejor película se refiere.

AP: Háblennos de su blog

SCAR: Mi blog se abrió con una única finalidad: guardar mis trabajos para que no se perdieran. Nunca me ha preocupado tener los mejores enlaces (que no los tengo), ni la mayor información, ni el formato más innovador. No es ni más ni menos que una recopilación de críticas de cine –mis críticas- en las que, de vez en cuando, se añade algún comentario que no tendría cabida en las primeras.

AP: ¿Sus directores favoritos?

SCAR: Siempre he tenido debilidad por Oliver Stone. Le debo tantas emociones, tantos debates hasta el amanecer... Tampoco me han dejado indiferente los Coen, para bien o para mal, y creo que Joe Wright puede dar grandes momentos al cine del futuro. Otros directores que no suelen defraudarme son Steven Soderbergh y Fernando Meirelles; y, por supuesto, me sigo quedando con los Grandes, que para mí son Spielberg y Scorsese. Y con el más Grande, ese cineasta del que no puedo hacer ninguna crítica porque pierdo el sentido más mínimo de la objetividad: Don Pedro Almodóvar.

AP: Cuéntenos un poco las colaboraciones realizadas tanto a nivel virtual como medios escritos. ¿Cómo surgieron?

SCAR: Un periódico de Albacete buscaba un crítico de cine local, alguien de la ciudad, y tuve la suerte de ser la elegida. Aun así, me dio miedo (hablo en serio) y pospuse el proyecto durante todo el tiempo que pude. Al final, me lancé con El Códido Da Vinci. Realizo una crítica de una película de estreno a la semana, en una sección maravillosa (muy bien maquetada) en la que figura mi nombre. Ése es la mayor de las compensaciones. A nivel virtual, colaboro actualmente con Muchocine.net, una revista que tiene mucho que decir, y en la que estoy muy a gusto.

AP ¿Cuál es la esencia de una buena crítica?

SCAR: Supongo que la misma que Billy Wilder tenía del cine: no aburrir, huir de las historias conceptuales de Antonioni, jajajajaja. Creo que hay que saber llegar al lector cinéfilo de manera clara y directa, y siempre anteponiendo los criterios cinematográficos objetivos a los gustos personales. Un aspecto que no siempre es fácil, pero que merece la pena intentar.

AP: Eso es todo, le agradezco el tiempo prestado y espero que siga muchos años al pie del cañón.

SCAR: Muchas gracias. Un placer.

HISTORIA DE UN DETECTIVE. Edward Dmytryk, 1945.

2008-02-19T01:19:00.000-08:00

FICHA DE LA PELÍCULA:

TITULO ORIGINAL Murder, My Sweet
AÑO 1945
DURACIÓN 95 min.
PAÍS USA
DIRECTOR Edward Dmytryk
GUIÓN John Paxton (Novela: Raymond Chandler)
MÚSICA Roy Webb
FOTOGRAFÍA Harry Wild
REPARTO Dick Powell, Claire Trevor, Anne Shirley, Otto Kruger, Mike Mazurki, Miles Mander, Douglas Walton, Don Douglas
PRODUCTORA RKO

Es curioso cómo, para bien o para mal, un filme puede quedar sentenciado en los primeros minutos de proyección. Sentenciado por parte del espectador crítico y exigente, entre los que creo encontrarme. En este sentido, recuerdo haber tenido uno de mis mayores flechazos positivos con un plano inicial en el que, desde el cenit de la visión de la cámara, unas cuantas manos y unos sombreros de ala ancha discutían bajo la intensa luz del flexo solar. Desde ese momento, supe que no me encontraba ante una película cualquiera.

Harry Wild, una de las insignias de la fotografía del cine negro junto a otros nombres como Nicholas Musuraca y James Wong Howe y responsable de fotografías de clima y obsesión como Una aventura en Macao, de Josef Von Sternberg o La mujer en la playa, de Jean Renoir, se hace cargo de las luces y sombras de esta historia, dirigida por un hombre ducho en los terrenos del expresionismo urbano al que nos condenaron todos los relatos de crímenes extraídos de los salones de té por autores de la talla de Dashiell Hammett, Raymond Chandler o Ross McDonald.

Las mujeres, retratadas con la mayor luminosidad posible dentro de la oscuridad de la que emergen sus apariciones, son misterios envueltos en enigmas dentro de acertijos que sólo un tipo de honradez incorruptible es capaz de descifrar. En este género, difícil de delimitar entre las fronteras áridas y oblicuas de la maldad humana, se dan cita las féminas equívocas junto a un enredo permanente de nombres que, relegando al propio argumento y haciendo que, por momentos, deje de interesar, apuestan por el presente inmediato de la narrativa técnica. Los tintes claroscuros de la fotografía, la cuidada planificación con picados, contrapicados, grandes angulares y profundidades de campo, serán la impresión precisa que remarque las peculiaridades del mundo mostrado. La técnica al servicio de la narrativa. La narrativa que se ve realzada por la técnica. El origen de ese concepto que es la narrativa técnica, y el equilibrio perfecto que tantas veces he buscado, sin hallar, en tantos otros géneros.

Wild, bajo las órdenes de Dmytryk y de otros pocos afortunados, fue uno de los representantes más importantes de un cine que se encarga de retorcer sus guiones hasta exprimir el jugo de nuestras más inocentes preocupaciones. No hay cabida para la intuición, y todos los pronósticos suelen fallar, ¿quién se atreve a aventurar lo que puede pasar a continuación si no ha podido asimilar todavía lo que ha pasado un instante antes?. Los ojos de los héroes, escondidos en sombreros de ala ancha, no nos darán la solución. Sus cuerpos, cubiertos de gabardinas, uniformes distintivos de los que luchan contra la mezquindad, parapetados tras una trinchera, impermeable a la refinada perversión de la mente humana a la que se ven obligados a asistir como espectadores con el percutor siempre dispuesto a disparar.

Por estos componentes, “Murder, My Sweet”, nuevo misterio para Philip Marlowe y gran éxito para la RKO, fue considerada por la Nouvelle Vague como el prototipo de película de cine negro, en la que se dan cita todos los elementos arquetípicos del género.

Este proyecto le llegó a Edward Dmytryk en 1945; en esa época anterior a su acusación y posterior encarcelamiento por parte del Comité de Actividades Antiamericanas del Senador Joseph McCarthy, en la que pudo realizar grandes obras de carácter personal que, dentro de la misma disciplina de los estudios, le elevó a la categoría de autor en ciernes. Después de ese triste episodio y de dieciséis meses en la cárcel, Dmytryk decidió declarar ante el Comité, lo que supuso una liberación que le permitió seguir trabajando; y aunque aún tuvo títulos de relevante interés como la excepcional El motín del Caine, su carrera derivó por derroteros mucho más comerciales, eso sí, incluyendo en todas sus historias algún personaje que, sin venir al caso, tenía un brazo roto, o una pierna lesionada o le faltaba algún miembro, símbolo personal del director como metáfora de la mutilación moral que sufrió al dar el paso de la terrible delación.

En Historia de un detective, la maldad se presenta en todas sus facetas a través de un universo de oscuridad, de sombras sugeridas, de disparos que queman con su pólvora en el alma, del intento desesperado por preservar la dignidad de quien, sin más quimera que su honestidad, intenta desentrañar de la tierra las mismas raíces del mal.

No cabe duda de que no siempre los remakes de películas de altura son una buena idea, pero en este caso sí que cabe mencionar la excelente versión que en los años 70 realizó Dick Richards con “Adiós, muñeca” (Farewell my lovely, 1975), climática adaptación, llena de humo en los ojos y colores propios de las colinas de Los Ángeles, de una historia que no hace más que demostrar con cuánta facilidad podemos enamorarnos de la persona equivocada.

Diario de un crítico de cine

2008-02-15T04:09:00.000-08:00

No falla. Cuando la gente se entera de que escribo críticas de cine, siempre me “sorprende” con los mismos comentarios. O me pregunta por una película yugoslava de 1954, o pide mi opinión sobre la penúltima actuación de Jean Claude Van Damme. En ambos casos, con todos mis respetos y la mejor de mis sonrisas facilonas, les explico que nada sé de la primera ni he tenido el gusto de seguir la trayectoria profesional del segundo, lo cual provoca que el interlocutor se aleje de mi lado con la convicción absoluta de que “esta tía no tiene ni puta idea de cine” escrita en el rostro.

También me hacen mucha gracia los conocidos que se han erigido en críticos de mis críticas, y me llaman para decirme que cómo he podido escribir que Keira es una mala actriz o “Soy Leyenda” una buena película. Caigo entonces en la cuenta de que debo de escribir muy mal, porque no recuerdo haber hecho ninguna de esas afirmaciones. Keira es técnicamente perfecta, pero con una bajada alarmante de ClNa en sangre –es decir, sosa, para mi gusto-, aunque he reconocido que la mala fotocopia de Natalie Portman algo debe de tener, como el agua, cuando la bendicen, aparte de hidrógeno. Sabemos que el hidrógeno es la energía del futuro y que Keira es, por lo tanto, una de las mejores actrices de su generación. Los gustos personales son otra cosa, a mí no me gusta, pero ello no es óbice para reconocer sus cualidades interpretativas, que son muchas y muy variadas. ¡Qué manía con eso de quedarse siempre en el árbol que impide ver el bosque....!
Con respecto a “Soy Leyenda”..... bueno, hay un hecho irrefutable y es que es una de las mayores superproducciones de los últimos tiempos, que no ha escatimado ni profesionales ni medios... y eso se nota. Por lo demás, puede gustar más, menos o nada (a mí me encantó), pero era necesario recalcar esos puntos importantes, esa forma de entender el cine que tiene la industria norteamericana que tanto hemos mamado.

Luego están los que se sienten ofendidos por mis comentarios. ¿Los hay?. Los hay. Los señores que, en una cafetería, dan golpes al periódico mientras se lamentan de que “ese señor sea un indocumentado”. Que nunca he entendido yo lo que quieren decir con esa palabra, si se refiere a falta de documentación que me acredita como miembro de una comunidad determinada, o a falta de información que me hace escribir absolutas tonterías. Lo de “señor” sí que lo entiendo. Firmo mis artículos con mis iniciales, y eso suele confundir al lector. Lo que me extraña es que lo de señor no se convirtiera en “el mierda éste” que dice que hace poco, poco tiempo, en este país “la gente de bien” tenía potestad sobre la vida y la muerte de los seres humanos. ¿Qué mentira o tontería había dicho?. De lo que no me cabe ninguna duda –de lo anterior tampoco- es de que estos señores jamás volverían a leer al rojo insolente que se posicionó al lado de un terrorista llamado Salvador Puig Antich.

Una pequeña anécdota que me llegó por terceras personas y que es superada por la amable epístola que la Iglesia Evangélica me hizo llegar, en la que me invitaba a conocer la figura de Lutero. Tan sólo había escrito que Lutero, en efecto, no es el hereje que durante siglos nos hizo creer la Iglesia Católica, pero que tampoco pudo ser el ingenuo que mostraba una coproducción europea de 2005. Claro que, no sabía yo que los evangélicos habían adoptado ya la película como una segunda biblia.

Los más allegados, los que saben que soy una tía rara que siempre ha preferido quedarse en casa a ver una película antes que salir a tomar unas copas, no se extrañan de nada, pero sí me recriminan un estilo literario “complejo” y repleto de frases largas. Entre ellos se encuentra Ana, diciéndome que debería leer más a Miguel Delibes, y a ver cómo le explico yo que los estilos literarios son imposibles de copiar, por mucho que hayas leído a un autor. Al menos, a mí me lo parece, por eso me da tanta rabia leer palabras en otras críticas.... ¡¡que son mías!!. Un día de éstos empezaré a escribir en albaceteño puro, en ese dialecto que sólo Ernesto Sevilla y Joaquín Reyes entenderían. Me gustaría ver los resultados. Bueno, ya lo intenté en “Volver” de Pedro Almodóvar. Algún día rescataré ese artículo para insertarlo en este blog. Creo que no está.....

Y esta noche tenemos reunión de críticos de cine de internet, o lo que es lo mismo, kdd en Madrid de los críticos de muchocine.net. Madre mía.... y qué poquito me apetece recluirme en un tren durante dos horas y media para llegar con el tiempo justo a la capital de España........ uffff, yo que soy una persona con la que tan bien se explica el principio de la inercia. Ojalá los pudiera reunir a todos en el salón de mi casa para no tenerme que mover. Allí estarían Iván Villamel, con el que tan bien se discute, Iván Muñoz, con el que es imposible discutir, Plissken que es un encanto, Rafa que tan pronto pierde los nervios, y mi queridísimo Tito. Es curioso lo rápido que conecté con él.

Bueno, Dios mediante, allí nos veremos, sólo que Rafa no estará (y además me acusa de no poder asistir), los Ivanes están en Barcelona y en Sevilla, respectivamente..... y Tito y Plissken se irán pronto a casa. Ya veremos....

Por cierto, ¿?, ¿qué camiseta llevará Tito en esta ocasión?

Otro por cierto: este finde no podré ir al cine. Mala noticia para mi próxima crítica semanal..... o no.

NO ES PAÍS PARA VIEJOS

2008-02-11T01:33:00.000-08:00

FICHA DE LA PELÍCULA:
TITULO ORIGINAL No Country for Old Men
AÑO 2007
DURACIÓN 122 min.
PAÍS USA
DIRECTOR Joel Coen, Ethan Coen
GUIÓN Ethan Coen, Noel Coen (Novela: Cormac McCarthy)
MÚSICA Carter Burwell
FOTOGRAFÍA Roger Deakins
REPARTO Tommy Lee Jones, Javier Bardem, Woody Harrelson, Josh Brolin, Stephen Root, Kelly Macdonald, Garret Dillahunt
PRODUCTORA Miramax Films / Paramount Vantage / Scott Rudin Productions

NOMINACIONES Y PREMIOS:
2007: 8 nominaciones a los Oscar: Mejor película, director, guión adaptado, actor de reparto (Javier Bardem), fotografía, montaje, sonido, efectos sonoros. 2007: Globos de oro: Mejor guión, mejor actor secundario (Javier Bardem); Junta Nacional de críticos de EE.UU.: Mejor Película. 2007: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor película, mejor dirección, mejor guión, mejor actor secundario (Javier Bardem).

Leer critica de No es país para viejos en Muchocine.net

Un ejercicio cinematográfico de primera magnitud. Los Coen apuestan por un western moderno que sustituye los cuatreros de antaño por los narcotraficantes actuales, con un realismo brutal heredado de un director salvaje y con la creación de un personaje que ya forma parte del imaginario popular.

Una moneda acuñada en 1958 rueda durante veintidós años para ser testigo de la brutal sinrazón que azota una tierra que siempre fue hostil. La antigua generación, que añora los tiempos en que los sheriffs iban desarmados y el aire comprimido sólo se utilizaba para sacrificar ganado, se queda a oscuras ante unos hechos que no encajan en la cuadratura de la mente humana. Matar por matar permite al destino aplicar su peculiar ética, en un ambiente de violencia en el que la codicia es la excusa y no la justificación de un reguero de sangre. Cuando se adopta esta forma de vida, ningún país se antoja apto para viejos.

Personalmente, “ni entiendo los intereses ni comparto las obsesiones” de un argumento que “me es más extraño que un japonés”, aunque resulta curioso recordar la opinión con la que Orson Welles definía a otro cineasta, para describir una película de los Coen. Quizás se deba a una extraña asociación de ideas que reconoce la evolución de la genialidad: desde un director, Welles, al que le gustaba pensar que estaba inventado todo por primera vez y rechazaba referirse a otras películas, hasta llegar a quienes basan su filmografía en la incursión por diferentes universos cinematográficos, para regalar al espectador la ilusión de estar siempre asistiendo al nacimiento de un género nuevo.

Basada en una novela del escritor Cormac MacCarthy, que los Coen no tardan en llevar a su terreno, la historia se ubica en la evocadora frontera de Estados Unidos con México en la que tuvieron lugar las grandes gestas de los werterns clásicos, -Los Profesionales, Grupo Salvaje-, para acercarse a la línea temática desarrollada en Fargo y en Un Plan Sencillo de su amigo y colaborador Sam Raimi, que no es otra que la ambición de la naturaleza humana, sintetizada en una ranchera popular: “Quisiste volar sin alas, quisiste rozar el cielo” con la que los mariachis obsequian a uno de los protagonistas. Nos encontramos, sin duda alguna, con uno de los mejores guiones de los últimos años, que será ejecutado con la precisión y la perfección de un estilo propio que tantas veces ha demostrado no deber nada a nadie, pero que, en su planificación especialmente realista, recuerda la brutalidad de un director salvaje, Sam Peckinpah.

La cuidada fotografía, -con el sello inconfundible de la Casa Coen-, encargada de recrear las impresionantes vistas panorámicas destinadas a entrar en la colección de lujo de la Historia del Cine, da paso a una correctísima composición de escenarios que enmarca la presentación de los personajes. Destacando en el proceso la excelente medición de los tiempos y la adecuada utilización de las voces en off, que, por perfectas, resultan inusuales en el cine contemporáneo. Destacando también el detallista montaje que hace coincidir el conducto de ventilación de un motel con una carretera, y el ritmo inapreciable de la narración que, en un “impás” eterno, propicia la creación de un ambiente en el que el más insignificante de los planos es tratado con absoluta exquisitez. Entramos en ese mundo de símbolos que caracterizó a los cineastas clásicos, en el que cada escena era concebida para ser rodada como si fuera la más importante de la película. Recuérdese el encuadre en las punteras de unas botas que levantan el polvo al caminar, el plano subjetivo que recoge las manos ensangrentadas en un lavabo, la mirada perdida del psicópata que “no tiene por qué hacerlo” pero que ha de concluir su inacabada misión macabra, la silueta de una perturbadora figura que se refleja en la pantalla apagada de un televisor, la clásica sombra del sheriff que, emulando al John Wayne de la vieja escuela, se proyecta en la pared. Recuérdense y disfrútense todas estas imágenes, porque, lamentablemente, no son habituales ni esa peculiar manera de dirigir ni esa otra de entender el cine como un arte. El tanto monta, monta tanto por el que Ethan explicaba que “dirigimos los dos, pero es Joel el que da la cara para no confundir a los actores”.

Hablando de confusión, el lector cinéfilo deberá estar preparado para asistir al momento en el que, en ese juego interminable de perseguidores y perseguidos, la estructura narrativa parece fallar y, aun estando en la sala de proyección, siente la tentación de rebobinar la cinta para averiguar en qué momento exacto se ha perdido. Piense entonces que ésta es otra marca de la Casa Coen, que este moderno western es, en realidad, un thriller (Sangre Fácil), que traspasa las difusas líneas del género “noir” (Muerte entre las Flores), en el que ambos hermanos se sienten tan cómodos. O simplemente piense que, durante todo el metraje, ha estado siguiendo la trama equivocada que le marcaban los efectos de sonido, anteponiendo una historia más de la nueva ola de violencia que se manifiesta en el país a principios de los años ochenta, al eje central del argumento que da título a la película.

Hablando de actores, no dejen de visionar la Versión Original para poder apreciar cómo el acento dulzón de Javier Bardem (suponemos que tan intraducible como su propia dicción en castellano) confiere una nueva dimensión, todavía más escalofriante, al personaje con el que, muy merecidamente, ganará el Oscar.... porque lo ganará, sin necesidad de recurrir al “cara o cruz”.

JUNO

2008-02-06T02:44:00.000-08:00

Una nueva Cenicienta llamada al baile de los Oscar. Sus hadas madrinas, dos referencias recientes en la producción de Crash y el guión de la pequeña Miss Sunshine. Sus armas para conquistar: la actuación de Ellen Page y la revisión de las comedias dramáticas de buenas intenciones.

FICHA DE LA PELÍCULA:

TITULO ORIGINAL Juno
AÑO 2007
DURACIÓN 92 min.
PAÍS USA
DIRECTOR Jason Reitman
GUIÓN Diablo Cody
MÚSICA Kimya Dawson, Matt Messina
FOTOGRAFÍA Eric Steelberg
REPARTO Ellen Page, Michael Cera, Jennifer Garner, Jason Bateman, Olivia Thirlby, J.K. Simmons, Allison Janney, Rainn Wilson
PRODUCTORA Fox Searchlight Pictures

El Otoño de los Flashbacks y las Voces en Off:

Parece ser que el director y guionista de “Gracias por Fumar” no quiere faltar a las más novedosas técnicas del cine contemporáneo. A veces da la sensación de que a muchos de los cineastas de nueva hornada, incluso a los que se han criado entre cámaras como él, se les olvida (si alguna vez lo supieron) para qué surgieron y cómo se utilizan los mencionados inventos. En el caso que nos ocupa, los primeros –los, afortunadamente, relampagueantes falshbacks- resultan insultantemente repetitivos, con un acercamiento peligroso a la descripción gráfica de personajes que Todd Field intentara en Juegos Secretos y que, según el criterio de quien comenta la película, sólo funcionó bajo la dirección de Vicente Minelli en Un Americano en París. Las segundas, las voces en off, son empleadas a modo de apuntes en blog de serie de televisión, como no podía ser de otra manera conociendo el currículum de la novelista. Y es que basta con una lectura somera de la trayectoria profesional de la Sra. Diablo (guionista de moda en USA, descubierta por un productor cinematográfico
mientras hacía sus pinitos literarios por internet) para replantearse seriamente el darle puerta al 190 y tomarse en serio eso de escribir. Sólo que, de momento, no sé yo cómo se aborda una historia de corte social para no decir nada.

El Invierno de las Buenas Intenciones:

En Juno, -diosa de la maternidad en la mitología romana y, desgraciadamente, muy alejada de la Poderosa Afrodita de Woody Allen-, no sólo no hay espacio ni lugar para ensalzar a las susodichas, tampoco para enfocar la problemática derivada de los embarazos adolescentes, ni para establecer aproximaciones ni conexiones con la situación de los matrimonios infértiles, ni aun para hacer prevalecer los derechos fundamentales del menor, objetivo prioritario de cualquier sociedad civilizada; entrando, en su defecto, en un universo irreal de buenas intenciones que nunca fueron tan poco cuestionadas. Un hecho, a todas luces, reprochable a la moderna crítica americana, a la que en otros tiempos de similar ausencia de criterio no le tembló el pulso para tachar de ingenuo a Frank Capra, abogado de la bondad inherente al ser humano en una época en la que todos los pensamientos bienintencionados sabían a poco para paliar los efectos de la Gran Depresión. En 2007, fecha de la presente producción, la única depresión pendiente de superar procede del asombro que provoca
la obsesión del cine americano por incluir películas independientes de bajo presupuesto en las nominaciones, eliminando injustamente de la colorada alfombra del Kodak Theatre a grandes guiones como el de American Gangster, o a directores de la talla Tim Burton o Ridley Scott.

La Primavera de las Comedias Clásicas Americanas:

La nueva Cenicienta llamada al baile de los Oscar competirá con una pretendida revisión de las comedias clásicas americanas, perdiéndose en un planteamiento desdibujado que persigue y no consigue la sátira social, emulando los diálogos rápidos y punzantes de la screwball-comedy, y hasta con la intención de ridiculizar a los personajes masculinos como hiciera el cine de Howard Hawks. La diferencia está en que en éste era necesaria la creación de situaciones especiales encaminadas a tal fin, mientras que en Juno, los chicos ya son ridículos de serie. Frente al carácter independiente de las féminas que se mueven a golpe de música “indie”, capaces de tomar decisiones responsables incluso con dieciséis años, se encuentran el inmaduro futuro padre adoptivo, recluido en una caja de recuerdos, y el joven deportista que pregunta si un embarazo es eso que les ocurre a las mamás y a las profesoras. Anda que....menudos ejemplares.

Si en un gesto de buena voluntad (y considerable esfuerzo) el espectador decide adherirse al mensaje optimista que motiva las acciones de la trama, y se deja arrastrar por el espíritu positivo de una comedia romántica sin más pretensiones, no tardará en descubrir que el guión, típicamente americano, alterna diversos comentarios de indudable ingenio, encaminados a sonsacar una leve sonrisa, con un sinfín de chistes extraídos de las peores galas de Billy Crystal. Ésos y ésas en los que un animado público (americano) aplaude entusiasmado, mientras que esta albaceteña se queda como estaba; para poner la guinda con esa tendencia maliciosa de los estadounidenses a mofarse de otras culturas. Es difícil que una sociedad que se anuncia en los periódicos para ser padres llegue a entender que en China no se regalan niños como si fueran ipot. Si, por el contrario, alguien intenta reparar en el eje central del argumento, caerá en la cuenta de que lo que allí llaman “adopciones privadas”, ¿sin regulación gubernamental?, y posible compensación económica, se parece sospechosamente a una compra-venta de cachorros, impensable en el país asiático objeto de la burla.

El verano de una gran interpretación:

A pesar de los pesares enumerados, es innegable que la cinta consigue transmitir ternura y calidez desde los llamativos títulos de crédito, realzando las relaciones paterno filiares inherentes al cine de Jason Reitman, y con una lección impagable (esto es cine americano) sobre quién es una madre. Recuérdese el papel de Allison Janney y la relación que se establece entre las protagonistas. Pero, sobre todo, téngase la seguridad de que en Juno se asiste al nacimiento de una nueva estrella: la Brujita Ellen Page. No les falta razón a los críticos que ya la comparan con Meryl Streep, puesto que ambas son capaces de salvar una película mediocre, haciendo creíble un mal guión.

EN EL VALLE DE ELAH

2008-01-30T02:32:00.000-08:00

Como el mejor Jack Lemmon de “Missing”, Tommy Lee Jones busca a su hijo en una conmovedora cinta que mezcla la complejidad del thriller policial con un retrato certero sobre las diferencias generacionales. Siguiendo los pasos de “Banderas de Nuestros Padres”, Paul Haggis vuelve a mostrar el poder de una instantánea recogida en tiempos de guerra.

TITULO ORIGINAL In the Valley of Elah
AÑO 2007
DURACIÓN 120 min.
PAÍS USA
DIRECTOR Paul Haggis
GUIÓN Paul Haggis (Historia: Paul Haggis, Mark Boal)Basada en un artículo periodístico, es la mezcla de dos historias reales.
MÚSICA Mark Isham
FOTOGRAFÍA Roger Deakins
REPARTO Tommy Lee Jones, Charlize Theron, Susan Sarandon, Jason Patric, James Franco, Josh Brolin, Rick Gonzalez, Jonathan Tucker, Barry Corbin, Frances Fisher
PRODUCTORA Warner Independent Pictures

NOMINACIONES Y PREMIOS:
Nominación al Oscar al mejor actor (Tommy Lee Jones)

“.....Y, con cinco piedras, el rey Saúl mandó a David a luchar contra el gigante Goliat en el valle de Elah...”

En una entrevista previa a la ceremonia de entrega de los Oscar de 2006, el director canadiense Paul Haggis aseguró que lo peor que se le puede hacer a un cineasta es decir de una de sus películas que “era bonita”. “Lo que yo quiero –añadía- es hacer que la polémica salte a la calle y cree disensión”. Vaya, desde este diario, mi más sincera enhorabuena al oscarizado guionista, puesto que ése es un objetivo plenamente cumplido desde el momento en el que su película cruza las fronteras americanas.

Lejos de ellas, conocer la historia que da título a esta cinta, implica intentar descubrir, desde el principio, quién será el David del valle de Elah que tiene por cielo las estrellas de la Unión. En esa búsqueda, el reflejo del personaje bíblico se aventura en la figura de una joven policía que, desafiando la falta de respeto y los comentarios malintencionados de sus compañeros, sabe reconducir una investigación para, en aras al fiel cumplimiento de un empleo al que no considera carrera profesional, llegar a la verdad. Hasta se vislumbra en el coraje desmedido de un padre que, aunando intuición y astucia para no desfallecer, consigue vencer las enrevesadas alturas de la burocracia. Pero lo que ningún guionista, productor ni director de Vacaciones en el Mar pueden pretender es hacer ver al espectador europeo que David es el soldado estadounidense que, sin recursos ni experiencia, es enviado por el gobierno de su país “a llevar la democracia a un territorio inmundo”, para regresar con la vida rota.

No conviene dejarse confundir. Ni al cine ni a la sociedad americanos les ampara ya la eterna cantinela del Vietnam, en la que jóvenes de diecinueve años entraban en una contienda, como todas, ajena y sin sentido, para descender a unos infiernos en los que nunca pidieron estar. Las tropas estadounidense destacadas en Irak son profesionales, y ninguna mala gestión gubernamental (que, indudablemente, es el origen del mal), ninguna sociedad que permite la actuación de la primera dando su confianza en las urnas, ninguna condición personal, sirven de excusas para nada. Tampoco para protagonizar las vergonzantes instantáneas recogidas en tiempos de guerra que configuran una de las tramas que rigen el argumento. Sencillamente, no se puede justificar lo injustificable, y permitirlo nos acercaría a los corderos definidos por Robert Redford en su última cinta (Leones por Corderos, 2007).

Por supuesto, la experiencia En el Valle de Elah, además de incompleta, resultaría fallida si no se hubiera sabido mirar en las múltiples direcciones en que lo hace un experto conocedor de la naturaleza humana, de sus acciones y reacciones expresadas en el recogimiento intimista de intensos momentos y secuencias solemnes, herencia del maestro Eastwood. El árbol no impide contemplar la profusión de un bosque que, insistentemente, lanza cargas de profundidad al conjunto, tras la estela que sepulta mitos e invierte símbolos aprendida en Banderas de Nuestros Padres.

Haggis, que se nos antoja más competente tras el teclado que tras las cámaras, apuesta por la realización clásica de abundantes planos americanos, estructura lineal en el desarrollo de la narración, perfecto back-story de los bien perfilados personajes, introducción de acertados flashbacks. Y sorprende al dosificar la información mediante distorsionadas imágenes que son recogidas por la cámara de un teléfono móvil, en ocasiones dueñas de un realismo rallante en la técnica del falso documental.

No exenta de los típicos tópicos americanos que alcanzan al guión en la compleja fase de la investigación policial, encabezada por la más absoluta ineficacia, que propicia la aparición de intervenciones individuales. Cercana a la historia de Costa-Gavras (Missing, 1982), al retratar la sociedad desde diferentes puntos de vista generacionales. Denunciadora, al más puro estilo de Crash, de los problemas interraciales. Próspera y generosa en las escenas de acción y con una memorable banda sonora; la gran baza del Valle se encuentra en su poderoso reparto, en las destacadas interpretaciones del eterno perseguidor Tommy Lee Jones, de la siempre perfecta Susan Sarandon.

Así pues, secundando a la insuperable Charlize Theron en su afirmación de que “Todo el mundo opina de todo”, y con la convicción de que “No deberían mandar héroes a lugares como Irak”, ni a ningún otro sitio; auguramos –no sin reservas- que la última creación de Haggis hará reflexionar a quienes todavía se siguen creyendo leones.

Diario de un crítico de cine

2008-01-23T06:05:00.000-08:00

Como decía Bécquer en su “Leyenda de los Ojos Verdes”, siempre he querido escribir algo que empezara con este título. En este caso, con el título de “Diario”. Afortunadamente, mi tendencia natural a la inconstancia y la vagancia y mi convencimiento de que tal literatura supone una solemne pérdida de tiempo, me disuadieron de hacerlo. Hecho del que me alegro.

Sin embargo, en ocasiones, siento la necesidad de hablar de cine, de realizar comentarios que no tienen cabida dentro de una crítica. La mayoría de esos comentarios son por y para mí. ¿Será interesante recogerlos por escrito? . Ya veremos....

Hay una cuestión relacionada con el mundo del critiqueo que siempre me ha llamado poderosamente la atención. Un crítico (evidentemente, profesional y con renombre) aborda una película desde un determinado prisma y da un par de premisas que fundamentan sus argumentos. A partir de ese momento, es curioso comprobar que todo lo que se va leyendo por la red va encaminado en esa misma dirección.
Lo he comprobado en demasiadas ocasiones, pero es quizás en “El Amor en los Tiempos del Cólera” cuando más me ha molestado.

Lamentablemente, nunca he creído en las casualidades, y eso me da pie a pensar que la mayoría de la gente que escribe sobre una película se ha leído antes los titulares que se editan sobre ésta con la finalidad de no quedarse “descolgado”.

Mas como creo que esta reflexión (largamente comprobada) no justifica que yo sea la única persona que habla bien de la película, que incita a verla , daré otra razón:

¿Has podido olvidar los patios de las casas colombianas?
Si no lo has conseguido, esta película te gustará.

EL AMOR EN LOS TIEMPOS DEL CÓLERA

2008-01-23T03:50:00.000-08:00

Leer critica de El Amor en los Tiempos del Cólera en Muchocine.net

FICHA TÉCNICA DE LA PELÍCULA:

TITULO ORIGINAL Love in the Time of Cholera
AÑO 2007
DURACIÓN 139 min.
PAÍS USA
DIRECTOR Mike Newell (Cuatro Bodas y un Funeral, Harry Potter y el Cáliz de Fuego).
GUIÓN Ronald Harwood (Novela: Gabriel García Márquez)
MÚSICA Antonio Pinto (Tema: Shakira)
FOTOGRAFÍA Affonso Beato
REPARTO Liev Schreiber, Javier Bardem, John Leguizamo, Laura Elena Harring, Benjamin Bratt, Catalina Sandino Moreno, Hector Elizondo, Ana Claudia Talancón, Giovanna Mezzogiorno, Angie Cepeda, Alicia Borrachero, Fernanda Montenegro, Unax Ugalde

Inteligente y fiel adaptación de la novela homónima de García Márquez. Mike Newell se sirve de un inmejorable reparto internacional para llegar al corazón de la historia romántica más hermosa jamás escrita. En imágenes, un canto de amor por Colombia.

“Era inevitable: el olor de las almendras amargas le recordaba siempre el destino de los amores contrariados”.

Mucho ha llovido desde aquella tarde de agosto en la que por casualidad, como suceden los grandes hallazgos en la vida, descubrí “El Amor en los Tiempos del Cólera”. El paso del tiempo consiguió difuminar el recuerdo de una mujer de fuerte carácter a la que nunca entendí. A tan temprana edad no es fácil comprender que las fachadas de hormigón son el refugio seguro de los corazones sensibles. Muy a mi pesar, también se evaporó ese ideal romántico del amor puro que sólo sobrevive en el difícil arte que plasma el alma en el papel. Pero veinte años no fueron suficientes para borrar de mi retina la imagen de un patio en el que crecen sempiternas flores tropicales, ni la frescura de las puestas de sol tantas veces soñadas sobre el río de La Magdalena, ni el olor del mercado en el que Fermina Daza setencia el final de una ilusión. Sin saberlo, y para siempre, me había enamorado de Colombia.

Joe Wright, director de Expiación y una de las promesas del cine actual, supo resumir en una frase certera la ardua tarea que supone la adaptación cinematográfica de un clásico contemporáneo de la literatura: “Cada novela tiene tantas versiones como lectores”. Una reflexión que convierte en milagro la casualidad de que espectadores, críticos, guionistas y cineastas –todos ellos lectores- coincidan en la misma visión. La polémica queda servida y mi pregunta sobre el grado de enamoramiento de Mike Newell, satisfactoriamente resuelta.

“Piensa en el amor como un estado de gracia que no es un medio para nada, sino un origen y un fin en sí mismo”.

El guión de Ronald Harwood, ganador de un oscar por El Piano, puede ser calificado de inteligente y fiel. La fidelidad, tantas veces prometida al autor con la solemnidad del juramento de Florentino, conlleva la realización de una adaptación prácticamente literal, que inicia su andadura por el final del relato y remonta en un intenso flashback, que constituye el nudo de la trama, para regresar a la primera secuencia y encarar el desenlace. Dentro del desarrollo, se impone una estructura narrativa lineal para dar consistencia a ese “ir y venir del carajo” al que son sometidos los protagonistas. Las frases memorables de la novela se transcriben a la pantalla con absoluta devoción, y se intenta un coqueteo fantasioso entre personajes y escenario para sortear la amenaza latente de culebrón folletinesco postcolonial al que podría quedar reducida la búsqueda del amor a lo largo de la vida en tiempo de guerra y epidemias, cuando se ve despojada de los complejos viajes interiores que recrea la prosa limpia del premio Nobel.

“Es la vida y no la muerte la que carece de límites”.

La inteligencia, por su parte, se percibe en dos licencias cinematográficas que se incorporan a la historia. En primer lugar, la presentación en diálogos –que nunca se producen- de un romance que es recogido por la pluma de acero y la máquina de escribir en interminables cartas de ida y vuelta; lamentablemente, escritas en inglés. Por otra parte, la apuesta valiente al ofrecer un cambio de actor para el personaje central. Se pasa del muy interesante Unax Ugalde al siempre eficaz Javier Bardem, no atendiendo a motivos de edad, sino con la finalidad expuesta por Luis Buñuel en su última película, Ese Oscuro Objeto del Deseo. Se necesita un Florentino apuesto, surgido de los ojos con los que sólo sabe mirar el corazón, con unos rasgos físicos difusos que se pierden entre la multitud de la Misa del Gallo, y que no se corresponde con el Florentino real, el de carne y hueso, el que Fermina ve por vez primera, cara a cara, en el mercado para convencerse de que todo ha sido una ilusión, el enamoramiento de un alma sin rostro.

La factura impecable del diseño de producción, su corte elegante, los exquisitos trabajos de maquillaje y vestuario, el acertado casting internacional, la dirección artística que permanece atenta al más insignificante de los detalles, como el que fija su atención sobre las jaulas en las que transportan a los bebés por los viajes fluviales; y la sensata ejecución de un artesano, Mike Newell que, lejos de ser brillante, siempre resulta correcto, convierten El Amor en los Tiempos del Cólera en una película de inolvidables momentos que sofocan el temor del escritor, que tardó varios años en ser convencido para aceptar esta versión anglófona.

“Cincuenta y tres años, siete meses y once días con sus noches”.

Las entrañables conversaciones en el faro, los ojos del sátiro que sabe que el mal de la infidelidad no es tal si sólo se perpetra con el cuerpo, el amor desmedido de una madre latina (la imponente dama del teatro brasileño, Fernando Montenegro), la gélida mirada y los arrebatos de ira de la excelente Giovanna Mezzogiorno, y la inconfundible voz de Shakira recorriendo las plazas de Cartagena, la maleza en la selva, el caudaloso río, la ciudad portuaria de Barranquilla... provocan un escalofrío que nubla la mirada. Y es que, admitiendo la imposibilidad de hacer justicia a la insuperable obra de Don Gabriel, no es menos cierto que la calidad humana del pueblo colombiano, el espíritu colorido de su tierra, la atmósfera cálida y fragante, pasional, que viven en la novela, ahora también, por fin, lo hacen en el cine.

EXPIACIÓN: MÁS ALLÁ DE LA PASIÓN

2008-01-16T05:48:00.000-08:00

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El lucimiento técnico rompe el formalismo en la estructura narrativa de una cinta carente de alma que, sin embargo, cuenta con sobrados elementos para encandilar.
Joe Wright aborda una tragedia en tres actos con el pulso de los Grandes.

Esa manera de recorrer los pasillos... la frenética persecución de los protagonistas con la justa profundidad de campo y el mínimo movimiento de cámara, la elevación del objetivo a la categoría de personaje, ese inconfundible “travelling lateral”, los planos secuencia tomados a ras del suelo... ¿A quién me recuerdan?

Joe Wright, cineasta nacido en los años setenta, ha sido injustamente comparado con James Ivory, quizás por la exitosa realización de su ópera prima, Orgullo y Prejuicio. Pero incluso en un relato de Jane Austen, Wright supo alejarse de la lentitud y de la solemnidad (que nunca fueron sinónimos de profundidad) inherentes a la filmografía de Ivory, para imprimir un ritmo nuevo, certero, acorde con la creencia de que los sentimientos son universales y, por lo tanto, atemporales, con la finalidad de hacer llegar este tipo de historias a un mayor número de espectadores; tal y como Ang Lee propusiera para Sentido y Sensibilidad.

En esta ocasión, en la que es su segunda película, un proyecto del que se hace cargo tras ser rechazado por el director Richard Eyre, se puede seguir apreciando su enorme talento tras las cámaras, para descubrir una serie de aspectos técnicos de especial relevancia, que no aparecían en su primer trabajo, y que le acercan a uno de los Grandes. No sería descabellado pensar que este reto, indudablemente importante para su carrera, haya querido ser abordado tomando como referente al mayor adaptador de novelas de todos los tiempos, a Stanley Kubrick. Es más, me atrevería a asegurar que el incomparable estilo del maestro flota en el ambiente desde la concepción del guión.

Aunque no aparezca en los títulos de crédito, el director trabaja con el guionista hasta la extenuación, consiguiendo desestructurar el relato hasta convertir en imágenes la palabra escrita (Lolita). La presentación de los personajes y el trato que se da a éstos, deja entrever el más absoluto de los distanciamientos, mientras que la historia es mostrada con la mayor asepsia posible, sin síntomas de simpatía con ninguno de los protagonistas para que sea el espectador el que saque sus propias conclusiones (determinante en el universo Kubrick, quien nunca quiso dar una explicación de su Odisea en el Espacio). Los tres flashbacks del primer acto narrativo, prácticamente imperceptibles y cercanos en el tiempo, consiguen analizar el mismo hecho desde diferentes puntos de vista (Atraco Perfecto), para ser sabiamente introducidos mediante objetos sobre los que se hace reparar. Una técnica que trae a la memoria cinéfila el buen hacer de tiempos pretéritos, que habría conseguido su máxima expresión en aquel calendario de Escrito sobre el Viento de Douglas Sirk.

Si a estas inclinaciones le sumamos las virguerías técnicas señaladas en el inicio de este artículo, llegamos a la conclusión de que es difícil y peligroso jugar a ser Stanley Kubrick. Al maestro, considerado un mecanismo de relojería, jamás le faltó ni sobró un solo elemento en la exposición final de sus trabajos. Un acierto del que Wright, en esta cinta, no puede presumir.

Expiación es, básicamente, un amalgama de imágenes y sonidos, en la que prima la técnica sobre la narración. La excesiva obsesión por el mimo de cada detalle consigue enaltecer las partes en detrimento del todo, dejando la sensación de un fondo perfectamente coloreado dentro de una silueta inacabada que nunca se llega a percibir. Un golpe de efecto que funciona durante los primeros minutos, y que pronto se antoja insuficiente para llegar a buen puerto. De esta manera, en el tercer espacio narrativo, cuando ésta consigue ser perfilada, la manida base argumental del Pasaje a La India de David Lane pesa demasiado como para prestarle atención.

Frente al abuso de escenas que nada aportan a la trama ni contribuyen al avance de la acción (recuérdense el laberinto de flashbacks del segundo tiempo que sólo permiten el lucimiento del cineasta), se añoran aquellas otras que habrían dado perspectiva a los pensamientos de los personajes y al desarrollo de sus relaciones interpersonales, objetivo fundamental del original literario. Sin embargo, la frialdad con la que se exponen los hechos, la nula implicación del cineasta en el relato, originan una falta de empatía en el devenir de los acontecimientos, que hacen de ella una historia preciosista para alimentar los sentidos, sin llegar al corazón.

Con este proceder, se abona el terreno que hace prosperar los diversos aspectos técnicos, merecedores de los máximos galardones. La imponente dirección artística recrea el ambiente de lujo y aparente sosiego que se respira en la mansión de los Tallis con la misma precisión con la que recoge la desolación de Londres en la Segunda Guerra Mundial, o la devastación que ofrece el impresionante plano secuencia en circular de la playa francesa de Dunkerque en 1940 (en realidad, rodada en territorio británico), hasta llegar a la época actual. Unos cambios importantes que también son recogidos por la excelente banda sonora, en muchos momentos mezclada con el insistente teclear de una máquina de escribir, o la aceptable fotografía del director de Las Horas, que da su Do de pecho con un trozo de jarrón depositado en el fondo de una fuente. Una imagen calcada de aquella mítica con la que Néstor Almendros conseguía un oscar en Días del Cielo.

Dentro del reparto, nos encontramos con la que es, sin duda alguna, la mejor interpretación de Keira Knightley hasta el momento, el milagro que hace pensar a los que no creemos en ella que algo debe de tener el agua, aparte de hidrógeno, cuando la bendicen. Destaca, igualmente, la excelente actuación de Saoirse Ronan, la actriz adolescente, y es digna de lamentar la inexpresividad de la apuesta masculina, James McAvoy, responsable, en muchos momentos, de la apabullante falta de química existente en el pretendido romance.

Todo lo cual nos lleva al convencimiento de que muchas serán las nominaciones que recaigan sobre Expiación, y que muy mal deben de estar las cosas por Hollywood para que, finalmente, sea considerada la película del año.

FICHA DE LA PELÍCULA:
TITULO ORIGINAL Atonement
AÑO 2007 DURACIÓN 123 min. Trailers/Vídeos
PAÍS REINO UNIDO
DIRECTOR Joe Wright
GUIÓN Christopher Hampton (Novela: Ian McEwan)
MÚSICA Dario Marianelli
FOTOGRAFÍA Seamus McGarvey
REPARTO Keira Knightley, James McAvoy, Romola Garai, Saoirse Ronan, Brenda Blethyn, Vanessa Redgrave, Juno Temple, Gina McKee, Michelle Duncan
PRODUCTORA Coproducción GB-USA; Working Title Films

NOMINACIONES Y PREMIOS:
2007: 7 nominaciones a los Oscar: Mejor película, guión adaptado, actriz de reparto (Saoirse Ronan), fotografía, banda sonora, dirección artística, vestuario. 2007: 2 Globos de Oro (Mejor película drama, mejor banda sonora).

MIMZY, MÁS ALLÁ DE LA IMAGINACIÓN

2008-01-11T02:18:00.000-08:00

Leer critica de Mimzy, más allá de la imaginación en Muchocine.net

La New Line Cinema, productora de sagas multimillonarias como ‘El Señor de los Anillos’ o ‘La Brújula Dorada’, realiza una valiente defensa de los juguetes tradicionales frente a los vídeo juegos en este título menor, que cuenta con uno de sus directivos tras las cámaras.

Una de las ventajas de ser el director de New Line Cinema y de haber convertido una distribuidora independiente en una de las productoras más influyentes de la industria, debe de ser la de poder volver –si apetece- a los orígenes de cineasta desconocido para ponerse al frente de un producto que no prospere en taquilla.

Poco importa que la linealidad exasperante con la que se aborda la realización, traduzca el invento en un filme de corte irregular, con demasiados valles y ningún pico culminante que evidencian la carencia de esa virtud impagable que, en cine, es la capacidad de saber transmitir. Poco que los cuatro guionistas contratados (por falta de uno) consigan, con mayor o menor acierto (en este caso, ninguno), brillar en la adaptación de un relato corto del matrimonio formado por Henry Cuttner y C.L. Moore. Poco, porque al jefe hasta se le permite la licencia de lucirse con la virguería técnica que hace reflejar los dibujos de “mandalas” del joven Wilder en las gafas de su asombrado profesor de ciencias. No con la originalidad con la que Alfred Hitchcock rodara una de las escenas cumbres de Extraños en un Tren, tomando la imagen a través de unos cristales similares; proeza, años más tarde, repetida por Pedro Almodóvar en Mujeres...., sino, más bien, fruto de una de esas casualidades, llamadas “serendípitys”, que derivan de la mera cuestión basada en elementales principios físicos, fáciles de alcanzar por el peor vídeo aficionado el grabar a su novia con las gafas de sol puestas.

La historia, de interesante planteamiento y múltiples posibilidades, comete el error de colocar diferentes y demasiadas premisas sobre el tapete con la clara intención de no desarrollar ninguna de ellas, provocando un amalgama de conceptos y puntuales subtramas auxiliares que nada aportan al eje central del argumento ni conviene tener presentes en la resolución final.

Por momentos, comparable a la mítica Alice de Lewis Carroll, recurso recurrente donde los haya. A ratos, tan perdida como el protagonista de Inteligencia Artificial en presencia del hada azul. Sin olvidar los gusanos que conectan puertas temporales, en clara alusión a historias como Stargate o Timeline. Y, en última instancia, sustituyendo los seres de otras realidades espaciales por artilugios futuristas, cercana al Superman que “facturan” como única posibilidad de supervivencia, o al ET Spielbergriano que ha de volver a su hogar tras una arriesgada huída; el director no se resiste a la tentación de incorporar esas dos “novedosas” técnicas del cine contemporáneo: las famosas voces en off con excusa telepática y el imperceptible flashback que justifica el desarrollo de la acción. Tampoco a la idea de explotar los torpes y escasos efectos especiales para adaptarlos a las mínimas exigencias requeridas en el guión.

Sin embargo, el mayor despropósito de todos sería el de intentar analizar esta película desde un único punto de vista, el estrictamente cinematográfico y formal. ¿Por qué no perderse en el maravilloso mundo de los fondos que encierran mensajes bienintencionados?. ¿Por qué no admitir la posibilidad de que la totalidad del metraje no sea más que la metáfora encargada de reivindicar la importancia de los juguetes tradicionales, incluso de los más inservibles, en plena era de los vídeo juegos?.

Retomemos el hilo y retrocedamos, en un viaje en el tiempo, para llegar hasta un sentimiento puro recubierto de ADN. ¿Qué tal hasta esa parte del pasado en la que se ubica nuestra propia infancia?. Por aquel entonces, sabíamos que no todo lo que se encuentra abandonado en la calle ha de ser potencialmente peligroso, y se me ocurren el inofensivo juego de mesa llamado Jumanji y la curiosa cajita de Hellraiser. No. Todavía existía la alternativa de hallar sorprendentes objetos, estimados tesoros que “inexplicable” y sistemáticamente terminaban en la basura. Las madres sólo veían tablas de madera, calabazas y pisapapeles en lo que eran barcos piratas, caritas sonrientes y generadores mágicos. ¿Nadie quiso imitar a las azafatas del Un, Dos, Tres y provocó un apagón mientras extraía una pieza del cuadro de luces al tratarse del panel de la subasta?. Y cuando el presente sigue representado por esos habitáculos de cristal que secuestran mascotas virtuales sujetas al dictado de sus creadores, las posibilidades que ofrecían los peluches multiusos de antaño eran ilimitadas: amuletos protectores, hijos y alumnos, poderosos somníferos, monstruos que aterraban la aldea de los barriguitas, cómodos sillones.... eso sí, con un lenguaje ininteligible que sólo nosotros supimos descifrar.

Dentro de un reparto mediocre, en el que destacan las correctas interpretaciones de Timothy Hutton y de Joely Richardson (Resplandor en la Oscuridad), dando vida a anodinos y estereotipados personajes que se desdibujan sin remisión, asistimos al nacimiento de una estrella de nombre Rhiannon Leigh Wriyn; la jovencita, de naturalidad innata, sobre la que recae el peso de la trama.

Y, parafraseando al agente Broadman en ese momento en el que “No entiendo nada, pero me alegro”, he de admitir que nada me gustaría más que haber logrado arrancar una sonrisa nostálgica en el lector cinéfilo con esta visión de la película. Si no lo conseguí, será porque yo misma perdí la fantasía en algún escarpado recodo de la vida.

AMERICAN GANGSTER

2008-01-03T00:12:00.000-08:00

Leer critica de American Gangster en Muchocine.net

La probada pericia del mejor director del mundo convierte una compleja trama del hampa americano en un manual de capos para principiantes. Por su parte, los actores favoritos de los hermanos Scott deleitan con sendas magistrales interpretaciones en la que pude ser la película del año.

Hacer lo difícil fácil es tremendamente más laborioso que convertir lo sencillo en complicado. Quizás, por ese motivo, proliferan los filmes que gozan del beneplácito de ese sector de la crítica que conviene en denominar “trasgresión” a todo aquello que nadie entiende. Quizás, por la misma razón, los menos doctos, los que nunca vemos pan donde hay vino, encontramos en la tendencia de Ridley Scott de huir de las medias tintas, la garantía de una apuesta casi siempre segura.

El que fuera considerado “mejor director del mundo” en los años ochenta gracias a títulos como Alien o Blade Runner, con un estilo –por momentos- comparable al de Stanley Kubrick en Los Duelistas, experto narrador de localizaciones (Black Rain), indiscutible maestro de la estética y contundente director de actores, capaz de extraer las mejores interpretaciones que quienes han trabajado bajo sus órdenes (Thelma y Louise, La Teniente O’Neil), todavía persigue el reconocimiento de un premio Oscar. Tras sonoros fracasos como 1492: La Conquista del Paraíso y El Reino de los Cielos, ha sabido remontar en la dirección de películas como Gladiator (curioso remake de La Caída del Imperio Romano) o Los Impostores; hasta dotar, recientemente, de una nueva dimensión a las comedias románticas tradicionales, transformando el anodino guión de Un Buen Año en un metraje de agradable visionado.

Es en American Gangster donde se puede recuperar al Scott de los mejores tiempos. La historia, de inicio poderoso y planteamiento confuso que hace honor a una de sus frases: “Esto es un caos, cada matón actúa por su cuenta”, pronto será encauzada hacia un potente desarrollo de desenlace apoteósico.

Rodar en ciento cincuenta y dos decorados diferentes que se alternan con espacios naturales, en un país de inestabilidad política como es Tailandia, en los cinco distritos de la ciudad de Nueva York, en mansiones emblemáticas ubicadas en el lugar de residencia de multimillonarios como Rockerfeller, que dan paso a apartamentos de renta baja construidos por el Ayuntamiento; suponía todo un reto que sólo un “director de ambientes” sería capaz de resolver. Scott, con su “estilo de rodaje guerrilla” cámara en mano, ampliado al sistema de multicámaras en las escenas de acción, y con una espectacular diversidad de tomas amplias, transportará al espectador desde Vietnam hasta la calle 116 del Harlem sin que le tiemble el pulso, en una hazaña que no siempre se ve correspondida con la dirección de fotografía.

Por otra parte, el complejo entramado que encierra el mundo del hampa americano en los años setenta, mostrado con la profusión de pinceladas que van desde un 1013 policial hasta la consecución de la magia azul, desde un sistema de seguridad que no duda en interceptar un alijo de heroína que será cortado y revendido, hasta la honradez de quien devuelve un maletín de billetes sin numerar; será magistralmente reconducido hacia la creación de una sencilla historia de capos para principiantes. Un relato de narración fluida y cuidado discurrir, que falla por los bordes, evidenciando la inadecuada medición de los tiempos, fruto de un atropellado montaje que, con total seguridad, ha sufrido la revisión de la productora, adaptando la extensión del metraje con vistas a su distribución.

Sin temor a equivocarse, se puede asegurar que la gran baza de esta película, a veces, tan irregular como la carrera profesional del director en sus últimos proyectos, se encuentra en la elección de los actores principales, muy capaces de resolver la acción en solitario, inmersos en una contradictoria pero certera descripción de personajes.

De esta manera, mientras el papel interpretado por el eternamente inexpresivo Russell Crowe parece haber sido extraído de una “opa negra”, de una historia prefabricada común a policías perfectos que se enfrentan con miembros de su departamento, incapaces de mantener su vida privada por culpa de sus continuos devaneos amorosos (¿no les recuerda al Clint Eastwood de Ejecución Inminente?), con la extensión de incorruptibilidad que conociéramos en Serpico; el back-story del narcotraficante se decanta por las peculiaridades propias del gangster genuinamente americano, dispuesto a romper el equilibrio entre las familias de los bajos fondos.

Y, como no existen las bondades ni las maldades absolutas, y los que permanecen a nuestro lado no siempre son “uno de los nuestros”; el adúltero sabrá limpiar su conciencia sin retroceder un ápice en sus ansias de justicia; el responsable directo de miles de muertes, con la apariencia de negocio que hay que defender, resultará ser un ejemplar hijo, hermano y marido, que no descuida la misa de los domingos; y la vida, por una de esas extrañas coincidencias de “sincronicidad”, conseguirá unir ambos destinos para destapar uno de los mayores escándalos que se han escrito en la Historia de los Estados Unidos de América.

En un balance final, nos quedamos con el alma del metraje, que no es otra que la impagable actuación que consiguió emocionar al verdadero Frank Lucas, la de Denzel Washington; con la irresistible imagen de Richie Roberts en pantalón vaquero, con los grandes momentos clavados a base de balas y perseverancia.

Nos quedamos con la demoledora escena del Día de Acción de Gracias dando paso a los estragos causados entre los consumidores de una ciudad cubierta de polvo blanco, con el retime de las escaleras que conducen al corazón de la policía neoyorquina, con la detención producida en Harlem, con un vis á vis memorable, y con la convicción de que la resolución típicamente americana con la que culmina la trayectoria vital de los personajes puede convertir a ésta en la mejor película del año. Un año en el que los que afirmaron que Ridley Scott era el mejor director del mundo deberían tener razón.

SOY LEYENDA

2007-12-28T05:15:00.000-08:00

“Mientras Nueva York duerme”, Will Smith destaca en una innovadora superproducción que regala imágenes emblemáticas al Séptimo Arte. Un trhiller de acción y efectos especiales, en perfecta armonía con el guión, y en ningún caso recomendado para los dueños y amigos de pastores alemanes.

En los últimos años, media Europa ha venido sufriendo las invasiones bárbaras de todo tipo de virus y retrovirus, de diversa procedencia, encargados de transformar en vecinos poco recomendables a la casi totalidad de la población. Frente a ellos, un reducido grupo de supervivientes trataba de resistir en lugares como Alemania (Resident Evil 1, 2, 3...), Gran Bretaña (28 Días Después, 28 Semanas Después, ¿28 años más tarde?) o en España ([Rec], al día siguiente), en donde las autoridades sanitarias, al activar el famoso protocolo antiterrorista, olvidaron que el padre de la angelical criaturita mordedora permanecía fuera del edificio precintado. En todos y cada uno de los casos, ha de entenderse “resistir” en el sentido literal de la palabra, anteponiendo los efectos de la técnica al guión, asegurándose el éxito de taquilla de sus miles de seguidores, en una situación crítica y crónica en la que nunca se proyectó un plan B de emergencia. Los infectados, -en otros tiempos, seres humanos-, son sólo un objetivo a abatir dentro de un argumento de claro en insólito mensaje: ninguno.

Llegado el momento en el que “Hay que iluminar la oscuridad”, el cine americano sabrá hacerlo, por mucho que nos pese, con mayor intensidad. Concretamente, con algo que se conoce como “superproducción”, en la que no duele en prendas conseguir un permiso especial, sin precedentes, para detener el tráfico en Nueva York, contratar a miembros del mismísimo ejército como extras, y planificar una evacuación real de la isla, contando con el asesoramiento y la supervisión tras las cámaras de los más altos estamentos que componen las fuerzas de seguridad del Estado. ¡Eso es América!.
Como sigue quedando dinerillo en las arcas, no se duda en contratar al mejor equipo técnico de los últimos tiempos: al director de fotografía de la trilogía de El Señor de los Anillos, al director de efectos especiales de Matrix, al guionista de Una Mente Maravillosa... ¡eso es el cine!.

La excusa de tan elaborado proyecto, que da una solución definitiva a la pandemia que venía asolando Europa sin que ésta fuera capaz de levantar cabeza, la encontramos en una novela, I am Legend, de 1954, firmada por el escritor Richard Matheson, que cuenta con dos adaptaciones cinematográficas anteriores. Es en este punto en el que no tendría ningún sentido comparar ni cotejar el resultado final de Soy Leyenda con sus predecesoras, puesto que la historia que hoy comentamos, disfrazada de odioso cine comercial, está llamada, desde el preciso momento de su concepción, a entrar en la Historia del Cine por la puerta grande. Que nadie se rasgue las vestiduras todavía, porque la explicación es fácil de entender. El espectacular despliegue de medios que fortalece la multimillonaria producción, la excelente fotografía que muestra una Quinta Avenida, nunca vista, inundada de vegetación, las conseguidas tomas aéreas que recorren la fantasmal ciudad desierta, la concentración de planos cortos aumentando la angustiosa sensación de soledad, la inestimable dirección artística basada en el más caótico de los anarquismos, el acertado flashback que aporta coherencia al relato; quedarían escritos sobre el viento si la totalidad del metraje no contara con el sustento de un sólido guión. Aún más, si la sincronización entre las imágenes y la trama no rallara la perfección.

Nos sigue pesando, pero hemos de reconocer que también ahí los americanos saben iluminar la oscuridad. Ellos son especialistas en el género de catástrofes, en situaciones al límite, en atmósferas de verdadero peligro que sólo pueden ser resueltas por acciones individuales que caracterizan su propia personalidad. No basta con combatir a los infectados, hay que sanarlos, hay que arriesgar la integridad física del súper héroe, que, -como no podía ser de otra manera-, es un prestigioso científico, experto militar, perfecto padre y esposo y, por si todo esto fuera poco, ejemplar amante de los animales. ¿Se puede pedir algo más?. Sí, y lo tenemos. Una involución en el mundo de los sentimientos, el extraordinario viaje interior que cualquier ser humano experimenta tras un proceso catártico en su vida. “Dios no ha hecho esto, sino nosotros”, y no nos asustan los monstruos de grito hipohuracando salidos de una mala versión de La Momia, pero sí el hecho de saber que no hay días libres para los maleantes que no se dejan convencer por el poder de una canción.
Nos pese o no, es necesario admitir que, entre las muchas virtudes del cine americano, se encuentra también la de saber hurgar en los corazones, la de poder dotar a una ridícula historia post-apocalíptica de zombis de un mensaje revelador. Por si algo faltara, la dirección de casting apuesta por Will Smith, rindiendo a sus detractores (entre los que me encuentro) con una actuación memorable.

Todo ello me lleva a recordar que pocas veces me he atrevido a recomendar una película, pero que, en este caso, sí que me gustaría invitar al lector cinéfilo a reparar en ésta. No se dejen llevar por el rechazo que producen las palabras “superproducción norteamericana”, piensen en ese paraíso perdido que proponía Truffaut en Fahrenheit 451, y dense la oportunidad de sacar sus propias conclusiones. Personalmente, me gusta pertenecer a esa minoría que resulta inmune al virus del odio, de la xenofobia y del racismo. Me gusta Shrek, y saber que a las personas sólo se las puede medir por dentro.

1408

2007-12-24T03:31:00.000-08:00

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Dignísima adaptación de un relato corto de Stephen King, de notable factura e impecable dirección. Mikael Hafström demuestra con hechos que “hacer cine es saber colocar la cámara”, la sabia conclusión a la que llegara Martin Scorsese y un aspecto imprescindible para llevar a buen puerto el presente guión.

Siempre son prometedoras las historias que se inician en medio de una noche de lluvia. Debería realizarse un estudio al respecto, intentando averiguar la fascinación que ejercen este tipo de planos de apertura. Claro que, encontrar el rostro de John Cusack en los siguientes, con sus camisas floreadas y su eterno cigarrillo al abrigo de la oreja, puede presagiar una de esas aventuras que, con arranque de caballo triunfador, suelen desembocar en parada de asno. Sólo hay que recordar la célebre Identidad (2003), que algunos hasta llegamos a entender tras el vigésimo cuarto visionado.

En esta ocasión, la habitación 1408 (que, por si no se han fijado, suma 13) de un kafkiano hotel neoyorquino, el Dolphin, situado en la 45 con Lexington, propone un macabro juego a lo Jumanji en el que los cuadros cobran vida, los fenómenos meteorológicos extremos se suceden y las diferentes dimensiones espacio temporales se interrelacionan, sin la posibilidad de encontrar los dados que intenten controlar la situación. Un repetido argumento, con vicios de casa encantada, que se sintetiza en un episodio de Cuarto Milenio en el que el equipo de la nave del misterio realizaba un recuento de hoteles encantadores y encantados de nuestro país. Desde la famosa habitación 510 de cierto hotel zaragozano hasta los diarios del miedo vividos por unos periodistas madrileños en una supuesta pensión de Sabadell. Con lo que, evidentemente, no contaba el mencionado y fiel reportaje, era con la estética visual en la que se apoya la cinta de Hafström, ni con esa fotografía en tonos pastel encargada de mostrar espacios acogedores incluso en medio del caos más absoluto, incorporando el inconfundible rojo Scorsese en los espacios abiertos.

Y es que, sobre todo, la 1408, que –bien sea por la ineficacia de sus galardonados guionistas, bien por las propias limitaciones del relato de King-, encierra un mensaje incierto, sí que regala un inapreciable ejercicio cinematográfico de excelente dirección. Entre otros muchos factores, en una película que hace transcurrir la mayor parte de su metraje entre cuatro paredes, quedando sujeta a los alicientes y tópicos del género, se hace imprescindible la oportuna ubicación de la cámara.

En este sentido, pocos son los referentes que encontramos en la trayectoria del desconocido director sueco. Él mismo admite que la utilización de efectos especiales le ha supuesto “una experiencia de aprendizaje”, muy bien aprovechada a juzgar por los resultados que ofrece la endemoniada estancia. Nominado a los Oscar por Evil en el apartado de Mejor Película Extranjera, su primera película americana, Sin Control, protagonizada por el atractivo Clive Owen y por la sosa Jennifer Aniston, transformaba el Breve Encuentro de David Lane en un trhiller tan inesperado como interesante.
En 1408, su virtuosismo con la cámara, nos trae a la memoria cinéfila el buen hacer de dos grandes directores que siempre se hicieron notar tras ellas. Los efectivos planos contra-planos que establece entre los dos personajes principales: el buscador de fantasmas y la propia habitación, y el travelling de ida y vuelta que recorre el pasillo de la 1400 a la 1430, recuerdan aquella legendaria y extraordinaria forma de dirigir que planteara Max Ophüls en muchos de sus dramas. El realizador alemán utilizó esta técnica para acentuar la impecable estructura de sus guiones; mientras que Hafström, a falta de una narración sólida, la emplea para, sabiamente, conseguir la introducción de la trama. Por otra parte, el extenso plano secuencia que revolotea por el hall y su tendencia a la creación de planos imposibles, nos acercan al peculiar estilo fílmico de otro de los grandes, Brian de Palma.

En ambos casos, esta actitud inteligente, tras un cuidadoso mimo por recrear los más insignificantes detalles que ponen a prueba la memoria fotográfica, garantiza la sensación generalizada de frío cuando el termostato marca cinco grados bajo cero, de “oídos taponados” en el momento en el que se decide prescindir del sonido, de angustia al obligarse a contar mentalmente los dieciocho pasos que se dan por la cornisa. O lo que es lo mismo, logran envolver al espectador en un planteamiento intrigante que aporta profundidad a tan escueto relato; barajando, en todo momento, la doble posibilidad de alcanzar diferentes desenlaces alternativos, que se ofrecerán en la versión de DVD. Por lo tanto, y para todos los gustos, las alucinaciones podrán ser –o no- verdaderos efectos paranormales, con la convicción de que los fantasmas personales que atacan a cada uno de nosotros son tan peligrosos como los seres esperpénticos del más allá.

Dicho lo cual ,no es menos cierto que el gran error de la película pueda estar en el final escogido. Las mejores novelas de King, de cientos de páginas, son resueltas, de manera rara vez satisfactoria y siempre sorprendente, en las últimas cinco. La 1408, en su tramo final, satisface y no sorprende. Eso sí, deja unas buenas frases para los coleccionistas, y hace entonar a los amantes del género aquella vieja canción de Mecano: “Durante una hora y media pude ser feliz, comiendo chocolate y palomitas de maíz”. A fin de cuentas, ¿qué es si no el cine?

MR. BROOKS

2007-12-14T06:12:00.000-08:00

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El particular Doctor Jekyll y Mister Hyde de Evans y Gideon es un entretenido thriller de inteligente trazado que, en sus horas bajas, echa mano de tres grandes glorias de Hollywood para continuar. El experimento funciona hasta convertirse en una de esas historias que inhiben el sentido crítico al no dar opción al pensamiento.

¿Recuerdan a los Addams?. Había una graciosa escena en la que la genial Christina Ricci (Miércoles) asiste a un baile de disfraces con su habitual atuendo. “Voy vestida de psicópata”, decía, “porque todos los psicópatas tienen una apariencia normal”. Y no carecía de fundamento esta apreciación. Si ahondamos en la biografía de algunos de los más “carismáticos” asesinos en serie de la Historia, descubrimos que no faltan testimonios que definan a éstos como seres normales, educados y absolutamente encantadores.

La educación y el encanto, en manos de los guionistas de Mr. Brooks, alcanzan cotas inimaginables, hasta el punto de hacer tan creíble el perfil psicológico y humano de la faceta del Doctor Jekyll, que se hace imprescindible personificar la conciencia para dar profundidad al lado oscuro.

La entrada en escena de esa personificación, -que ya apareciera en algunas películas de Wim Wenders, como El Cielo sobre Berlín o ¡Tan Lejos, Tan Cerca!-, resulta tan sorpresiva como el resto de acontecimientos que conforman la trama. Sentadas las bases y con un enfoque preciso de todos sus componentes, se impone un tipo de guión vertiginoso, frenético, con múltiples giros que no ofrecen concesiones ni dejan espacio a la reflexión. A veces, cercano a otros relatos que pueblan el firmamento cinematográfico, puesto que fácil es percibir la intensidad dramática de Seven, la recreación light de algunos pasajes de Resurrección o la oportuna llamada telefónica en la que “El mundo es más interesante con usted dentro, Clarice” de El Silencio de los Corderos; otras muchas, alejado de todos ellos.

Por su parte, las técnicas empleadas en el rodaje y el diseño de producción realzan la creación narrativa, mientras que la profusión de planos rápidos, la impecable planificación en la fotografía, la alineación escénica, la propia dirección artística y la perfección en el montaje, contribuyen a engrandecer el engañoso resultado final. Para colmo, la acertada contratación de Kevin Costner encara una nueva vuelta de tuerca que concluye en la delirante anulación del sentido crítico. Al menos, del mío. Y es que poco importan el devenir de los acontecimientos, la resolución del argumento o la suerte que corran los personajes, mientras que él continúe en pantalla.

Lo difícil de entender es que sea precisamente ahora, en esta película, cuando se empiezan a reconocer sus importantes cualidades interpretativas, las mismas que otros siempre habíamos detectado y admirado. El Costner-Brooks no es diferente al Jim Garrison, fiscal de Nueva Orleáns, que jugueteaba con sus gafas en el Caso Abierto de JFK de Oliver Stone; ni al irresistible intocable de Eliot Ness; ni al controvertido fugitivo de Un Mundo Perfecto; ni al tierno amante de Mensaje en Una Botella; ni siquiera es distinto al atribulado profesional que enamoró a las jovencitas de toda una generación con El Guardaespaldas. Kevin Costner siempre ha actuado de Kevin Costner, llevando a todos y cada uno de sus personajes a su propio terreno, ése en el que tan seguro se siente y que siempre levantó ampollas entre tantos sectores de la crítica.

La réplica perfecta a su última actuación, la encontramos en ese ente abstracto al que da vida un William Hurt que nunca podrá contar este papel entre los mejores de su interesante carrera. Sus intervenciones, muchas de ellas recogidas a través del espejo retrovisor de un coche, se mantienen dentro de la corrección más absoluta, pero muy alejadas de la magia que solía imprimir a sus personajes en tiempos pasados. Por supuesto, sin olvidar, a una de las actrices más camaleónicas del cine americano que, tras muchas vicisitudes y dándola ya por perdida, vuelve a emerger con esa sabiduría que la hicieran grande en películas como Striptease o La Teniente O’Neill. Junto a ellos, una de las grandes promesas del cine contemporáneo, Dane Cook, en lo que puede ser su despegue definitivo.

Y tras ciento veinte intensos minutos de metraje en los que no tiene cabida el aburrimiento, la verdadera pesadilla de Mr. Brooks comienza al salir del cine. Es ése el momento en el que, recuperados del trance hipnótico en el que astutamente nos ha hecho caer el director, recordamos las palabras del mejicano Alejandro González Iñárritu, que, básicamente decían que “si una historia no provoca una catarsis en el espectador es que algo ha fallado”. Tal vez el fallo de Bruce Evans haya sido escribir un guión a lo largo de diez semanas para entretener durante dos horas y ser olvidado en cinco minutos.

[REC]

2007-12-05T06:01:00.000-08:00

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Peligrosa mezcla entre géneros en la que la técnica, que perfecciona una idea ya existente, se antepone a la formalidad de un guión fundamentado en endebles premisas de fácil destrucción. Patético terror engañoso construido a base de Dogma y apagones de luz.

¿A quién no le asusta estar encerrado en un edificio, sin posibilidad de contactar con el exterior y enfrentado a una amenaza tan real como incomprensible?
A mí, desde luego, mucho.
¿A quién no le sobrecoge recibir una historia a través de una cámara de televisión que filma espeluznantes figuras con visión nocturna?

Pues ahí está el único secreto del éxito desbordante de [REC]. Una película atípica que funciona más como “pasaje del terror” que como cinta convencional, y sólo en sus últimos minutos. En éstos, bajo el estandarte de “vamos a pasar miedo”, los apagones de luz se suceden, los movimientos de cámara se hacen todavía más mareantes, la limitada profundidad de campo se vuelve inexistente, las pérdidas de sonido son frecuentes, la histeria colectiva –no siempre justificada- alcanza cotas que rozan la taquicardia, la irrisoria serenidad desaparece, y emerge un acertado juego de sombras y luces.

Pero el problema de [REC] es que esta parte –sin duda alguna, brillante-, no encaja dentro del todo que la contiene. Para llegar a esta situación y creérsela, el espectador tendrá que hacer un esfuerzo sobrehumano para pasar por alto un cúmulo de imprevistos y despropósitos inadmisibles que configuran el guión.

Es en ese punto en el que todo hace pensar que éste estuviera concebido para ser vendido a la industria norteamericana. Allí es más que habitual que la policía siempre llegue tarde y que el gobierno, sistemáticamente, ponga en peligro la vida de sus ciudadanos, dando paso a las intervenciones heroicas individuales. Incluso en historias basadas en hechos reales, se hace patente una descoordinación y una confusión que alarman. Pero, ¿todo eso sucede en este país?. ¿Aquí se activaría un protocolo antiterrorista de manera unilateral, en el que las autoridades sanitarias actuaran bajo su propio criterio sin el conocimiento del resto de cuerpos que componen la seguridad del Estado?. Habría sido más sensato omitir el lugar en el que se desarrolla la acción, puesto que la improbabilidad de las respuestas se acerca a la ciencia ficción más asombrosa, en la que el aislamiento forzoso alcanza a los sistemas de comunicación y los móviles pierden la cobertura. Se mire como se mire, es como aquel viejo chiste: “tú lo que quieres es que me pille el toro”.

Esa burda mezcla entre géneros siempre fue más peligrosa que los perros rabiosos que transmiten virus letales a través de la saliva. Pero no contentos con crear una situación inverosímil hasta para quienes nos creímos Resident Evil o 28 Días Después, los guionistas se permiten el lujazo de insertar un episodio de “Aquí no hay quien viva”, en el que un grupo de “aterrados” vecinos (y motivos no les faltan para estarlo), se preocupa más de salir bien peinado ante la cámara y de criticar los hábitos alimenticios del señor que vive en el cuarto derecha, que de su propia integridad y supervivencia. Lo increíble roza la tomadura de pelo mientras los expertos hablan de “crítica mordaz a los problemas interculturales”, mientras las interpretaciones y la dirección de actores dejan muchísimo que desear.

El inicio de este desaguisado lo encontramos en un parpadeo escalofriante de “Filmax”, augurio de pesadillas. Después, la ausencia de títulos de crédito parece indicar que los directores podrían estar “desacreditados” en este Proyecto de Blair rodado con cámara al hombro, sin música, con fotografía imposible tomada en condiciones de bajísima intensidad de luz, en un “aquí y ahora” sin saltos temporales ni espaciales. Si no fuera por los puntos 6 y 8, la aparición de armas y la exclusión explícita de “películas de género” (que alguien me diga una sola película que no pertenezca a ninguno), nos encontraríamos ante un “filme Dogma”; en el que, lógicamente, obviamos el resto del decálogo 95, ése que ni sus propios fundadores han cumplido.

Decía “Dios” que “dirigir es un placer y escribir es un rollo”. Quizás, por ese motivo, los guiones de cine sean más dignos de alabanza que las propias técnicas de rodaje. En cualquier caso, la segundas nunca deberían prevalecer sobre los primeros. Se da el caso, además, de que Jaume Balagueró (una de mis grandes debilidades) aprueba con sobresaliente en ambas materias. Los Sin Nombre es, sin duda alguna, la mejor película de terror que se ha rodado en este país. Los guiones de historias como Frágiles o Darkness, -que tan buenos momentos nos han hecho pasar a los amantes del género-, superan todos los patrones americanos para convertirse en el futuro del cine que queremos ver. La concepción de [REC], sinceramente, decepciona.

Todo lo cual nos lleva al convencimiento de que lo único terrorífico de esta película son las colas kilométricas que se han de superar en los cines albaceteños, para caer en un lateral de la fila dos y soportar ochenta y cinco minutos de cámara al hombro.

Pablo, ¡graba todo esto, por tu madre!.

ENCANTADA: LA HISTORIA DE GISELLE

2007-11-28T05:25:00.000-08:00

Leer critica de Encantada: La Historia de Giselle en Muchocine.net

Después de títulos míticos como Mary Poppins (1964) o La Bruja Novata (1971), la Disney persigue incansable la nueva historia que consiga marcar la infancia de otra generación de cinéfilos. De momento, entre pajaretes y ratoncicos, la de Giselle se pierde entre la simpleza de las formas y la complejidad caótica del contenido. “Un cuento demasiado largo” para los niños. Para los adultos, una simpática decepción.

En palabras de una guapa cinéfila de seis años, “una bruja, que vive en un cuento, empuja a una princesa, que también vive en el cuento, por un pozo, y la princesa aparece en la realidad”. Quienes, por edad, hemos visto algunas películas más, y, en no pocas ocasiones, no discernimos con tanta nitidez la línea que separa la realidad de lo que no lo es dentro de la pantalla; recordamos que, en la Historia del Cine, nunca faltaron personajes que, por caprichos del guión, azarosos avatares del destino o ponzoñosos encantamientos, se equivocaron de mundo.
Algunas, auténticas deidades de formas exuberantes, abandonaron el Olimpo para, en forma de Ava Gardner (Venus era Mujer, 1948) o de Rita Hayworth (La Diosa de la Danza, 1947), hacer soñar a los mortales. Otras, ingenuas muchachas de carne y hueso, sencillamente, se perdieron en un camino de baldosas amarillas que, transitado por “leones, tigres, panteras ¡Dios mío!”, las llevaría a casa (El Mago de Oz, 1939). Y hasta hubo quienes, adaptadas a su nueva vida, se resistieron a emprender la senda del regreso, Kate and Leopold (James Malgold, 2001) o Maniquí (Michael Gottlieb, 1987).

En el caso de Encantada, hemos de buscar los referentes inmediatos en los clásicos Disney de animación. En la manzana envenenada que ofrece la malvada bruja a Blancanieves, en el zapato de cristal y los pajaretes modistos de Cenicienta, y en la convicción de que “un día encantador, el príncipe vendrá” que tenía Aurora cuando aún no era durmiente. Claro que, al adaptar el cuento para situarlo en la 36 esquina con la 48, el cristal se convierte en un modelo de Manolo Blahnik, las hadas madrinas son sustituidas por tarjetas de crédito doradas y la oferta de príncipes se dispara. Incluso Giselle es más alta, más estilizada y más pelirroja que ninguna de sus antecesoras. Una especie de Ariel que perdió el infantilismo junto con las aletas.

La primera parte del metraje propone una historia de animación al viejo estilo de la Disney. Un cuento abreviado que corona los tres actos que lo componen con un excelente montaje y que, como no podía ser de otra manera, es resuelto con demasiada precipitación. Sin embargo, el final resulta ser tan sólo el principio, y la caída de Giselle por el foso, que no consigue mermar las oportunidades de la protagonista para alcanzar la felicidad, sí logra truncar todas las posibilidades de la película para salir de la mediocridad. Y es que podemos decir que, tras un interesante, aunque poco original, planteamiento, los guionistas aparecen tan perdidos como la princesa de cuento en el Nueva York actual.

En su segunda parte, la real, la trama argumental se basa y se reduce en la creación de evidentes situaciones cómicas, propias de quien se desenvuelve en un hábitat que no le corresponde (“¿Tendría alguien la bondad de indicarme el camino a palacio?”), conducidas por un personaje atolondrado que insulta la inteligencia, y dando paso a la incursión de seres animados que han perdido la magia y se muestran como figuras estáticas de cuadros en la pared. Las buenas intenciones se empañan con los torpes y escasos números musicales, o tal vez con la simpleza apabullante que esconde un peligroso mensaje: ¿son madrastras malvadas las novias de los papás?. Una duda que no queda despejada en el caótico desenlace, que, tras dos horas de insufrible producto, en un ¿quién se viene, quién se queda?, realiza un esfuerzo sobrehumano para que todos coman perdices, -poco importa cómo-, por siempre jamás.

Por supuesto, la película causa furor en USA. Es normal que quienes tachan de “fumada” a la inocente Caponata de Barrio Sésamo vean correcto el comportamiento de una chica que adopta ratas como mascotas, confecciona vestidos con las cortinas del salón y canta por los parques. Aunque, claro, algo bueno se desprende de todo ello, como es poder escuchar un fragmento de la banda sonora de La Sirenita “yo quiero ver algo especial, yo quiero ver una bella danza...”, disfrutar del majestuoso vestuario, o encontrar la seguridad de que nada es tan poderoso como un beso de amor verdadero. Y es que el amor romántico sólo es una fantasía... hasta que te enamoras.

Dentro del reparto, la insulsa actuación del príncipe egocéntrico y la corrección formal sin fondo del príncipe de la abogacía, son superadas por la impresionante puesta en escena de Susan Sarandon y el buen hacer de la deliciosa prometida de Leo Di Caprio en Atrápame si Puedes (2002). Ella, Amy Adams, nominada a los Oscar por Junebug de Phil Morrison, destaca en una historia de recursos agotados para convertirse en su único atractivo.

Y justo cuando empieza a asustar la idea de la insensibilidad, de ser demasiado mayores para permitir que la magia de Disney atraviese los corazones, un pequeño “minimoy” sugiere a mis espaldas que “éste es un cuento muy largo”. Quizás sea ésa la esencia de la crítica que estuve buscando.

LAS 13 ROSAS

2007-11-16T05:26:00.001-08:00

Martínez-Lázaro realiza un certero retrato de las dos Españas de 1.939. Cautivadora desde los títulos de crédito, brillantemente interpretada, de precisa dirección artística y sobrecogedora banda sonora, el cine español antepone el humanismo a la ideología para rescatar trece nombres del olvido.

Lejos de los libros de Historia, los pequeños episodios humanos que componen la tan lejana, tan presente guerra del 36 y sus repercusiones, han llegado hasta muchos de nosotros en forma de sencillos testimonios relatados en primera persona, que no siempre se correspondieron con lo que el cine nos contó. Quizás por ese motivo, el tono plano, casi lineal que adquiere la narrativa de Las 13 Rosas, nos resulte, por vez primera, cercano. La película de Martínez-Lázaro siempre será la historia que rescató trece nombres del olvido, y que lo hizo como nunca antes lo había abordado el cine español: anteponiendo el humanismo a la ideología, en un ejemplar ejercicio de buen cine europeo.
Cuando un director decide mostrar un hecho histórico - a todas luces, impactante- con tan exquisita delicadeza e imparcialidad, exento de aspavientos, momentos culminantes y picos de colores, no sólo demuestra un respeto inmenso por la memoria de las protagonistas y sus familiares, sino también por el espectador. La indignación y la pena, inherentes al propio período, quedan eclipsadas, en no pocos pasajes, por la sensación de miedo continuo que caracteriza la sociedad de todo régimen dictatorial. Recordemos la reciente Vida de Los Otros, ambientada en otro país, distinta época, diferente pensamiento.

Las 13 Rosas, en conjunto, destaca por su acertado planteamiento argumental, que, lamentablemente, se pierde en la primera mitad del metraje, evidenciando una deficiente dirección coral. Los planos secuencia no siempre consiguen enlazar las diferentes subtramas, por lo que éstas son introducidas de manera forzada y a destiempo. El montaje de la cinta, cautivador desde los títulos de crédito, se antoja ahora insuficiente al mostrar los retazos de cinco vidas rozando la confusión.

Todo ello, sin embargo, no priva del deleite cinematográfico que producen muchas de sus escenas al componer valiosos documentos. La intencionada inverosimilitud del plano inaugural, en la que unas “malas actrices” animan a la resistencia ante unos pocos ciudadanos cansados que anhelan la paz, no debió de ser muy distinta de la que se vivió en 1.939. La bendita inconsciencia de la juventud y sus poderosos ideales tratando de evitar el desastre de una guerra perdida:“¿De qué sirve la paz sin libertad, sin dignidad?”. La relación de afectividad existente entre los miembros de las dos Españas, que culmina con las reiteradas advertencias que Félix Gómez (magnífica e impresionante actuación) dedica a Julia: “Tú no sabes cómo están las cosas”. El dolor y la impotencia que le siguen. La incertidumbre de los vencidos que se ahoga contra el júbilo de los vencedores, salpicando de angustia y de temores al español que los contempla setenta años más tarde. El joven falangista que exige el saludo a un pueblo abatido, que pocos años antes se regía por otros simbolismos.

La segunda parte de la historia consigue ser transmitida con mayor solidez al contar con un único enfoque. Las trece protagonistas coinciden en la cárcel para emprender un inesperado camino sin regreso. Es ése el momento en el que la memoria cinéfila, inevitablemente, recupera la figura de Salvador y la última sentencia de muerte firmada en este país, para constatar la sinrazón de una etapa maldita en la que los asesinatos que llegaban en forma de atentado –como todo asesinato, injustificables- se saldaban echando mano de los “presos rojos” que, en ese momento, poblaban las cárceles. Nada se había avanzado en treinta y cinco años de Historia.

A nivel técnico, la cinta consigue superar con creces la media de las últimas producciones nacionales. La sobrecogedora y magistral banda sonora compuesta por Roque Baños encuentra la réplica perfecta en la precisa y bien documentada dirección artística, la excelente fotografía de José Luis Alcaine, los trabajos de vestuario, peluquería y maquillaje. Tampoco pasa desapercibida la composición del guión que realiza Martínez de Pisón, ni por supuesto la puesta en escena de una cantera de jóvenes actores que puede dar grandes satisfacciones al cine contemporáneo. Pilar López de Ayala, siempre un escalón por arriba, encabeza un reparto en el que Verónica Sánchez realiza el mejor papel de su carrera, Gabriella Pession y Nadia Santiago regalan momentos de inapreciable belleza interpretativa y la gran Marta Etura empieza a despegar.

El desenlace, muy dignamente tratado, deja una ventana abierta a la esperanza que suplica la ausencia de rencor. Un mensaje conciliador, recopilado en numerosos testimonios de los protagonistas supervivientes, de difícil asimilación, que se perfila como el único capaz de cerrar las heridas que todavía siguen abiertas.

EL SUEÑO DE CASANDRA

2007-11-15T05:50:00.000-08:00

Woody Allen sigue ganando adeptos incluso –o sobre todo- cuando no ejerce de Woody Allen. La habilidad para saltar entre géneros, la concisión narrativa de los guiones y la orfebrería cinematográfica que caracterizan su obra, siempre destacarán dentro de un panorama –el actual- que carece de tan inapreciables aspectos. La última entrega de la trilogía londinense no es una excepción.

....Y la maldición de Apolo cayó sobre Casandra, hija de los reyes de Troya. Sus sueños seguirían vaticinando desgracias que, al no ser creídas, atraerían la destrucción...

A los cinéfilos les bastará la mención de cierta ciudad, evocadora de nostalgias, para recordar las vidas de los príncipes Eric Bana y Orlando Bloom. Después, tan sólo cabe esperar que el título de la película fuera puesto al azar, preguntarse si acaso Poderosa Afrodita lo era, y llegar a la conclusión de que el mundo de las casualidades nunca fue una constante en el original universo de su director. Con Woody Allen, “lo muy improvisado” no es más que el resultado de “lo muy ensayado”.

En cualquier caso, sería interesante intentar analizar El Sueño de Casandra desde dos puntos de vista diferentes: bajo “el prisma del psicoanálisis”, que nos llevaría a compararla con el resto de la filmografía reciente de su autor; y, por otra parte, como película que se estrena en el año 2.007. Las conclusiones podrían sorprender.

Es posible que Todo Lo Demás fuera el preludio de una crisis creativa en la que parece estar sumergido el director de Annie Hall. Comparada con la totalidad de su obra, la trilogía londinense se antoja mediocre, desmarcada de las producciones que le encumbraron en la fama. Mientras Scoop no pasa de ser una aventura “simpática”, en Match Point se limita a trasladar Una Tragedia Americana a la ciudad del Támesis. Y es que la originalidad de dicha historia, nominada a los Oscar, sólo es tal en su desenlace, tras mostrar un planteamiento razonablemente parecido al que George Stevens desarrollara en 1.951 a partir de una novela de Theodore Dreiser, en una película que llevó por título Un Lugar en el Sol.

Sin embargo, y en el peor de los supuestos, no es difícil comprobar cómo el giro inesperado del nuevo Allen, el moderno clásico, el director compulsivo capaz de rodar a la velocidad de los años cuarenta, sigue ganando adeptos entre las nuevas generaciones de cinéfilos y –muy curiosamente- entre todos aquellos que nunca le soportamos.

Quizás para El Sueño de Casandra, en la línea de Match Point, la pretensión de Allen haya sido la de adaptar una tragedia griega –en esta ocasión, con muchísimo más acierto- a nuestros días. Para ello, se sirve de su inmensa capacidad de ofrecer al espectador el mismo caramelo de siempre con distinto envoltorio, recurriendo a la idea obsesiva por el sexo, la sinrazón del capricho masculino cuando repara en la personalidad de una mujer por debajo de su cintura, y la reflexión sobre la psicopatía desquiciada del mundo en que vivimos, tan presentes en su obra.
De igual manera, se apoya en su habilidad innata para describir a los personajes con tan sólo una frase conseguida: “Soy difícil, egocéntrica y ambiciosa”, que tanto recuerdan a las innumerables descripciones de la inigualable Desmontando a Harry. Continúa con un certero retrato de familia, ampliamente tratado en Hannah y Sus Hermanas, para ofrecer esa visión anecdótica de los múltiples amores que parecen serlo y no lo son, engrandecidos con la introducción de una de esas citas dignas de enmarcar: “La familia es la familia, pero hay unos límites”. Y culmina con la maestría que demostró en Delitos Y Faltas al unir dos tramas paralelas, para, desde una perspectiva seria –no exenta de humor- aludir a la elasticidad moral de la condición humana: el hecho atroz que atormenta a unos, es fácilmente asimilable por otros. Todo ello con un absoluto desprecio fílmico por la capital inglesa, que el director de fotografía de Spielberg no logra evitar, tan alejado del amor que demuestra por la ciudad de Nueva York en la magistral Manhattan.

Si el Sueño de Casandra se observa como una película de director desconocido que se estrena en el año 2.007, -necesariamente-, termina llamando la atención. La originalidad de su planteamiento, sus agudos diálogos, la solidez en la estructura del guión, la excelente medición de los tiempos, el adecuado ritmo por el que se desenvuelve la trama, la portentosa dirección de actores (¡la actuación de Collin Farell resulta creíble!)... no son habituales en el cine contemporáneo. Es tal la maestría que desprende un producto que no es drama, que no es comedia, que no es thriller... que no es nada pero convence, que se le perdona el olvido de situar un vehículo estropeado en el lado derecho de una carretera británica; los alarmantes fallos de script, que hacen brillar el sol tras la cena, y contemplar tres horas diferentes en el reloj de Ewan Mcgregor en un plano-contraplano de veinte segundos de duración; y la ironía de mostrar a los personajes anglosajones siempre fumando en lugares públicos.

Aun no pudiendo fumar en tan estricta ciudad, “¿A que la vida es genial?”. Incluso para Bonnie and Clyde lo era, y aunque no den ganas de invadir Polonia con esta nueva ópera, no cabe ni la más mínima duda de su genialidad.

EL ORFANATO

2007-10-18T03:31:00.000-07:00

Leer mi critica de el orfanato en Muchocine.net

FICHA TÉCNICA DE LA PELÍCULA

TITULO ORIGINAL El orfanato
AÑO 2007 DURACIÓN 100 min.
PAÍS ESPAÑA
DIRECTOR Juan Antonio Bayona
GUIÓN Sergio G. Sánchez
MÚSICA Fernando Velázquez
FOTOGRAFÍA Oscar Faura
REPARTO Belén Rueda, Fernando Cayo, Géraldine Chaplin, Roger Príncep, Mabel Rivera, Montserrat Carulla, Andrés Gertrúdix, Edgar Vivar
PRODUCTORA Rodar y Rodar

Con una de esas ideas impactantes que revolucionan el género, la ópera prima de Jota Bayona, -de irregular desarrollo técnico y artístico-, alterna conseguidas secuencias de absoluta maestría cinematográfica con las propias de un experto realizador videoclipero. Un claro ejemplo en el que un guión prácticamente perfecto aspira a obra maestra.

Hasta aquí, es mucho lo que llevamos aprendido en materia de terror. Destino final, por ejemplo, se encargó de reivindicar que los planes trazados por la muerte son difíciles de esquivar. House on Haunted Hill observó cómo la condición de uno de los protagonistas, mantenida en secreto, sabía influir en el devenir de los acontecimientos. Títulos míticos como El Ente o Poltergeist mostraron lo que, en su día, nos pareció de ciencia-ficción: la posibilidad no sólo de detectar, sino también de medir con sofisticado instrumental las supuestas presencias de otras dimensiones. La Guarida, por su parte, hizo entender que los hechos que producen pavor en los adultos proceden, con frecuencia, de un juego de niños. Y mientras Trece Fantasmas persigue la pieza que le falta; Los Otros, El Último Escalón o Amityville recuerdan que los grandes misterios siempre permanecen ocultos en áticos, sótanos y cobertizos.... o al final de pasillos interminables, como advirtiera Kubrick en El Resplandor.

Partiendo de estas premisas, entre los amigos del miedo, surge una pregunta evidente.
¿Sería posible la creación de una nueva historia que, huyendo de los males del cine contemporáneo, prescindiendo de material de casquería y del abuso de los efectos de sonido para asustar, fuera capaz de sacudir al espectador?. La respuesta –afirmativa- se encuentra en el guión seleccionado por el Sundance Institute que, en origen, dio lugar a un corto llamado Sé que estás Ahí, y que terminó llamando la atención del productor Guillermo del Toro.

Rodada en decorados de dimensiones faraónicas al más puro estilo del Hollywood clásico, El Orfanato se nutre de una multitud de conceptos predeterminados de género para dar forma a un intenso drama. Todo ello tratado con una meticulosidad extrema, que la alejan del plagio y de la atractiva tentación del homenaje. No hablamos de una película de terror típica, aunque las pequeñas manos que arrancan el papel de las paredes para dar paso a los títulos de crédito iniciales ya produzcan inquietud.

El guión de Sergio G. Sánchez, tal y como ha llegado a la pantalla, presenta dos fisuras imperdonables, si tenemos en cuenta que éste fue revisado y perfeccionado durante un año y medio. La primera de ellas da inicio a la agónica carga dramática de la trama, desoye las recomendaciones básicas del Ministerio español de Bienestar Social y contradice tanto el pasado de la protagonista como el presente con su pareja. La segunda, habría que buscarla en los archivos policiales creados en el propio relato.

Sin embargo, su grandeza reside en que ambas pasan desapercibidas dentro de una historia hipnótica y envolvente, que priva de la facultad de pensar y destierra la sensación de engaño. El eje central del argumento, por sí solo, es tan poderoso e impactante, tan capaz de alimentar los miedos reales que calan en el ánimo y perduran en la memoria del espectador; que, al salir del cine, difícil será reparar en sus deficiencias, y liberador exhalar un suspiro de alivio, porque ni siquiera era una pesadilla, tan sólo una buena película que desestabiliza el alma.

Ahora bien, al reparar en la ejecución del guión, -tras alabar el esmerado diseño de producción y la exquisita dirección artística de Joseph Rosell-, el conjunto no termina convenciendo; siendo, quizás, achacable esta desagradable impresión a la dirección de un equipo técnico novel. Mientras la banda sonora permanece en un discreto segundo plano; al montaje, indudablemente correcto, no se le aprecia ni una sola virguería que le haga digno de mención, llegando a una fotografía que, en ningún momento, alcanza la altura del producto.

El director, por su parte, alterna conseguidas secuencias de absoluta maestría cinematográfica con las propias de un video-clip, correspondiendo las segundas al rodaje que se desarrolla en espacios abiertos. No será fácil olvidar el vaivén de la cámara en el escondite inglés con Laura adulta, ni la creación de pasajes contaminados de una atmósfera enrarecida procedente del mejor terror clásico, ni los fotogramas memorables que reproducen primeros planos de una actuación brillante, ni la ternura de dos miradas que se cruzan frente a un piano. Lamentablemente, tampoco son fáciles de olvidar las tomas a ras del suelo, los encuadres desencuadrados ni los retimes de la playa.

Esa irregularidad alcanza al corazón del orfanato, Belén Rueda, quien no llega a establecer química alguna con Fernando Cayo ni con el joven Roger Príncep, brillante en todas sus intervenciones. Un personaje que, como la mujer que le da vida, sabe remontar de la nada al todo, de la fingida actriz con cara de pánico tras el grito de ¡acción!, al aspecto que debería tener la entereza si decidiera personificarse.

Para configurar el resto del reparto, la dirección de casting apuesta fuerte por los actores secundarios, con la impagable presencia escénica de Geraldine Chaplin y la inestimable colaboración de una gran dama del teatro catalán, Montserrat Carulla.

En todos los casos, El Orfanato es un acierto importante del cine español, en cuanto aporta una respuesta clara y concisa sobre el tipo de cine que el público quiere ver y por el que paga (un dato importante) en las salas de proyección (ésas que podrían verse cerradas). El tipo de cine que concilia a crítica y masas, tal vez por contener un innegable toque americano que tanto gusta al espectador y tan poco a los cineastas patrios. Y es que los primeros seguimos pensando que para perderse en “la película más personal de......” siempre habrá tiempo, o no.

Aclamada por los críticos europeos, adquirida por la industria estadounidense, inmejorable trampolín de un equipo debutante; para la fijación obsesiva de esta servidora por los “flashbacks”, siempre será el referente imprescindible que lleva a la resolución magistral de una trama con sólo tres fogonazos. Rápidos. Decisivos. Cortantes. Uno, Dos, Tres, ¡Toca la pared!.

PROMESAS DEL ESTE

2007-10-10T05:55:00.000-07:00

FICHA TÉCNICA DE LA PELÍCULA

TITULO ORIGINAL Eastern Promises
AÑO 2007
DURACIÓN 99 min.
PAÍS REINO UNIDO
DIRECTOR David Cronenberg
GUIÓN Steven Knight
MÚSICA Howard Shore
FOTOGRAFÍA Peter Suschitzky
REPARTO Viggo Mortensen, Naomi Watts, Vincent Cassel, Armin Mueller-Stahl, Sinéad Cusack, Donald Sumpter.

SINOPSIS: El misterioso y carismático Nikolai, nacido en Rusia, es el chófer de una de las familias más importantes del crimen organizado de Europa Oriental. Encabezada por Semyon, el encantador dueño de un caro restaurante ruso que esconde una naturaleza brutal y fría detrás de su sonrisa, la suerte de la familia se tambalea por culpa de Kirill, su alocado hijo, que hace más caso a Nikolai que a su propio padre. Pero la cautelosa vida de Nikolai cambia de golpe cuando conoce a Anna, una comadrona que trabaja en un hospital de Londres. Anna está muy afectada por la situación en la que se encontraba una adolescente que muere dando a luz, y decide buscar a la familia de la chica basándose en el diario que dejó escrito en ruso. Al escarbar en el diario, Anna desencadena involuntariamente la ira de los mafiosos...

Poderosa dirección y brillante puesta en escena para una noveleta de mafia edulcorada, que, tras un curso intensivo de lengua rusa con traducción simultánea, poco –o nada- tiene que ofrecer. Especialmente recomendada para los que se emocionan con David Cronenberg sucumbiendo a la seducción del cine convencional, con los desnudos de Viggo Mortensen y con el trasero de Naomi Watts en moto.

David Cronenberg, cineasta canadiense que con tantos y tan buenos sustos deleitó la infancia de los amantes del miedo de una generación entera. Probablemente, el director que peor adaptación cinematográfica haya hecho de una novela de Stephen King, La Zona Muerta, que, -cosas de la edad- tanto nos gustó. Y que, tras un remake –no mejor- de La Mosca, clásico terrorífico favorito de la que suscribe, volvió a amedrentar al paciente espectador con aquellas cosas asquerosas que Vinieron De Dentro De... no se sabe dónde, para hacer vomitar. Justo cuando el universo friki se relamía de gusto con alucinados títulos como Videodrome, Scanners, Existenz o Spider, el creador de Rabia decide que –bien pensado- no hay mejor terror que el que procede del interior del propio ser humano, por lo que conviene fomentar las transformaciones psicológicas, explotar la doble moral de sus planos personajes y rodar una “película normal”, Una Historia de Violencia, con la que alcanza una talla considerable que aumenta –si cabe- su valoración.

En la presente ocasión, Cronenberg se equivoca de historia y, lo que es peor, de guionista. Al adentrase en un argumento de mafias, pactos y familias, la memoria histórico-cinéfila remonta el vuelo hacia paraísos fiables de tiempos mejores y producciones envidiables, para desembarcar en el peligroso puerto en el que las odiosas comparaciones fílmicas resultan inevitables. En dicho ejercicio, fácil es observar que el desnudo de Mortensen, en una escena similar de violencia sexual, transmite mucho menos al espectador que la que protagonizara Robert De Niro, realmente escalofriante, con toda su ropita (Érase una vez en América, Sergio Leone); que la insostenible situación que propicia el enamoramiento del chico malo con la chica buena, aborta por su insensatez, frente a la que Martin Scorsese construyera para Uno de los Nuestros; o que la paz entre familias filmada por Coppola, que hará correr ríos de sangre, suscita más tensión que el corte de cuellos sangrando a borbotones. Debe de ser porque la violencia sugerida siempre fue más turbadora que la explícitamente mostrada, aunque sea Cronenberg quien la represente. Debe de ser porque “los cineastas no son alquimistas, y los excrementos de gallina (guiones como el de Promesas del Este) nunca se podrán transformar en chocolate”.

A lo largo de los cien minutos que componen su metraje (que se antojan mil seiscientos), la lentitud y la solemnidad (que, una vez más citando al dios Wilder, nunca fueron sinónimos de profundidad) llegan a desesperar. La inadecuada utilización de la excelente banda sonora y la intriga inexistente, sofocan el factor sorpresa adelantando los acontecimientos, por lo que los tres secretos que conserva el relato serán desvelados con previsible nitidez, sin necesidad de recurrir a la traducción del diario, ni a la ridícula pregunta de “Necesito saber quién eres” con la que culmina el rollito morboso con asesino a sueldo irresistible.

Y, si no convence la edulcorada noveleta de mafias rusas afincadas en Londres, que, prescindiendo de todo tipo de documentación veraz al respecto, se limita a recopilar tópicos para desbarrar en una historia incapaz de provocar el más mínimo interés; tampoco lo hace la irrisoria trama paralela de adopciones, más cercana a un regalo imposible de Reyes Magos que a lo que el convenio de La Haya dictamina en la materia.

Nos quedamos, por lo tanto, con los aspectos técnicos de una producción impecable, entre los que destaca su sobria fotografía; con la siempre agradable presencia escénica de Naomi Watss, con las interesantes interpretaciones de los actores secundarios; y con un director que, por momentos, nos recuerda la genuina brutalidad ingeniosa del salvaje Peckinpah.

LA EXTRAÑA QUE HAY EN TI

2007-10-03T05:46:00.000-07:00

TITULO ORIGINAL The Brave One
AÑO 2007
DURACIÓN 119 min.
PAÍS USA
DIRECTOR Neil Jordan
GUIÓN Roderick Taylor, Bruce A. Taylor, Cynthia Mort (Historia: Roderick Taylor, Bruce A. Taylor)
MÚSICA Dario Marianelli
FOTOGRAFÍA Philippe Rousselot
REPARTO Jodie Foster, Terrence Howard, Naveen Andrews, Nicky Katt, Mary Steenburgen
PRODUCTORA Warner Bros. Pictures / Village Roadshow Pictures / Silver Pictures

El vehículo estelar que garantiza el lucimiento de una de las mejores actrices de los últimos tiempos y el peculiar estilo de un director irregular e impredecible, convergen en un peligroso argumento que, por su desarrollo manipulador, sólo termina convenciendo a quienes no entendieron que “en un ojo por ojo, el mundo se quedaría ciego”.

Añorando el universo conciliador que forjara el roswelliano Frank Capra, sería maravilloso pensar que son puramente profesionales los motivos que llevan a Jodie Foster a embarcarse en el peligroso argumento que, previa revisión, se convierte en un vehículo estelar que garantiza su lucimiento. Aun siendo así, puede que la ambiciosa productora vuelva a equivocarse, casi tanto como en la revisión que hiciera de El Rey y Yo en 1.999. En cualquier caso, parece que los cuatro oscars de Katherine Hepburn seguirían sin temblar, como muchos creyeron al observar la meteórica carrera de la agente del FBI en el thriller de Jonathan Demme.

Persiguiendo, quizás, el espíritu de Taxi Driver y con un final tan sorprendente como el de Infiltrados, La Extraña que hay en Ti, -traducción benévola de “la valiente”-, nada tiene que ver con el cine de Martin Scorsese. Si bien es éste un “director violento”, la violencia de su filmografía sólo se entiende desde la mirada de quienes la rechazan. Así pues, señalada la diferencia, la temática de la producción que hoy comentamos, tampoco nos acerca al subgénero de los años 80 en el que las calles se llenaban de maleantes contra los que luchaba un Charles Bronson en plena posesión de sus facultades físicas. Títulos como Yo soy la Justicia o El Justiciero de la Noche, tachados de ideología fascista, meros espectáculos de acción, carecían de elementos manipuladores que incitaran a desarrollar la empatía en el espectador. Es ahí donde reside la peligrosidad del argumento creado por los Taylor, encaminado a la justificación de lo injustificable.

Los veteranos guionistas, además, olvidan la sabia frase de Joseph L. Mankiewicz, según la cual. “La diferencia entre la vida real y las películas es que un guión tiene que tener sentido y la vida no”. Cuando menos, resulta inverosímil que, en una ciudad que estadísticamente se encuentra entre las más seguras del planeta, una misma persona llegue a estar en peligro de muerte en tres ocasiones consecutivas durante un espacio de quince días. A partir de ahí, las banalidades se suceden entre el vaivén de las cámaras temblorosas, los juegos de luces y un ritmo brutalmente tedioso, para alcanzar una inesperada resolución que atenta contra los pilares de la Democracia. Una vez más, la sociedad americana sigue dividiendo al mundo en “buenos” y “malos” y, con más descaro que nunca, se comprende la maldad en los honestos.

Tras un “curso acelerado sobre Nueva York”, Neil Jordan, director impredecible, debió de sentirse como pez en el agua al recibir el encargo. Experto en argumentos arriesgados y en engaños efectistas, nunca tuvo problemas para idear una salida digna a los hechos violentos, ni para mostrar que, detrás de un asesino, siempre hay una persona, cualquiera de nosotros como se indica en esta ocasión. Tan decepcionante cineasta, cuenta también con el agravante de creerse un genio, una especie de Stanley Kubrick en el rodaje eterno de La Naranja Mecánica.

Y, aunque siempre se agradece la personalidad que algunos directores demuestran tras las cámaras; la marcada influencia técnica de “los jóvenes airados” y la abundancia de planos medios del realismo inglés del Free Cinema, terminan mareando. Todo ello, por supuesto, destacando los atributos físicos de la productora ejecutiva, ahora con unos cansados ojos azules asustados, ahora con unos labios parlantes en la radio, ahora con el sugerente roce de una mano... mientras el mundo seguro que conocimos se transforma y la agorafobia gana la partida a los flashbacks, las voces en off y las virguerías del montaje.

Es posible que este lamentable producto sólo sea recordado por el rodaje de la agresión que sufren los protagonistas, impropia de la falta de elegancia de Jordan, más dado a la filmación de planos absolutamente vomitivos. Más, todo hace suponer por los resultados de taquilla, que nos enfrentamos a un nuevo tipo de cine, que, sinceramente, aterroriza.

SIN RESERVAS

2007-09-27T06:19:00.000-07:00

TITULO ORIGINAL No reservations
AÑO 2007
DURACIÓN 105 min.
PAÍS: USA
DIRECTOR Scott Hicks
GUIÓN Carol Fuchs (Historia: Sandra Nettelbeck)
MÚSICA Philip Glass
FOTOGRAFÍA Stuart Dryburgh
REPARTO Catherine Zeta-Jones, Aaron Eckhart, Abigail Breslin, Patricia Clarkson
PRODUCTORA Castle Rock Entertainment / Village Roadshow Pictures

Versión americana de “Deliciosa Martha”, la producción alemana que, en el año 2.001, nos conquistó no sólo por el estómago. El duelo interpretativo que llegan a entablar las actrices protagonistas, la probada melomanía del director de “Shine” y la impecable adaptación del guión, terminan haciendo de “Sin Reservas” una receta cinematográfica “comme il faut”.

Si recordamos a la guapa-francesa-dibujo-animado que aparecía en Ratatouille, nos asomamos al personaje de Martina Gedeck en la historia original de Sandra Nettelbeck, y contemplamos la determinación con la que la genial señora de Douglas sentencia que “todos sus platos culminan comme il faut”, llegamos a la conclusión de que todas las “chefs” de la alta cocina mundial son mujeres de armas tomar. Es posible que así sean todas las grandes profesionales de los cinco continentes. Y es posible también que esta actitud ante la vida no parta de un instinto natural de protección, sino de un estudiado ejercicio de supervivencia. Mas, como dijera Ortega y Gasset, “El río se abre un cauce y luego el cauce esclaviza al río”, certera explicación que podría justificar la mal llamada adicción al trabajo y su peor consecuencia, el temor por una vida, la propia, con la que no ha dado tiempo a fraternizar. “No hay libros de cocina para la vida”.

Antes de nada, conviene no confundir al espectador. Aunque así se haya comercializado, Sin Reservas, versión americana de “Deliciosa Martha”, no es una comedia romántica, porque tampoco lo era la historia en la que se inspira. Si de buscar género se trata, justo es indicar que tan recurrente argumento se ha de entender como un testimonio vital que, como todos, llevaría implícito el drama, y el sentido del humor como necesario mecanismo de compensación. Su finalidad no es otra que la de acercarse a ese concepto subjetivo y abstracto, que se construye desde el interior, llamado “felicidad”. “La suave brisa que, de vez en cuando, te roza la cara”, como solía definirlo Banderas, malagueño internacional.

Llegados a este punto, sería irresistible pensar que tal argumento, -por cotidiano y masivamente explotado- podría llegar a resultar tan insustancial dentro de una adaptación cinematográfica como la propia producción que lo contiene, una intrascendental “comedia romántica”. Y ahí es donde fallan todas las predicciones. Parafraseando su exquisito guión, “la vida es imprevisible” y, afortunadamente, el cine también lo es, por lo que las recetas que algunos inventan, contra todo pronóstico, se alzan como las mejores. Alabados sean los directores que, aun en nuestros días, son capaces de adentrarse en un género manido, despojarlo de sus clichés y, sin pretensiones reivindicativas, lograr elevarlo.

Evidentemente, al hablar de “algunos” no nos estamos refiriendo a “cualquiera”. Scott Hicks marca un hito en la historia del cine con Shine, al contar la biografía de un pianista absolutamente desconocido, para hacerle famoso. Lo habitual sería lo contrario, hacerse eco de la biografía de un músico ya consagrado. En Sin Reservas, nos confirma que su incursión en el mundo de la música no fue casual ni puntual, puesto que uno de los mayores aciertos del filme que ahora orquesta, se basa en la adecuada utilización de la banda sonora. La partitura de Philip Glass –de por sí, sobrecogedora- será sabiamente mezclada con importantes piezas de ópera interpretadas por el mismísimo Pavarotti, que, aderezadas con diversos temas populares, la erigen, en no pocos momentos del metraje, en protagonista absoluta.

Como en la buena cocina, tan magistral habilidad para encontrar la clave de las dosis perfectas, tan sólo será un ejemplo de la interesante combinación que alberga el resto de la cinta entre los diversos aspectos técnicos y artísticos que la terminan componiendo. La comedida utilización de las voces en off; la acertada fotografía de interiores, que aprovecha al máximo los escasos espacios exteriores que permite el rodaje para captar la belleza de un Nueva York desconocido, y una cuidada dirección artística que recrea los entresijos de un restaurante inexistente, se alternan con el espectacular duelo interpretativo que se establece entre la naturalidad de la Pequeña Miss Sunshine y la profesionalidad de una de las mayores divas del cine contemporáneo.

“La magia entra en escena”, exclamaba Jack Lemmon antes de que bajara la claqueta. Esa magia procede de una escena de Traffic, en la que la guapa bailarina, que muchos creyeron de sangre latina, pronunciaba con verosímil frialdad un “Vuélale la cabeza” que impactó en la retina de muchos cinéfilos que le juramos fidelidad. La magia que hace absolutamente prescindible a su partenaire masculino. Cuando ella llena la pantalla, aun teniendo en mente a señores de la talla de Connery o Clooney, ¿quién no lo es?.

LA JUNGLA 4.0

2007-09-20T04:16:00.000-07:00

FICHA TÉCNICA DE LA PELÍCULA

TITULO ORIGINAL Live Free or Die Hard (Die Hard 4)
AÑO 2007
DURACIÓN 130 min.
PAÍS USA
DIRECTOR Len Wiseman
GUIÓN Mark Bomback (Historia: Mark Bomback, David Marconi. Personajes: Roderick Thorp)
MÚSICA Marco Beltrami
FOTOGRAFÍA Simon Duggan
REPARTO Bruce Willis, Timothy Olyphant, Maggie Q, Justin Long, Jeffrey Wright, Mary Elizabeth Winstead, Cliff Curtis, Kevin Smith, Jonathan Sadowski, Andrew Friedman

Junto con el cristal, la jungla pierde la capacidad de entretener; objetivo principal –si no único- del género de acción. Las puntuales escenas rodadas con especialistas y el encanto –en otros guiones, irresistible- de Willis- MacClane, no logran evitar la quiebra de una delgada línea argumental de americanismo barato. Después de doce años, los seguidores de la saga se merecían mucho más que una sucesión de tráileres sin sentido

¿Cómo era aquella frase de Samuel Goldwing, inculto e insólito magnate de la Metro?, “Anoche fui a ver Hamlet. Está lleno de citas”. Me viene a la memoria cada vez que me aburro en el cine, y es que una manera inteligente de amortizar las más de mil pesetas que cuesta, es la de buscar “citas” que puedan ser recordadas. Ahí van dos memorables: “O me dices todo lo que quiero saber, o te inflo a ostias en tu propia casa”, y “Va a poner Yipi- qui- Yei, hijo de puta”. Que nadie se moleste en buscar más en una jungla tan limitada.

Una vez más, la industria cinematográfica americana vuelve a subestimar al espectador. Después de doce años, los seguidores de La Jungla de Cristal se merecían mucho más que una sucesión de tráileres sin conexión ni sentido, mucho más que ese amago de lo que la cuarta parte intenta ser y no termina siendo. Ni más ni menos que lo que suele suceder cuando cualquier guión “vale” para insertar escenas del “caos total” de Independence Day, sin tener en cuenta que ése nunca fue el espíritu de La Jungla, reinventora del género de acción. En última instancia, que a nadie se le olvide que Willis es un capullo íntegro y encantador porque los guionistas que inventaron a John MacClane así lo quisieron.

Se agradecen, sin embargo, las escenas de acción que son rodadas con especialistas, único homenaje a la historia original de 1.988. En ellas, no sorprenden los planos cortos y tramposos que incluye Wiseman para convencer de las habilidosas artes marciales de la chinita mala, sino los comentarios despectivos, xenófobos y machistas que le dedica el mítico detective de Nueva York, ahora desconocido. Vuelve a fallar el guión al tiempo que las escenas de golpe y puñetazo son sustituidas por un baile incansable de efectos especiales de última tecnología, que terminan haciendo creíbles las Mentiras Arriesgadas de James Cameron.

En el fondo, los estadounidenses adoran estar en peligro, y su cine sigue dando malas ideas para conseguirlo. Obsoletas, pero malas. Y es que el cuento de los ataques informáticos y la certeza de que “cualquiera, desde un garaje, con un ordenador, puede ganar la partida a los sistemas de seguridad, absolutamente incompetentes” ya los conocíamos gracias a productos como La Red, Conspiración en la ídem, La Prueba o la reciente e infumable Operación Stormbreaker. Tampoco nos son desconocidos los arranques de patriotismo barato; interpretación, quizás, errónea, de la célebre frase del presidente Kennedy, ni aquélla otra de Monroe que pedía “América para los americanos”, a la que sólo cabe añadir que este tipo de cine, también para ellos.

Es ésta una historia sin identidad propia, que, en no pocas ocasiones, se presenta como un mal collage de fotogramas tópicos del género. Una historia sustentada en un guión quebradizo, hijo de un argumento desfasado que no consigue captar la atención del respetable. Entre ridículos diálogos de besugos, patéticos monólogos y actores secundarios de telefilme, Bruce Willis se debe de sentir como un nuevo Marlon Brando, productor y estrellita, que, con rostro atribulado, no duda en meter mano en un guión –ya impresentable- para terminar de sentenciarlo. Ya comentaba el diablo que, de todas sus virtudes, la vanidad era la que más le satisfacía; y con una aseveración como ésta: “Si hubiera alguien más, le dejaría hacerlo, pero no lo hay”, quedan de manifiesto las pretensiones del actor.

Como dijo aquel genio, no puede haber una buena película si no hay un buen guión. El de La Jungla 4.0 se encarga de atentar directamente contra la figura de John MacClane, seductor de los años 90, ente molesto en las esferas policiales, para no conceder ninguna premisa que ayude a entender los propósitos de sus adversarios, ni el papel de sus acompañantes. Aunque no era fácil resistirse a la tentación de mencionar el 11S, afirmar que el fin de USA es el fin del mundo, que los tiradores pésimos siempre están en el lado de los malos y los ángeles de la guarda en el de los buenos, que los del FBI no tienen ni idea, y que todos los vuelos han de aterrizar para evitar suspicacias, sólo consigue precipitar la muerte de un gremio, el de los guionistas, que, en el presente siglo, no logra salir de su propia incompetencia.

GRINDHOUSE: DEATH PROOF

2007-09-06T01:18:00.000-07:00

FICHA TÉCNICA DE LA PELÍCULA

TITULO ORIGINAL Grindhouse (Death Proof)
AÑO 2007 DURACIÓN 95 min.
PAÍS USA
DIRECTOR Quentin Tarantino
GUIÓN Quentin Tarantino
MÚSICA Varios
REPARTO Kurt Russell, Zoe Bell, Rosario Dawson, Vanessa Ferlito, Jordan Ladd, Rose McGowan, Sydney Tamiia Poitier, Marley Shelton, Tracie Thoms, Mary Elizabeth Winstead

La desmedida pasión al dirigir demostrada por el realizador de Tennessee, su probada militancia cinéfila y su vasta cultura cinematográfica, que abarca desde la serie A hasta la Z, transforman un slasher de los setenta en el atractivo argumento que fascinara a cineastas como Carpenter o Spielberg. Death Proof es la aportación de Quentin Tarantino al proyecto Grindhouse y un homenaje a su propia filmografía.

Supongo que una de las consecuencias directas de haber estrenado las dos películas que componen Grindhouse por separado, y de comercializar éstas como “productos normales”, ha sido la avalancha de protestas vertidas por los espectadores sobre la “mala calidad” de Planet Terror; lo que, seguramente, ha propiciado la aparición de una graciosa “nota de empresa” en algunos cines, según la cual, “los desperfectos que muestra Death Proof son intencionados”. Más fácil habría sido explicar, desde el principio, que ambas forman parte de un homenaje a las películas de bajo presupuesto que, en los años setenta, pululaban por las salas de proyección americanas.
Un vez hecha la advertencia, conviene saber que las múltiples deficiencias técnicas que acompañan a estas producciones, (Death Proof y Planet Terror), no restan calidad al resultado final de las mismas. Las pérdidas de sonido, los fotogramas rayados, los intervalos que se ofrecen en blanco y negro y el desastroso montaje, son sólo un mero hecho anecdótico, y otra de las muchas genialidades que caracterizan a dos historias, en muchos aspectos, perfectas.

Para analizar seriamente Death Proof, hay que tener en cuenta que abordar la filmografía de Quentin Tarantino no es una tarea fácil. Adentrarse en ella, supone hermanar, irremediablemente, la dificultad con el más absoluto de los respetos. Por encima de su predisposición para la serie B, de su homenaje a las películas baratas karatekas, de su tendencia a la creación de situaciones, en apariencia, absurdas, y su obstinación por dibujar personajes, en no pocas ocasiones, irreales; se encuentra una singular sabiduría cinematográfica, que abarca todos los géneros, y culmina en un estilo inconfundible, imposible de hallar en el cine contemporáneo. Su original manera de dirigir, la inclusión de guiones desestructurados, herencia de Scorsese; la recreación de las impecables puestas en escena habituales de Kurosawa, y la obsesión por los detalles, le convierten en un cineasta de riesgo, con un coraje al límite, sólo comparable al que siempre demostró el mismísimo Welles. No cabe duda de que Tarantino es uno de los pocos Grandes que quedan.

Lo malo de “los Grandes” es que, a veces, se permiten la licencia de gastar una broma a los cinéfilos y obsequiarles con una de esas historias que sólo se pueden mirar con benevolencia conociendo el trabajo previo de sus directores. Recuérdese que incluso Huston aprovechó unas vacaciones por el Mediterráneo para dar al Séptimo Arte una incalificable parodia de El Halcón Maltés titulada La Burla del Diablo; y que éste, justo antes de dar a conocer Los Bastardos sin Gloria, parecía el momento indicado para no rodar en serio. Afortunadamente, ése no es el caso de Death Proof y, una vez más, Tarantino vuelve a mostrar su valía, a sorprender, a revolucionar el tedioso panorama cinematográfico.

Lo que se inicia como un típico filme de crímenes sangrientos, un slasher de los años setenta, pronto se convierte en el atractivo argumento que fascinara a directores como Carpenter o Spielberg. Tras la alusión directa a películas como Punto Límite Cero, La Indecente Mary o Larry el Loco, la memoria cinéfila nos arrastra hacia títulos de culto como Christine o El Diablo sobre Ruedas. Si a ello se le aplica el “toque Tarantino”, el éxito está asegurado.

La magistral definición de personajes, algunos de ellos, dibujados con sólo dos trazos; los diálogos interminables, que sólo en las mejores historias clásicas consiguen captar la atención del espectador; la profusión de detalles, que encuentran su irreemplazable lugar en la resolución del desenlace; los continuos guiños a los amantes del cine, y a los espectadores españoles (recuérdense los carteles de películas protagonizadas por Charo López); las referencias explícitas tomadas de Pulp Fiction, Jackie Brown y Kill Bill, hacen de Death Proof una de las mejores películas del año.

Para el recuerdo, la apuesta del cineasta por los masajes en los pies, el deleite que le producen los teléfonos móviles, la incitación a la lectura, el amarillo chillón, las mujeres de armas tomar y el playback. Para gloria del cine, el rodaje de una de las mejores persecuciones de coches de su Historia. Para sus seguidores, la búsqueda incansable del volumen dos.